Interview-Classic: Christiane Hörbigers 80.

Kitsch kann furchtbar schön sein

Kaum eine Schauspielerin hat in ihrer Karriere so viel, vor allem so viel Verschiedenes gespielt wie Christiane Hörbiger (Foto: Mona Film/Petro Domenigg). Von Ulk bis Tragik, von Schmonzette bis Weltkino war nahezu alles dabei. Jetzt wird die Wienerin 80 Jahre alt und dreht noch immer Filme wie den ZDF-Thriller Die Muse des Mörders am 8. Oktober. Zum Geburtstag zeigen die freitagsmedien hier ein Interview zum 75. vor fünf Jahren.

Interview: Jan Freitag

Frau Hörbiger, es ist immer etwas uncharmant, mit älteren Menschen über das Alter zu sprechen…

Christiane Hörbiger: Da haben Sie nicht Unrecht, aber weil es in diesem Film ums Altern und seine Konsequenzen geht, darf es notgedrungen auch gerne bei mir mal darum gehen.

Wie würde sich ein charmanter Wiener aus Ihrer Heimat an dieses Thema herantasten?

Ach, direkt. Schließlich habe ich das Publikum nie mit meinem Alter belogen. Das wäre ja nun wirklich ungleich peinlicher als 75 zu werden.

Spüren Sie wenige Tage davon entfernt, dass der Kopf manchmal hakt, wenn auch nicht so wie bei Ihrer Charlotte?

Gott sei Dank nicht. Ehrlich: ich hatte auch bei meinem vorigen Film trotz unzähliger Szenen nicht einen einzigen Hänger.

Bleibt diese Rolle als Alzheimer-Patientin, die nach und nach ihren Geist verliert, vollends abstrakt.

Das bleibt sie nicht. Ich konnte mir diese Krankheit schon vor Drehbeginn lebhaft vorstellen. Das ist allerdings auch dem genialen Drehbuch von Thorsten Näther geschuldet, der fast jede Bewegung, jede Pause, jeden Aspekt minutiös vorgeschrieben und somit fühlbar gemacht hat. Mich in diese Figur hineinzuversetzen, fiel mir also leicht, hat aber auch etwas damit zu tun, dennoch souverän über dem Text zu stehen und in die unbeschreiblichen Tiefen dieser Person vorzudringen.

Wie tief genau war das – sind Sie am Ende diese Figur?

Dement meinen Sie?

Frau Hörbiger…

(lacht). Also ich komme ihr äußerlich wie innerlich schon recht nah, nehme sie aber nicht mit aufs Hotelzimmer. Im Gegenteil – ich bin immer froh, nach dem Abschminken, erschöpft und müde, aber privat zu sein. Vielleicht denke vielleicht ich nach Drehschluss gelegentlich noch darüber nach, was ich hätte anders machen können, aber das ist rein beruflich. Dieses an sich Heranlassen passiert Laien, keinen Profis.

Ist Ihnen also früher in Ihrer Karriere eher widerfahren?

Durchaus, aber das ist länger her. Andererseits ertappe ich mich heute durchaus dabei, meinem Mann nach dem Einstudieren einer eifersüchtigen Ehefrau etwas misstrauisch gegenüberzutreten.

Zum Jubiläum sind Sie nun in grundverschiedenen Stoffen zu sehen: einem harten über Verfall und Tod, einem weichen über Neubeginn und Liebe. Was spielen Sie trotz aller Distanz lieber?

Ich spiele selbstverständlich das Positive lieber, die heitere Welle, alles wunderbar, alles herrlich. Wohlgemerkt: Spiele! Aber gehaltvoller ist ohne Frage Stiller Abschied, weil der uns irgendwie alle berührt, weil jeder Angst vor dieser Krankheit hat oder Betroffene kennt. Im Gegensatz zur Liebesgeschichte ist das die interessantere, allgemeingültigere, konfrontativere.

Auch erschöpfendere?

Natürlich! Diese Unberechenbarkeit, die Verhaltenssprünge waren extrem anstrengend.

Wie haben Sie sich darauf vorbereitet?

Durch drei Fälle, die mir ein Münchner Arzt vorgeführt hat. Eine leichte, eine mittlere, eine schwere Erkrankung. Der leichte Fall hat mir erzählt, wie sie plötzlich die Autobahnausfahrt zu einem Ort verpasst hat, den sie nicht mehr erkannte, so dass sie ihren Sohn anrufen musste. Oder wie schwer es ihr fiel, von 20 rückwärts zu zählen. Der mittlere Fall wirkte eher wie eine schwere Depression. Und der schwere war offenbar so furchtbar, dass ich ihn auf Geheiß der Verwandten nicht getroffen habe.

Bereiten Sie sich auf Ihre Rollen immer so intensiv in der Wirklichkeit vor?

Nicht immer. Manchmal höre ich auch nur in mich selbst hinein: wo meine eigenen schlechten Eigenschaften liegen zum Beispiel, etwa, dass ich früher zuhause vor einer Premiere oft unausstehlich war. Mein verstorbener Mann sagte dann immer, er gehe mal lieber aus der Schusslinie. Dieses verdrängte Böse in mir versuche ich für manche Rolle nutzbar zu machen, denn ich muss da wirklich schrecklich gewesen sein.

Reizbar?

Und nervös. So sehr, dass ich meinen kleinen Sohn angefahren habe, wenn er beim Abfragen vom Einmaleins die Zwölfer nicht mehr konnte. In solchen Momenten habe ich die Verkäuferin im Kaufhaus beneidet, die parterre Parfüm anbieten, ein Beruf, in dem man keine Furcht vorm eigenen Verhalten haben muss und die Rollläden nach Feierabend einfach runterlässt.

Steckt darin auch die Sehnsucht nach dem einfachen Leben?

Allerdings. Aber wenn die Premiere dann geschafft ist, steht ja der Himmel wieder offen und alles ist so gut wie nach einem gelungenen Film.

Haben Sie eigentlich die Interpretation eines Alzheimer-Patienten von Ihrem Landsmann Klaus Maria Brandauer in Die Auslöschung gesehen?

Natürlich.

Hat sie das inspiriert?

Nein, denn das ist eine Liebesgeschichte, also ein völlig anderer Film als unserer. Wunderbar gespielt, aber fast noch eindrücklicher fand ich zudem Götz George als alzheimerkranker Busfahrer, der ständig die falschen Stationen anfährt. Grandios, auch sein Sohn, Klaus J. Behrendt. Stiller Abschied widmet der Familie ebenfalls den nötigen Raum, dieses Ignorieren, die Ausreden. Das wirft weit mehr die Frage auf, wer an der Krankheit eigentlich mehr leidet, in welche Grenzbereiche beide Seiten dadurch geraten.

Ihre letzten Rollen dringen ebenfalls zusehends in Grenzbereiche vor: Alkoholsucht, Sex im Alter, jetzt Alzheimer. Suchen Sie sich diese Themen ganz gezielt?

Nein, aber es folgt meinem Wunsch, dass eines schönen Tages etwas übrig bleibt von mir, dass mich die Zuschauer nach meinem Tod vor allem mit wesentlichen Themen in Verbindung bringen und vielleicht nach dem dritten Cognac ihrer Mutter sagen, Mutti, erinnere dich mal an diesen Film mit der Hörbiger. Da bin ich meinem Produzenten Trebitsch sehr dankbar, mich an solche Themen herangeführt zu haben. Und das ist mal wirklich ein Segen des Alters, dies erkannt zu haben, wie wertvoll diese Stoffe sind – selbst wenn die Quote dabei geringer bleibt als mit leichteren Themen.

Welcher Ihrer Filme, welcher Schaffensperiode, welche Rolle wird von Ihnen dann am meisten erinnerlich bleiben?

Ich bin der ARD sehr dankbar, in einer Woche zwei vollständig verschiedene Neuproduktionen mit mir zu bringen, die eher meine Bandbreite als meine Paraderolle zeigen. Ein einzelner Film fällt mir da nicht ein.

Schtonk vielleicht?

Ah ja, da sagen sie was. Es wäre schön, wenn etwas von mir bleibt wie dieser große deutsche Filmerfolg, der nahe am Oscar vorbeigeschrammt ist. Im Kino bleibt es leider Gottes wohl doch eher Hotzenplotz und bei den Fernsehspielen diese Kette sozialkritischer Stücke. Da hat der Thorsten Näther nächstes Jahr wieder was mit mir vor, dann zum Thema Altersarmut.

Puh…

Ja, puh. Das ist dann wirklich langsam so viel Schwermut, dass ich fast hoffe, noch mal eine Prinzessinnenrolle zu kriegen. So eine Putzfrau, die den George Clooney kriegt.

Wie stehen da die Chancen?

(lacht) Wenn er selber mitspielen soll, eher gering. Leider. Kitsch kann furchtbar schön sein.

Stella Sommer: Die Heiterkeit & Happiness

Songwriting ist immer einsam

Eigentlich ist Stella Sommer Kopf und Stimme der Hamburger Indie-Band Die Heiterkeit. Nach drei Platten hat sie nun jedoch ein Solo-Album aufgenommen. Wobei der Titel 13 Kinds of Hapiness trügt. Die 13 Tracks klingen getragen, melodramatisch, orchestral, also ganz anders als der ironische Diskurspop ihres Hauptprojekts. Ein Gespräch (vorab erschienen auf MusikBlog) mit der Alleskönnerin über autobiografische Lieder, englische Texte, künstlerische Inspirationsquellen und warum ihr Glück mit der Einsamkeit verwandt ist.

Von Jan Freitag

freitagsmedien: Stella Sommer, wenn man den Sound und die Texte von 13 Kinds of Hapiness mit dem vergleicht, was Die Heiterkeit macht, wirkt dein Soloalbum melodramatisch, manchmal fast pathetisch. Woher kommt diese Stimmungslage so plötzlich?

Stella Sommer: Ach, das ist gar nicht so plötzlich. Auf dem letzten Album der Heiterkeit gab es auch schon Stücke wie Die Kälte, die womöglich ins Melodramatische gehen. Wobei ich den Begriff sowieso ein bisschen komisch finde…

Nennen wir es Getragenheit. Kennzeichnet sie das Gegenteil jener unterkühlten Lässigkeit, mit der Die Heiterkeit sonst spielt?

Ich finde, die Stimmung dieses Albums rührt viel stärker als sonst von der Instrumentierung her. Bei der Heiterkeit hab ich schließlich immer nur Gitarre in einer klassischen Indieband-Konstellation gespielt. Jetzt ist alles ein bisschen größer, orchestraler. Durchs Klavier oder die Orgel nehme ich mir definitiv Freiräume, die auch emotional spürbar sind.

Sind mit dem Titel denn tatsächlich 13 verschiedene Glückszustände gemeint?

Der Ansatz war eigentlich eine Sammlung von Kurzgeschichten, die ich mal gelesen habe. Ich fand diese Eleven Kinds of Loneliness zwar ein bisschen langweilig, aber die Idee dahinter, elf Erzählungen über die Einsamkeit zu schreiben, ganz gut. Deshalb habe ich das aufs Glück übertragen. Von Einsamkeit ist das schließlich gar nicht unbedingt weit entfernt.

Wird diese Verwandtschaft dadurch zum Ausdruck gebracht, dass du vermeintliche Glücksgefühle mit derart getragenem Sound verknüpfst?

Ganz genau. Ich spreche ja schon im Titelstück abwechselnd von 13 Kinds of Hapiness und Loneliness. Die Musik dazu soll zum Ausdruck bringen, wie austauschbar beide Begriffe oft sind.

Ist diese Austauschbarkeit autobiografisch geprägt?

Autobiografisch ist die Platte vor allem in dem Sinne, dass ich die Stücke über einen sehr langen Zeitraum angesammelt habe. Einige davon sind sicher zehn Jahre alt, stammen also aus einer völlig anderen Lebensphase von mir. Abgesehen davon, dass Liedtexte eigentlich immer auch ein wenig vom Texter erzählen, würde ich mich aus meiner Sicht viel zu angreifbar machen, wenn darin alles von mir und meinem Innersten handelt.

Ein vertontes Tagebuch ist das Album also nicht?

Nein, so weit will ich die Musik nicht an mich und das Publikum heranlassen. Es geht inhaltlich auch gar nicht um so persönliche Sachen. Die Stücke sind einfach Ergebnisse verschiedener Skizzen um Themen wie Einsamkeit oder Glück. Es gibt da noch viel mehr unveröffentlichtes Material von mir, aber der Rest passt bislang nicht richtig zueinander.

War denn beim Entstehen der ersten Stücke noch vor der Gründung von Die Heiterkeit absehbar, dass sie irgendwann mal Teil eines Konzeptalbums werden?

Eher nicht. Damals war ich ja noch nie im Studio, weshalb das Plattenmachen noch sehr weit entfernt war. Die Idee einer Band war seinerzeit zwar durchaus präsent, aber ziemlich schwer zu greifen. Ich habe mit elf oder zwölf angefangen, Lieder zu schreiben – damals noch überwiegend auf Englisch, weil ich damals halt viel britischen Folk gehört hatte. Erst, als ich mit 20 nach Hamburg gezogen bin, fiel mir auf, dass man Indie auch Deutsch singen kann, hatte aber dieses Arsenal von Texten in englischer Sprache – sehr schlechtem Englisch allerdings.

Und jetzt hat es sich so weit verbessert, dass es an die Öffentlichkeit darf?

Als ich an die Platte herangegangen bin, habe ich es eher als große Herausforderung empfunden, die Bruchstücke und Refrains auszuarbeiten und zu vervollständigen. Im Deutschen kenne ich mich gut aus, da bin ich zuhause. Sich eine andere Sprache anzueignen wie die eigene, ohne sich dabei lächerlich zu machen, das fand ich interessant und spannend. Letztlich war es dann aber gar nicht so großartig anders, nicht auf Deutsch zu schreiben.

Du hast nicht das Gefühl, verkünstelt zu klingen?

Also ich bin ganz zufrieden.

Gab es Momente, in denen du mit Deutsch weiter gekommen wärst, weil du dich nicht adäquat ausdrücken konntest?

Eigentlich nicht. Beide Sprachen sind in meinem Alltag so präsent, dass ich gar nicht groß differenziere. Bei Filmen zum Beispiel weiß ich hinterher oft nicht, ob ich sie im Original oder übersetzt gesehen habe. Ich hoffe, das überträgt sich auch auf meinen Gesang.

Ist es Zufall, dass der ein wenig an Andy Warhols Muse Nico erinnert?

Unterbewusst vielleicht. Als die Stücke entstanden sind, habe ich viel Musik aus den Sechzigerjahren wie Marianne Faithfull oder die Stones gehört. Es gibt aber auch andere Inspirationsquellen wie Nick Cave oder Tocotronic.

Inspirationsquellen oder schon Vorbilder?

Wo genau ist da der Unterschied?

An Vorbildern orientiert man sich, Inspirationsquellen macht man sich nutzbar.

Dann eher letzteres. Ich habe sie quasi ausgenutzt [lacht].

Und die Instrumente hast du alle selbst eingespielt?

Philipp spielt wie bei der Heiterkeit Schlagzeug, der Bass kommt teilweise von Pogo McCartney und ein Freund von ihm hat eine Gitarrenlinie beigesteuert. Ansonsten kommt alles von mir, ja.

Wenn du so viel Unterstützung hast – warum heißt es dann Solo-Album?

Weil ich alles alleine arrangiert und vorproduziert habe und es irgendwie lächerlich gefunden hätte, jetzt noch eine Band aufzumachen. Ich wollte mich nicht wieder abhängig machen von Leuten, bei denen unklar ist, ob sie nach der Platte wieder aussteigen. Als Stella Sommer hab ich alle Freiheiten und muss keine Kompromisse machen. Aber auch Die Heiterkeit weiß gar nicht so ganz genau, ob es überhaupt eine Band ist beziehungsweise was das überhaupt sein soll – eine Band. Vielleicht sind wir ein projektbezogenes Kollektiv.

Das es weiterhin gibt?

Ja, grad letzte Woche hab ich ein Album fertig gemacht, das im Grunde seit einem Jahr rumliegt.

Kommt man nicht durcheinander, wenn zwei Projekte nebenher laufen?

Nein, das geht. Es ist ja nicht zeitgleich passiert.

Was unterscheidet Die Heiterkeit musikalisch von Stelle Sommer solo?

Allein bin ich folkiger, zeitloser, vielleicht auch klassischer, nostalgischer. Ich finde es sehr angenehm, dem Band-Zusammenhang zu entkommen und jeden Song in jede Richtung zu denken, weil nicht alle Mitglieder beschäftigt sein müssen. Im Proberaum alles alleine gemacht zu haben, war schon eine neue Erfahrung. Aber Songwriting ist immer einsam.

Bist du trotzdem Teamplayer?

Doch. Schon. Aber ich habe es in 20 Jahren noch nie anders versucht.

Jason Priestley: Beverly Hills & Private Eyes

Ich habe immer gearbeitet

Jason Priestleys Glück ist zugleich sein Problem: Die Hauptrolle in der 90er-Legende Beverly Hills, 90201 hat ihn zwar weltberühmt gemacht, aber auch langfristig auf den braven Sunnyboy festgelegt. Beim Privatsender 13th Street kehrt der 48-Jährige nun als Privatdetektiv in Private Eyes zurück. Ein Gespräch über seine Anfänge im Meer vor Vancouver, Ähnlichkeiten seiner Charaktere und ob er je als Brandon nach Beverly Hills zurückkehrt.

Von Jan Freitag

freitagsmedien: Jason Priestley, können Sie sich noch an ihren ersten Auftritt vor der Kamera erinnern?

Jason Priestley: Oh Boy, das ist lange her. Mehr als 40 Jahre, ich war damals noch ein kleines Kind und habe nach meinem Einstieg eigentlich nie aufgehört, zu drehen.

Wirklich? Hierzulande empfinden viele Ihren Auftritt als Privatdetektiv in Private Eyes sicher als Comeback…

Das ist es absolut nicht, ich habe immer gearbeitet. Und das im Gegenteil sogar immer und immer mehr. Deshalb ist vielleicht schwierig, sich an alles zu erinnern, was am Anfang passiert ist.

War es den zunächst Werbung, Fernsehen oder Kino?

Kann sein, dass ich zuvor schon mal einen Werbeclip gedreht habe, aber mein erster richtiger Auftritt als Schauspieler war in einem Drama, ganz ernster, schwerer Stoff. Und wahnsinnig anstrengend zu drehen. Ich musste im strengen Winter von Vancouver – und die Winter von Vancouver sind sehr streng – in den Ozean steigen und so tun, als würde ich ertrinken. Diese Kälte, die damals trotz dickem Badeanzug meine Wirbelsäule runterkroch, werde ich nie vergessen.

Ist es trotzdem eine gute Erinnerung?

Absolut. Aber wenn ich zurückblicke, kann ich mich eigentlich nur an gute Momente erinnern. Die schlechten habe ich wahrscheinlich frühzeitig verdrängt. Als Kind ist allerdings ohnehin immer alles aufregend, was man mit Erwachsenen machen darf.

Wollten Sie da schon Schauspieler sein oder war es noch eher Spielerei als Spielen?

Na ja, es hat mir gut gefallen und großen Spaß gemacht, sonst hätte ich damit ja nicht weitergemacht. Aber mich hat niemand dazu gedrängt, ein Schauspieler zu sein, geschweige denn dazu gezwungen. Es war meine eigene Entscheidung. Und als ich meiner Mutter sagte, einer werden zu wollen, hat sie sich sofort um einen Agenten gekümmert, der mich mit Vorsprechen versorgt hat und kleineren Jobs. In den 70ern hatte Vancouver eine wirklich kleine Filmindustrie, da war es schwer, Fuß zu fassen. Aber ich bin quasi mit ihr gewachsen und deshalb gut vorbereitet nach Los Angeles gegangen.

Wenn Sie jetzt auf diese fast 40 Jahre im Business zurückblicken – sind Sie genau da, wo Sie es sich beim ersten konkreten Plan vorgestellt hatten?

Wow, schwierige Frage. Ich glaube, die kann niemand aufrichtig mit Ja beantworten, oder? Wenn ich mir die Ziele eines Achtjährigen ansehe mit seinem begrenzten Horizont, wurden natürlich alle Erwartungen meilenweit übertroffen. Wenn ich den 21-Jährigen betrachte, der dachte, die Filmwelt von Beverly Hills aus zu erobern, wurden sie eher unterboten. Trotzdem bin ich überaus zufrieden mit dem, was ich erreicht habe.

Welche Rolle spielt da eine Serie wie Private Eyes?

Eine große, wirklich. Das sage ich nicht nur zu Werbezwecken. Es ist mein erstes Format, das ich entwickelt, produziert und geformt habe – inklusive meiner eigenen Figur und ihrer Partnerin Angie Everett. Die kam im Drehbuch zunächst nämlich gar nicht vor. Wir wollten unbedingt starke Frauencharaktere, mit denen Matt Shade zusammenarbeiten, aber auch streiten kann. Das ist einerseits diese Privatdetektivin, aber auch seine Tochter. Erst in der Mitte dieses Dreiecks kann er sich voll entfalten.

Zu was genau?

Zu einem komplizierten, aber bodenständigen Mann, der immer an sich selbst glaubt, seinen Instinkten folgt und bereit ist, härter zu arbeiten als andere. Und auch wenn er seinen Porsche nicht verkauft hat, scheut er es auch nach seiner besten Zeit als Eishockey-Agent nicht, sich dreckig zu machen. Um ein guter Vater zu sein, ein guter Ex-Mann, ein guter Detektiv.

Kann man sich Matt Shade als eine Art erwachsenen Brandon Walsh vorstellen, der Sie vor einem Vierteljahrhundert auf einen Schlag berühmt gemacht hat?

Das ist ein schöner Gedanke. Aber darüber hinaus, dass beide irgendwie Nice Guys sind, die auf der guten Seite stehen und meistens nur das Beste für alle wollen, ist das schwer vorstellbar. Brandon war vielleicht ein bisschen zu brav, zu tugendhaft, zu rechtschaffen, um die jüngere Version von Matt zu sein, der im reiferen Alter all das wiedergutzumachen versucht, was er vorher verbockt hat. Umso mehr ist Brandon Geschichte für mich und meine Karriere.

Weil Sie auf diesen Charakter reduziert wurden?

Anfangs wurde das versucht, aber mit wenig Erfolg. Ich habe mein Leben lang sehr verschiedene Figuren gespielt, die zum Teil Lichtjahre weg waren von Brandon. Trotzdem betrachte ich Beverly Hills 90210 bis heute als Geschenk. Die Möglichkeit zu haben, bei einer weltweit so derart erfolgreichen Show mitzuarbeiten, kann man gar nicht hoch genug bewerten. Diese Chance bietet sich echt nicht jedem Schauspieler. Das macht mich unendlich dankbar – gerade, weil die Serie für viele Menschen und die Branche jener Zeit äußerst bedeutsam war.

Inwiefern?

Es war die erste Serie überhaupt, die konsequent für Jugendliche zwischen 14 und 24 gemacht wurde, ohne ein Kinderprodukt zu sein. Aaron Spelling, der Sender Fox, den Autoren war früher als dem Rest des Metiers bewusst, wie radikal unterrepräsentiert die Altersgruppe von Beverly Hills 90210 im Fernsehen war. Leute um die zwanzig waren bis dahin höchstens Anhängsel ihrer Eltern. Hier dagegen standen sie voll im Fokus. Das war für uns ganz allein!

Wo Sie sich selbst offenbar zur Zielgruppe dazuzählen: Gab es zwischen dem jungen Jason und Brandon irgendwelche Ähnlichkeiten?

Nicht wirklich viele. Bis auf das Aussehen hatten Jason und Brandon echt wenig miteinander gemeinsam.

Wie ist es mit Matt Shade?

Als guter Kanadier hab ich natürlich wie Matt Eishockey gespielt, wenn auch nicht annähernd so gut. Wir sind beide Väter, trinken gern mal einen, sonst haben wir exakt so viel gemeinsam wie Männer unseres Alters in einer Großstadt nun mal gemeinsam haben können.

Versuchen Sie generell eher Bezüge zur Rollen zu finden oder bewusst davon zu abstrahieren, um größtmögliche Distanz zu erzeugen?

Um einen Charakter glaubhaft zu spielen, ist aus meiner Sicht unbedingt beides nötig. Wenn man ihn zu nah an sich ranlässt, wird er schnell melodramatisch, wenn er einem zu fern bleibt, artifiziell. Ich hoffe, diese Balance ist mir in Private Eyes gelungen. Denn wie gesagt: Es liegt mir wirklich sehr am Herzen.

Wird es weitere Fortsetzungen geben?

Wir sind gerade mitten in der dritten Staffel, und besonders in Kanada, aber auch den USA und Großbritannien ist die Serie echt populär. Wenn jetzt auch noch Deutschland dazukommt, sind das beste Voraussetzungen für weitere Staffeln.

Und wo wir uns gerade im Zeitalter des ewigen Sequels befinden: Wird es irgendwann eine Fortsetzung von Beverly Hills 90201 geben?

Haha! Wissen Sie was? Ich hab keine Ahnung… Bislang hat niemand mit darüber geredet, was aber nicht heißt, dass nicht morgen früh schon jemand damit ankommen könnte.

Und was würden Sie sagen, wenn jemand käme?

Was ich sagen würde? Natürlich!