Tom Schilling: Romeo-Agent & Stil-Ikone

Ich bin manchmal anstrengend

Tom Schilling ist der Star des realistischen Kunstfilms – das hat er mit dem Kriegsepos Unsere Mütter, unsere Väter ebenso gezeigt wie im Großstadtgedicht Oh Boy. Um sein Portfolio zu erweitern, spielt der Ostberliner im ZDF-Dreiteiler Der gleiche Himmel seit Montag einen Romeo-Agenten der Stasi. Ein Gespräch über Anbaggern als Sport, Großfamilienfreizeit und warum er als Perfektionist Bauchmensch sein kann.

Interview: Jan Freitag

Herr Schilling, kannten Sie vor dieser Geschichte den Begriff „Romeo-Agent“?

Tom Schilling: Ja, ich habe vor langer, langer Zeit eine Fernsehdokumentation über die Stasi gesehen, in der es auch darum ging. Und im Spiegel stand mal das Porträt von solch einem Agenten, der sich allerdings wirklich in sein Zielobjekt verliebt und sie sogar geheiratet hat.

Wie haben Sie sich auf Ihren Romeo-Agenten vorbereitet – im Praxistest? 

Wenn man glaubhaft einen Soldaten spielen will, sollte man besser mal ein echtes Gewehr abgefeuert haben, um den Rückstoß und die Zerstörungskraft zu spüren, also nicht mit Platzpatronen… Aus dem gleichen Grund habe ich mich mit Ratgebern und Youtube-Tutorials sogenannter Pick-Up-Artists beschäftigt. Eine sehr armselige Bewegung, die das Erobern von Frauen durch gezielte Manipulation zum Sport erklärt hat. Ich habe dabei so viel gelernt, dass ich vermutlich jede kriegen würde.

Ernsthaft jetzt?

Natürlich nicht! Aber wenn man auf der Straße einer Frau in die Augen sieht und ihrem Blick standhält, bis sie ihn senkt, dann merkt man im zweiten Blick eine unglaubliche Veränderung im Gesicht. Habe ich gemacht, ist echt beeindruckend.

Und bringt es tatsächlich etwas, wenn man wie im Film gezeigt, das linke Auge fixiert, weil es die rechte, für Liebe zuständige Gehirnhälfte aktiviert?

Hier überhöht der Film vermutlich. Es geht nicht um das richtige Auge, sondern die richtige Intensität des Blickes, die vom festen Willen zeugt. Es gibt da einen großen Unterschied zwischen Starren und Fixieren.

Und testen Ihr neugewonnenes Wissen öfter mal in der Realität?

Nee. Ich bin viel zu sensibel, um so mit den Gefühlen anderer Menschen zu spielen. Diese Art von Manipulation ist mir völlig fremd.

Steckt dennoch etwas von Ihnen persönlich in dieser Rolle, wie man es zum Beispiel bei der in Oh Boy vermutet?

Eine Figur wie Oh Boy ist mir natürlich näher, weil sie in meiner Zeit und meinem Umfeld lebt; in ihr steckt aber viel mehr Autobiographisches vom Regisseur Jan-Ole Gerster als von mir. Trotzdem versuche ich jeden Film zu einer persönlichen Angelegenheit zu machen, sonst kann ich keine Wahrhaftigkeit erreichen. Deshalb spiele ich keine Figur bloß, ich bin diese Figur. Hätte ich das Gefühl, zu lügen, würde ich nicht funktionieren und damit auch die Szene nicht. Ich suche daher an jeder Figur Dinge, die mit mir zu tun haben.

Hier zum Beispiel?

Dass er wie ich ein totaler Perfektionist ist.

Worin äußert sich das?

In der Strenge gegenüber mir, meinen Kollegen und den Büchern, mit denen wir arbeiten. Ich bin sehr genau und dadurch manchmal vielleicht auch ein wenig anstrengend.

Haben Sie was von der alten Seele, die Ihnen in Der gleiche Himmel nachgesagt wird?

Was wäre denn eine junge Seele?

Spontaner, poppiger, Typ Springinsfeld, also anders als der charmante Nostalgiker mit den feinen Manieren im Film.

Na ja, trotz meines Perfektionismus bin ich ein totaler Bauchmensch, aber wenn das Gegenteil von alter Seele mit Oberflächlichkeit assoziiert wird, bin ich keine junge. Auch ich lese gerne Klassiker, aber ja nicht, weil sie alt, sondern gut. Damals wie heute waren 90 Prozent der Bücher Schrott. Zehn Prozent überleben ihre Zeit. Beschränkt man sich nicht nur auf Zeitgenössisches, ist die Auswahl natürlich viel größer. Mit Nostalgie hat das nichts zu tun.

Auch nicht, was Ihren Hang zu Anzug und Krawatte betrifft?

Was Sie nostalgisch nennen, nenne ich zeitlos. Deshalb denke ich bei Bildern von mir, die zehn Jahre und älter sind, auch nie – Gott, wie siehst du denn aus? Wer jeden Quatsch mitmacht, an dem bleibt auch viel Quatsch kleben. Wenn es kritische Distanz zum sogenannten Zeitgeist ist, die eine alte Seele ausmacht, dann bin ich wohl eine.

Kann man eigentlich sagen, dass Sie fast Ihr gesamtes Leben Schauspieler sind?

Ich habe jedenfalls schon mit sechs in der DDR meinen ersten Film gemacht, mit zwölf am Berliner Ensemble mit dem Theater begonnen, parallel mit 16 wieder gedreht und nach dem Abitur festgestellt, dass ich wahrscheinlich längst Schauspieler bin.

Was für einen Blick hat man auf diesen Beruf, wenn man ihn von Kindesbeinen an ausübt – abgebrüht, familiär, distanziert?

Hmm… Es macht allenfalls bewusst, wie schwer es ist, das Niveau zu halten, wenn man bei jedem Film den Anspruch hat, etwas Besonderes, Bleibendes zu schaffen. Deshalb mache ich selten Kompromisse und habe immer versucht, meine Biografie so sauber und gut wie möglich zu halten.

Mehr als zwei, drei Filme pro Jahr kommen da selten zusammen.

Genau.

Womit füllen Sie den Rest ihrer Zeit?

Mit drei Kindern, meiner Band und gelegentlich einem Hörspiel habe ich keinen Rest zu füllen. Zumal ich fast nur Hauptrollen spiele, was bei fast jedem Film sehr viel Vor- und Nachbereitung erfordert. Da ist also kaum Zeit übrig, weshalb ich auch viele Angebote ablehne.

Warum nicht das hier?

Das war eine strategische Entscheidung fürs Genre. Ich will mich nicht wiederholen! Nachdem dem sehr künstlerischen Oh Boy, wollte ich das totale Gegenteil und habe den Mainstream-Hacker-Film Who Am I? mit Elyas M’Barek gemacht, der eher im Multiplex- als im Arthaus-Kino läuft. Danach wollte ich gern eine Serie mit großer Reichweite drehen.

Ist Der gleiche Himmel nicht ein Dreiteiler?

Sie war ursprünglich als klassische 45-Minuten-Episoden-Serie konzipiert. Dem ZDF fehlt aber offenbar der Sendeplatz. Einen riesigen Cliffhanger hat sie natürlich trotzdem.

Würden Sie denn weitermachen?

(lächelt süffisant) Mal schauen…

Sönke Wortmann: Charité & Fußballwunder

Nix als Fußball im Kopf

Kleine Haie machte ihn bekannt, Der bewegte Mann berühmt, Das Wunder von Bern unsterblich. Nun macht Sönke Wortmann (Foto: ARD/Nik Konietzny) die Charité (dienstags, 20.15 Uhr, ARD) zum Serien-Thema. Ein Interview über die Medizin-Hölle vor 130 Jahren, seinen Hang zur Unterhaltung und eine Jugend Grimm-Institut und Bolzplatz.

Interview: Jan Freitag

Herr Wortmann, wenn man heutzutage eine Krankenhaus-Serie dreht – wie viel Blut muss da spritzen, wie viel Gedärm quellen, um authentisch zu wirken?

Sönke Wortmann: Nicht viel, wie ich finde. Wir hätten Charité durchaus blutiger machen können, aber es war unsere bewusste Entscheidung des Filmemachers, nicht drastischer zu sein als die Realität. Denn die war hart und schmerzhaft genug. Außerdem sollte man der Phantasie im Kopf des Zuschauers stets ein wenig Spielraum lassen; das passiert mittlerweile leider zu wenig.

Eine Aorta ist allerdings schon vor 70 Jahren sehr plastisch geplatzt, als sie Professor Sauerbruch bei der Film-OP erwischt hat…

Da hat es uns geholfen, dass die Aorta bei der Blinddarm-OP am Anfang ziemlich weit weg ist. Uns war aber ohnehin wichtiger, die Zeit über Kostüme, Masken, Ausstattung als medizinischen Splatter zu erzählen.

Wie viel Realismus verträgt, wie viel davon braucht realistische Fiktion über eine Zeit, in der Hygiene, Anästhesie, die gesamte Heilkunde so infernalisch war wie 1888?

Wenn Sie alle sechs Teile sehen, gibt es jedenfalls noch reichlich Elend zu sehen und äußerst schmerzhafte Todesfälle von Charakteren, die einem ans Herz gewachsen sind. Es gibt keine Regeln, was man dem Publikum zugestehen oder vorenthalten sollte; ich selbst finde es aber falsch, Sensationslust schwerer zu gewichten als Inhalt. Das  Blutrünstige möglichst spektakulär auszustellen, hat mich einfach nicht interessiert.

Was hat Sie dann am Thema interessiert?

Die Epoche. In der habe ich noch nicht gearbeitet und selbst im Geschichtsunterricht ging es stets um andere Zeitalter als das Wilhelminische. Und das, obwohl es so wichtig war für die Phase danach bis hin zu Hitler und dem 2. Weltkrieg. Deshalb hat mich das „Dreikaiserjahr“, in dem Charité spielt, so fasziniert. Das Interesse an der Medizin kam erst später hinzu. Dann aber hat es mich richtiggehend gepackt, dieser Übergang von der reinen Pflege zur therapeutischen Heilung. Wer das Museum der Klinik besucht, möchte auf keinem Fall vor diesem Übergang krank gewesen sein. Und da reden wir noch nicht von weiteren 100 Jahren früher…

Soll Charité da aufklärerisch wirken?

Schon, aber es soll kein Lehrfilm sein. Für mich ist besonders die Emotionalität der Geschichte wichtig, die ja auf wahren Begebenheiten beruht. Nicht nur die Zeit, wie wir sie zeigen, ist historisch verbürgt; auch viele der handelnden Figuren sind es. Von acht Hauptrollen ist abgesehen von Georg Tischendorf nur Ida Lenze frei erfunden.

Ist die weibliche Hauptfigur dem Historiengenre geschuldet, wo sich eine starke Frau gegen mächtige Männer behaupten muss?

Nicht nur. Ida hat auch die Aufgabe, im medizinischen Umfeld unbedarfte Fragen zu stellen, die den akademischen Kontext brillanter Ärzte erklären. Sie nimmt da sozusagen die Rolle des Zuschauers ein, das empfinde ich als spannenden Kniff des Drehbuchs.

Trifft eine so emotionale Figur nur Ihren Geschmack als Regisseur oder als Zuschauer?

Das ist bei mir deckungsgleich. Ich mache nur, was ich selbst gern sehe, und dazu zählt zwingend eine emotionale Seite, die von einer Liebesgeschichte unterstützt wird. Wobei sich daraus hier keine Romanze entwickelt, sondern eher menschliches Drama.

Als Sie vor 30 Jahren mit Ihrem Produzenten Nico Hofmann in München studiert haben, lief gerade die Schwarzwaldklinik.

Verrückt oder?

Hätten Sie damals gedacht, dass eine Krankenhausserie aussehen könnte wie diese jetzt?

Überhaupt nicht, wobei wir auch jetzt nicht wissen, wohin die Reise in 30 Jahren geht. Es gab zwischendurch jedenfalls auch gute Krankenhausserien, vor allem Emergency Room hat da Türen geöffnet oder auf seine Art Dr. House. Das Thema hat die Menschen nie losgelassen.

Umso kritischer sah man es bestimmt an der Hochschule.

In der Tat. Ich wollte schon damals kein Arthaus machen, sondern Unterhaltung, also Filme fürs Publikum, nicht das Feuilleton. Deshalb habe ich seinerzeit mit Komödien angefangen; für einen Filmemacher gibt es ja nichts Schöneres als einen lachenden Kinosaal. Weil das nur ganz wenige von uns wollten, wurden wir an der Uni allerdings angesehen wie Aussätzige.

Gibt es diesen Standesdünkel noch?

Schon, er wird nur nicht mehr so offen kommuniziert. Und der Widerspruch zwischen U und E hat sich längst überholt, da verschwimmen zusehends die Grenzen. Nehmen Sie Toni Erdmann – komödiantisches Arthaus und das kommerziell erfolgreich.

Würden Sie einen Film wie das Wunder von Bern heute genauso machen wie 2003.

Genau wie?

Stark emotionalisiert, in Teilen fast pathetisch, sehr geigenumflort, große Gefühle eben, historisch eingebettet?

Ich bin noch nie irgendeinem Publikumsgeschmack hinterhergelaufen, falls Sie das meinen. Deshalb hab ich das auch damals so gemacht, weil ich es richtig fand. So mache ich es immer und hoffe, die Leute bleiben sitzen und gehen nicht raus, wie es übrigens auch bei „Toni Erdmann“ passiert ist. Aber gerade die Sache mit der Musik ist immer Geschmackssache, da hat jeder eine Meinung, das macht es für mich als Regisseur schwierig.

Haben Sie Charité deshalb vergleichsweise spärlich untermalt?

Hab ich gar nicht, aber eher piano- als geigenumflort.

Sie sind im Marl geboren und aufgewachsen, dort also, wo das Deutsche Fernsehfeuilleton quasi sein Gewissen hat.

Wegen der Grimme-Preise meinen Sie?

Genau. Hat dieses Umfeld Ihren Hang zur Unterhaltung – gewissermaßen als Protest gegen das kulturelle Anspruchsdenken geprägt?

Glaube ich nicht. Wobei man Anspruch auch damals durchaus unterhaltsam gestalten konnte und umgekehrt. In meiner Jugend hatte ich allerdings weder Film noch Fernsehen, sondern nix als Fußball im Kopf.

Und heute?

Zum Glück ist da nun mehr drin, obwohl er mich noch immer interessiert. Aber ich spiele ja selbst auch nicht mehr.

Judith Holofernes: Solo & Helden

Ich sauf mir nichts schön

Judith Holofernes ist so ziemlich alles, was Pop nur selten ist: kreativ, klug, belesen, schön, sympathisch und bei all dem gesegnet mit einem Gespür für seichte Stellen im Tiefgang, aus denen wahre Nachhaltigkeit erwächst. Als sich die erfolgreichste Deutschpop-Band der Nuller 2012 nach zehn Jahren vorläufig getrennt hat, war daher klar, dass die frühere Straßenmusikerin aus Berlin auch solo was Bleibendes produziert. Ihr zweites Album Ich bin das Chaos (17. März, Därängdängdäng Records) ist von so orchestraler Verspieltheit, dass die melodramatischen Texte Appelle der Zuversicht im drohenden Untergang sind. Ein Gespräch über melancholische Zuversicht, positive Autosuggestion, Glückssuche im Kollektiv und warum sie manchmal gern ein wilder, kaputter Mann wäre.

Interview: Jan Freitag

freitagsmedien: Kann es sein, dass du zurzeit bester Laune bist, wenn nicht gar richtig glücklich?

Judith Holofernes: Das ist ja lustig. Eben grad wollte jemand wissen, ob ich wirklich so traurig bin. Aber in der Tat, ich bin eigentlich sehr gut aufgelegt. Sollte das Album also gute Laune verbreiten, könnte das mit meiner eigenen Stimmung zu tun haben; obwohl ich berufsbedingt natürlich einen gewissen Zugang zur Schwermut habe und auch sonst für Stimmungen jeder Art empfänglich bin.

Nur die Schlechten?

Nein, auch die Guten. Ich bin im Rückblick oft selber erstaunt, wie wenig ich beides in meiner Musik verbergen kann. Wenn ich Platten aufnehme, sind die Gefühle der Songs darauf schon mal ein Jahr und mehr her. Da fühle ich mich beim Hören oft ganz schön entblößt.

Auch im Fall dieser Platte?

Ja. Im Dunklen wie im Hellen.

Wobei alle Songs etwas gemeinsam haben: Während sie textlich entweder melodramatisch, wütend oder beides sind, ist die zugehörige Musik vorwiegend heiter.

Das war im Prinzip auch geplant. Ich gehe zwar selten ins Studio, um Platten genau so oder so zu machen. Andererseits hatte ich frühzeitig eine Art Farbe vor Augen, eine Ausstrahlung, die ich nur noch wahrnehmbar machen musste. Und die sollte in diesem Fall eher glänzend sein, funkensprühend.

Darf man sich das dann als farbenfrohes Statement in grauer Zeit dunkler Populisten schönhören?

Sehr gern sogar, auch wenn ich mir das nicht bewusst so überlegt hatte. Ich halte sehr viel davon, magisches Handeln in sein Leben zu integriert.

Magisches Handeln in Form von Autosuggestion?

Genau. Wobei ich Autosuggestion nicht von Wahrnehmung insgesamt unterscheiden würde, weil aus meiner Sicht jede Wahrnehmung Autosuggestion ist und umgekehrt. Ich gehe da jetzt nicht in Richtung Eskapismus, sich das Schlechte der Welt schön zu fantasieren. Aber man muss die guten Gefühle wie Freude, Liebe, Verbundenheit unabhängig vom äußeren Einfluss verinnerlichen, um ihnen nicht ein Leben lang vergebens hinterherzulaufen.

Und du hast diese Kraft positiver Autosuggestion?

Schon. Ich kann mich ganz gut in Stimmungen versetzen, die mir weiterhelfen, ohne ein Schäfchengrinsen aufzusetzen. Ich sauf mir also nichts schön, habe aber verstanden, dass aus einer Haltung von Verzagen, Angst, gar Panik noch nie etwas besser geworden ist.

Halse ich dem Genre Pop zu viel auf, wenn es mir so vorkommt, als wäre seine vielleicht vornehmste Aufgabe, über eine gewisse Leichtigkeit Optimismus zu erzeugen?

Warum nicht! Musik hat ja generell die sehr spezielle Möglichkeit, gleichzeitig Kopf, Körper und Herz zu erreichen. Es so gesehen eine Chance des Pop, die Widersprüche der Wirklichkeit in eine Gleichzeitigkeit der Stimmungen zu verwandeln. Das wollte ich auch mit diesem Album.

Auf dem du sehr an einen deiner Kollegen erinnerst.

Da bin ich ja gespannt.

Moritz Krämer.

Echt? Toll! Warum?

Der versprüht auch diese melancholische Zuversicht.

Das nehme ich als Kompliment. Komischerweise hat kürzlich jemand getwittert, ob der Typ von Die Höchste Eisenbahn eigentlich Judith Holofernes‘ Bruder von einer anderen Mutter ist. Ich dachte da eher an Francesco Wilking, weil ich mit dem seit 15 Jahren befreundet bin. Aber es stimmt: ich habe einen ausgeprägten Hang sowohl zur Melancholie als auch zur Zuversicht, gern auch gleichzeitig. Das hatte ich aber auch schon mit Wir sind Helden.

Worin unterscheiden die sich von dir als Solo-Künstlerin?

Das kann man insofern gar nicht genau sagen, weil ja auch die Helden Entwicklungen durchgemacht haben. Bring mich nach Hause klingt völlig anders als Von hier an blind. Schon deshalb ist Judith Holofernes nicht Wir sind Helden minus drei. Andererseits steckte auch in den Helden so viel von mir, dass man mich nie ganz davon abstrahieren kann. Ein leichtes Schwert war analoger und damit näher an den mittleren zwei Alben, während die Synthies auf Ich bin das Chaos mit der ersten und vierten Platte verwandt sind. Es war immer so viel möglich, dass keiner von uns rausgeht und sagt, endlich mach ich was anderes!

Gibt es solo nicht trotzdem irgendwas, das vorher nicht ging?

Klar. Spezielle Vorlieben wie Alternative Country oder die Cramps waren immer mein Ding und finden jetzt eher mal statt. In meiner Fantasie bin ich oft ein wilder, kaputter Mann. Umso frustrierter bin ich dann, dass es am Ende ja doch wieder nur ich ist.

Plus Band allerdings oder spielst du alle Instrumente selbst ein.

Natürlich nicht!

Es klingt halt stets ein bisschen selbstverliebt, wenn jemand unterm eigenen Namen aus einem Bandkontext aussteigt, aber immer noch nicht alleine musiziert…

Deshalb finde ich das Label „Solo“ komisch. Hab ich mir auch nicht ausgedacht. Das Interessante ist aber, dass man durch das Lösen alter Verbindungen ein Stück seiner Selbstgenügsamkeit im vertrauten Zusammenhang verliert. Mit den Helden hätte ich nicht meine tolle Live-Band oder was mit Bonaparte geschrieben. Ganz allein kann ich gar nicht, dafür arbeite ich viel zu gern mit Leuten zusammen.

Allein mit Hocker und Westerngitarre auf großer Bühne wäre nichts für dich?

Na ja, von dort aus bin ich einst zu den Helden gekommen, weil ich allein überhaupt nicht glücklich war.

Ist es ein Ausdruck dieser Glückssuche im Kollektiv, dass diese Platte so orchestral klingt?

Schön, das ist gewollt. Wir alle waren uns einig, dass der rote Faden des Albums ein fiktives Orchester sein soll, das manchmal neben der Spur liegt. Zu echten Streichern und Bläsern kommt daher manchmal eine bescheuerte Flöte hinzu.

Klingt, als wären gewöhnliche Clubbühnen dafür demnächst zu klein…

Wir waren auch vorher schon zu sechst. Aber obwohl Teitur ein Multiinstrumentalist ist, müssen wir uns Live vermutlich schon noch mal neu aufstellen. Das wird ‘ne echte Herausforderung.

Eine Frage zum Schluss, die sich schwer vermeiden lässt.

Die Helden…

Liegen die wirklich nur auf Eis oder ist damit Schluss?

Dass wir uns nicht abschließend aufgelöst haben, war eine Bauchentscheidung, die immer noch nicht ganz getroffen ist. Ob wir je wieder was zusammen machen, steht in den Sternen, aber es wäre doch traurig, wenn wir alle dächten, unser eigentliches Leben hätte bis vor fünf Jahren stattgefunden. Wir sind mit dem, was wir machen, sehr zuhause im Leben.

Das Interview ist vorab auf MusikBlog erschienen