Kida Ramadan: Orangenbäume & Asbest

Posted: January 27, 2023 | Author: Jan Freitag | Filed under: 4 donnerstagsgespräch | Leave a comment

Freunde muss man persönlich einladen

Kida Khodr Ramadans (Foto: Pantaleon/ARD) Serienregiedebüt Asbest ist ein Knastdrama aus dem Clan-Milieu für die ARD-Mediathek, es hat aber auch viel mit seiner Jugend als Kreuzberger Libanese zu tun. Ein Gespräch über Schauspiel-Rookies, befreundete Superstars und warum er auch anders kann als Kiezmilieustudien.

Von Jan Freitag

freitagsmedien: Kida Ramadan, die Hauptrolle Ihres Seriendebüts Asbest spielt der blutige Schauspielanfänger Xidir. Wie ist es, mit einem Rapper zu drehen – permanente Impulskontrolle oder einfach laufen lassen?

Kida Khodr Ramadan: Ach, das war überhaupt kein Thema. Ich kam ja früher auch mal von ganz unten und hatte keinen Mentor, sondern habe mir alles selbst erarbeitet. Aber ich bin halt zum richtigen Zeitpunkt entdeckt worden.

Wie Koder Alien aka Xidir?

Wie Xidir. Und so ein Newcomer hat etwas sehr Positives, weil er noch voller Feuer und voller Energie ist. Er hat eine Radikalität in sich und einen Impuls, den du brauchst, um dich gegen alle anderen alteingesessenen Schauspieler und Schauspielerinnen zu behaupten. Ich habe Xidir ins kalte Wasser geworfen und er war super unvoreingenommen und hatte null Angst vor Leuten wie Frederick Lau oder Wotan Wilke Möhring oder David Kross.

Alles mittlerweile Superstars der Film- und Fernsehlandschaft.

Die viel erfahrener sind als er. Das möchte ich bei meinen nächsten Projekten ähnlich halten: Junge Talente entdecken und fördern und ihnen in der Hauptrolle dann erfahrene Kollegen zur Seite stellen.

In dieser Produktion verkörpert der Schauspiel-Rookie Xidir das zu Unrecht verurteilte Clan-Mitglied Momo, der mithilfe einer Knastfußballmannschaft neuen Halt gewinnt. Spielt er damit ein bisschen sich selbst oder bloß eine Rolle?

Natürlich spielt er bloß eine Rolle und nicht sich selbst. Der Junge ist null Gangster, sondern ein großartiger Künstler, der seine Texte selbst schreibt, was ja im Rap-Business mittlerweile zur großen Seltenheit geworden ist. Er kann also von Haus aus mit Texten umgehen. Ich habe ihn dann gut vorbereitet für das Abenteuer.

Ein Abenteuer auch für die ARD. Wie fand man Ihre Idee dort?

Weil er zuvor noch nie geschauspielert hatte, musste ich schon meine Hand für ihn ins Feuer legen. Vor allem in einigen Führungsetagen war man ja skeptisch. Aber er macht das großartig, und es würde mich wundern, wenn er nicht den einen oder anderen Preis gewinnt.

Was allerdings auch an Ihrem Gespür für sein Berliner Umfeld läge, in dem Sie selbst ja groß geworden sind. Könnten Sie auch Serien ohne Neuköllner Bezug machen oder geht das nur im eigenen Kiez?

Das ginge absolut auch woanders! Alle denken immer, ich könnte nur einen auf Gangster machen, aber das stimmt nicht! Ich habe gerade ein Drehbuch auf dem Tisch liegen, das wirklich einem komplett anderen Genre entstammt.

Nämlich?

Es ist weder ein historischer noch ein Horrorfilm, sondern ganz im Gegenteil: ein weibliches Thema. Das Drehbuch wurde mir zugeschickt, und ich war sehr angetan – gerade, weil es etwas völlig anderes ist, als man von mir gewohnt ist. Ich glaube, ich kann gut mit Menschen und da ich selber vor allem Schauspieler bin, kann ich andere auch ganz gut führen und somit dahin bringen, die Realität durch ein Spiel zu beweisen. Genau das liebe ich am Regieführen.

Wie in aller Welt kriegen Sie dafür immer diese Riesenriege prominenter Schauspieler und Schauspielerinnen zusammen – reicht ein Anruf und alle sagen sofort zu oder klopfen sogar welche von sich aus an, sobald sie von einem Ramadan-Projekt hören?

Ich hole mir jedenfalls nicht so gerne Absagen und besetze deshalb meistens Leute, die ich persönlich gut kenne, weil ich weiß, dass es gute Schauspieler sind. Hier habe ich daher zu 99 Prozent jeden selbst angerufen und gefragt, ob er oder sie Bock hat auf diese Serie, und ihnen danach ganz klassisch die Drehbücher geschickt. Die ganze Bürokratie lief dann natürlich über die Agentur, aber es sind fast alles Freunde von mir. Und Freunde muss man persönlich einladen.

Wer hat denn wen zu dieser Serie eingeladen – ist Katja Eidinger damit an Sie herangetreten oder umgekehrt?

Katja Eichinger hatte mir schon vor längerer Zeit erzählt, dass sie an dieser Geschichte dran ist. Dann hat mich der Produzent Frank Kusche von PANTALEON Films auf das Projekt angesprochen. Es lag zu dem Zeitpunkt schon eine Weile und keiner hatte die Idee richtig ausformuliert. Ich war sehr interessiert und habe den Kontakt zu Carolin Haasis von der ARD-Mediathek hergestellt.

Mit der Sie bereits für Ihren Debütfilm In Berlin wächst kein Orangenbaum zusammengearbeitet hatten.

Genau. Ich habe dann noch meinen Autoren Juri Sternburg mit dazu geholt, weil ich mir sicher war, dass er und Katja gut zusammenpassen. Daraus wurde jetzt – wie ich finde – eine sehr starke Serie, über die man sprechen wird.

Vermutlich auch im Knast. Wo steht eigentlich der, in dem die Serie gedreht wurde?

Das war ein leerstehendes Frauengefängnis in Köpenick. Da hatten wir schon Teile des Orangenbaums gedreht.

Und waren Sie schon mal in der Hamburger JVA Santa Fu, wo Gerd Mewes, dessen Buch der Serie zugrunde liegt, seine Knastmannschaft trainiert?

Ich war nur vor Ort, aber nicht drinnen.

Ich selber hab darin mehrfach mit meiner Herrenmannschaft des FC St. Pauli gespielt. Das war kein Zuckerschlecken – Lebenslängliche foult man besser nur einmal…

Ja, das ist so wahr und ein großartiges Schlusswort!

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Tobias Moretti: Der Gejagte & seine Tochter

Posted: January 19, 2023 | Author: Jan Freitag | Filed under: 4 donnerstagsgespräch | Leave a comment

Teufel riechen nur im Märchen nach Schwefel

Tobias Moretti (Foto: Barbara Gindl) hat zahllose Rollen gespielt, aber mit Tochter Antonia Im Netz der Camorra – das war 2021 neu für ihn. Ein mit dem österreichischen Charakterdarsteller über die Fortsetzung des ZDF-Films bei Magenta TV und wie viel Familie in Der Gejagte steckt.

Von Jan Freitag

Herr Moretti, wie ist das, wenn die eigene Tochter – und sei es nur am Set – eine Waffe auf Sie richtet?

Tobias Moretti: Gute erste Frage! Da kommen einem im ersten Moment in der Tat in einem Zeitraffer einige Bilder in den Sinn, Charakterblitze zwischen Kleinkind, Pubertät und Heute und Morgen. Wenn dann die Kamera läuft, ist man ganz in der Situation und in den Figuren, da ist die private Verbindung eigentlich ausgeblendet. Die Szene ist ja ein Schlüsselmoment für den Tiefststand, den die Beziehung zwischen Laura und Matteo zu Beginn des Films erreicht hat.

Dachten Sie in dem Moment, „die macht mir Angst“ oder „die macht das toll“?

Mit den Jahren kennt man Szenen und Szenarien, in denen eine Waffe auf dich gerichtet wird oder umgekehrt, das wird im deutschen Fernsehen oft verniedlicht. Man merkt, wie weit manche Kolleginnen und Kollegen von solchen Lebenssituationen entfernt sind. Für Antonia war so ein Szenario auch neu, und die Souveränität und Klarheit, mit der sie das gespielt hat, hat mich beeindruckt. Also: toll!

Wie ist es denn generell, mit ihr zu spielen?

Sehr professionell, klar, sie stellt die richtigen Fragen, ist unprätentiös und hat so was wie einen dramatischen Instinkt. So war mein Eindruck.

Ist das eine stärkere, womöglich aber auch geringere Intensität, weil man sich ja in und auswendig kennt?

Dieser private Eindruck ist vielleicht der erste, aber die Privatismen verflüchtigen sich eigentlich gleich. Es ist die Situation beider Figuren, die sehr intensiv und hoch emotional ist. Beide trauern um Stefania – Laura um die Mutter, Matteo um seine Frau. Aber sie trauern eben nicht gemeinsam, sondern zerfleischen sich dabei selbst in diesem monatelangen Eingesperrt-Sein.

Wer von beiden ist der jeweiligen Rollenfigur charakterlich ferner?

Was Laura angeht, kann Antonia das nur selbst beantworten. Wenn es um Matteo geht: Sein bedingungsloser Kampf ums Überleben und dass Lauras Existenz wieder ein erfülltes Leben haben könnte mit einer Perspektive, ist ja mehr als nachvollziehbar. Ebenso, dass der Schmerz um den Tod seiner Frau ihn zerreißt und fast zerstört. Er selbst ist der Grund, warum dies alles passiert. Schwerer ist es zu ermessen, was es heißt, mit einer solchen Vergangenheit zu leben: mit der Schuld, mit der Angst, die einen durch die Jahrzehnte begleitet und die man verdrängt – und auch mit dieser Angst, dass der innere Schalter mit einem Klick ihn wieder in sein altes kaltes Ich verwandeln kann.

Suchen Sie bei Ihren Rollen eher nach Nähe oder nach Distanz?

Sie meinen den eigenen Anker? Die analytische Beschäftigung mit Figuren ist eine Sache; daneben geht es natürlich darum, einem Rollencharakter oder Schicksal etwas zu geben, wo man etwas von sich selbst einhakt – ob Biografie oder Wesenszug.

Es gibt eine Szene im 2. Teil, da stehen sich deCanin und Erlacher mit gezogener Waffe gegenüber wie im Western. Ist diese Referenz bewusst gewählt?

Die Szene symbolisiert die grausam-ausweglose Pattsituation. Beide könnten ja unterschiedlicher nicht sein und wollen in dem Moment doch dasselbe. Für Erlacher ist es wahrscheinlich fast noch schlimmer als für Matteo: Ihm ist dieser DeCanin völlig fremd, aber er hat Empathie für dessen Schicksal. Und er verdankt ihm sein Leben, das schafft eine Bindung, obwohl man einen wie Matteo so weit wie möglich von sich weghalten will. Dass die Szene wie ein Western wirkt, hat also mehr mit der Bildauflösung zu tun, als dass man diese Metapher bewusst gewählt hätte. Aber es war ein guter Einstieg zum Spielen, weil man sofort auf einer dramatischen Höhe war. Es war im Übrigen die erste Szene am ersten Drehtag.

Bei Magenta TV übrigens, wo die Fortsetzung des ZDF-Dramas entstanden ist. Hat man die Streaming-Plattform beim Drehen gespürt?

Nein. Wohin Produzenten in Kooperation mit TV-Sendern ihre Produktionen vertreiben oder verkaufen, interessiert uns während des Drehs eigentlich weniger. Unsere Aufgabe ist es, ein gutes Produkt, eine besondere Arbeit zu machen, so dass sich das Ergebnis eben auch gut verkaufen lässt.

Nach Teil 1 und Euer Ehren waren Sie seit 2021 dreimal Teil der Mafia, wenn man die des Fußballs in Das Netz oder der Finanzwelt in Bad Banks dazu nimmt, mindestens fünfmal in fünf Jahren. Ist das Zufall?

Diese drei Geschichten haben eigentlich nichts miteinander zu tun. Es ist das Genre, das den Plot vorgibt. Das einzig Verwirrende in diesem Fall war die zufällige Namensähnlichkeit in den Untertiteln Im Netz der Camorra und Das Netz – Prometheus. Das Mafia-Milieu ist prototypisch für die Brutalität der Welt: einerseits rohe Gewalt, andererseits undurchschaubare Unterwanderung und Infiltration vieler Lebensbereiche, die lange unbemerkt bleiben. Das macht dieses Milieu seit Bestehen des Films geeignet für dieses Medium.

Ist es dabei eine Frage von Physiognomie und Spiel, dass Sie sich gut für die kriminelle Seite eignen?

Glaube ich nicht. Das hieße ja, dass man den Mafiosi das Mafiöse im Gesicht ablesen könnte. Da wäre dann die Welt wirklich viel einfacher. Der Teufel hat nur im Märchen einen Klumpfuß und riecht nach Schwefel.

Sind Sie als Mensch ein Typ, der Gelübde bricht wie deCanin die Omertà?

Die Entscheidung für die Familie, für Stefania und Laura, die DeCanin getroffen hat, ist auch ein Gelübde, eben das Versprechen von Liebe und bedingungsloser Zugehörigkeit, und das wiegt für Matteo einfach höher als diese vermeintliche Verpflichtung gegenüber dem Clan, in die er hineingeboren wurde.  In der Wahrnehmung der Mafiawelt spielt die Behauptung von familiären „Ehren“-Codices oft eine große Rolle; aber in Wirklichkeit geht es meistens um Geld, um Macht und brutale illegale Geschäfte, an denen verdient wird.

Ist „Der Gejagte“ trotz Mafia-Patin und Ihrer Tochter ein Stoff von Männern mit Männern für Männer?

Manche Frauen behaupten, in einer Welt der Frauen gäbe es weniger Gewalt. In der komplexen Struktur von rationalen Entscheidungen, wie sie unsere merkantile Welt vorgibt, mit aller Brutalität, glaube ich das nicht mehr.

Welches Männlichkeitsbild wird darin transportiert? Oberflächlich scheint es ein traditionelles, fast atavistisches zu sein.

Für Matteo oder Erlacher kann ich das nicht sehen. Am ehesten könnte man von Sorrentino sagen, dass er nach anachronistischen Rollenmustern funktioniert, aber damit scheitert er ja letztlich. Schon in den 90er Jahren erschien ein Buch über die unterschätzte Rolle der Frauen in der Mafia. Die stellen den Clan-Chefs nicht nur die Pasta auf den Tisch.

Was ist Ihr Selbstbild, welche Art Mann wollen Sie sein?

Als Schauspieler beschäftigt man sich mit „Rollen“ in jeder Hinsicht, das heißt, man hat auch zu Geschlechter-Rollen analytische Distanz. In der Pubertät war es für mich nicht leicht, dass ich ein eher sensibler Bursche war, der sich für klassische und Kirchenmusik interessiert hat. Später hat das Leben viele Rollen für mich bereitgehalten, in die ich dann hineingewachsen bin, und das betrifft auch meinen Beruf. Welche Art Mann ich da sein will? Dazu habe ich eigentlich nur die Assoziation, dass man Reich-Ranicki mal die Frage gestellt hat: „Wer oder was hätten Sie sein mögen?“ Seine Antwort war: „Schlank.“

Wie weit würde dieser Mann gehen, um seine Familie vorm Bösen zu beschützen?

Die Meinen sind das Zentrum meines Daseins, die ich um alles in der Welt schützen würde. Wie weit man dafür gehen würde, habe ich bis jetzt in meinem Leben, Gott sei Dank, nicht in letzter Konsequenz ausloten müssen. Aber wozu ein Mensch fähig ist, wissen wir auch.

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Natalie Scharf: Frühling & Depeche Mode

Posted: January 12, 2023 | Author: Jan Freitag | Filed under: 4 donnerstagsgespräch | Leave a comment

Nennen sie mich Filmemacherin!

Mit dem ZDF-Sechsteiler Gestern waren wir noch Kinder hat die schreibende Produzentin Natalie Scharf nicht nur ein fesselndes Familiendrama kreiert, sondern die Rolle der Frau im Thriller neu definiert. Ein Interview mit der Frühling-Autorin über Regisseurinnen, Soundtracks, Psychologie und was Drehbücher mit Mathe zu tun haben.

Von Jan Freitag

Frau Scharf, bezeichnen Sie sich eigentlich als Showrunnerin?

Natalie Scharf: Eher als schreibende Produzentin. Ein befreundeter Neurochirurg sagte mal zu mir, bei Operationen sei es das Beste, alles zu können. Das möchte ich auch, weshalb ich bei dieser Serie zum Beispiel komplett im Schnitt war und nachher in die Mischung der dritten Folge muss. Aber wenn Showrunnerin bedeutet, dass die Produzentin mit der Autorin direkt über bestimmte Einstellungen und deren Preis verhandeln kann, bin ich wohl doch eine. Am liebsten wäre mir aber, Sie nennen mich Filmemacherin.

Gehen beide da förmlich in den äußeren Dialog?

Das nicht, aber ein innerer Monolog ist es manchmal schon. Reden tue ich lieber mit anderen.

Falls Sie auch gern mit anderen feiern gehen: Wissen Sie schon, was Nina Wolfrum am 7. oder 9. Juli 2023 mit Ihnen machen könnte?

Huiuiui (lacht). Nein, wissen Sie es?

Das spielen Depeche Mode in Berlin. Wenn man sich „Gestern waren wir noch Kinder“ ansieht, besser: anhört, klingt die Serie nach deren Greatest Hits.

Wir sind tatsächlich beide Fans. Nina wollte Dave Gahan, zu dem wir wegen der Songrechte Kontakt aufnehmen wollten, sogar mal heiraten (lacht). Wenn ich an einem der beiden Tage in Berlin wäre, würde ich also vielleicht sogar hingehen. Aber dass viel Depeche Mode läuft, hat am Ende doch mehr mit dem Zeitgeist der Serie als uns zu tun. Bei der Hauptfigur verkörpert die Musik zum Beispiel den Freiheitsdrang, sich aus seiner reichen Bubble zu lösen und Schlagzeuger zu werden.

Music safed his life!

Nicht nur seins, das der meisten! Wer eine Serie macht, die Gestern waren wir noch Kinder heißt, erzählt ja automatisch von verwehter Jugend, die von Musik begleitet wird. Diese Emotionen soll der Soundtrack vermitteln.

Und war demnach schon im Drehbuch enthalten?

Ja! Sogar der Sound eines schwarzen Lochs, den wir für Folge 7 von der NASA angefragt haben, ist enthalten. Ich schreibe generell sehr detailliert, selbst Kameraeinstellungen sind schon enthalten.

Weil Sie so ein Kontrollfreak sind?

Weil es mein Anliegen ist, möglichst präzise aus komplexen Figuren heraus zu erzählen, also skandinavisch, hochwertig psychologisierend, ein bisschen – auch, wenn es vermessen klingt – wie Big Little Lies zu inszenieren.

Eine Serie um fünf weibliche Hauptfiguren, die allerdings von Männern stammt. Wie wichtig war es Ihnen, mit Nina Wolfrum eine Regisseurin an ihrer Seite zu haben?

Bis mich eine ihrer Kolleginnen darauf hingewiesen hat, war es mir gar nicht so bewusst; zumal ich bislang selten mit Regisseurinnen zu tun hatte, von denen es lange gar nicht so viele gab. Aber beim fertigen Format fiel mir auf, dass es mit Männern vermutlich ein anderes geworden wäre; was ich an Ninas Arbeit toll finde, ist zum Beispiel die Art, wie sie kleinste Details bis hin zur Weinflasche, die irgendwo rumliegt, mit ihrem Erfahrungsschatz abgleicht und entsprechend inszeniert. Ich arbeite wirklich unfassbar gern mit Männern zusammen.

Aber?

Dank Nina haben wir eine sehr weibliche Serie gemacht, und im Grunde will ich genau da hin, weil meine Vorbilder nun mal Reese Witherspoons Morningshow ist oder eben Big Little Lies.

Deren 2. Staffel dann auch eine Frau inszenierte.

Und vielleicht deshalb auch vor der Kamera praktisch männerfrei war, was ich auch wieder bisschen schwierig fand.

Bei „Gestern waren wir noch Kinder“ fällt dagegen auf, dass zwar in nahezu jeder Situation Frauen zentrale Figuren sind, aber fast immer Objekte männlicher Subjekte und damit irgendwie eher getrieben als eigenständig.

Sehr kluge Beobachtung, die psychologisch genauso geplant war. Obwohl sich Frauen von dieser Objektrolle stark emanzipieren, stellt sie noch immer eine gesellschaftliche Realität dar, die allerdings nun unterschwelliger ablaufen muss.

Weil der alleinverdienende Beschützer ausgedient hat?

Genau. So sehr der Plot aus Figuren heraus, von denen mir einige auch im wirklichen Leben begegnet sind, erzählt wird, vollzieht er sich eben entlang eines haudünnen Thrillerfadens, in dem der Mörder ein Mann ist.

Wie hoch ist denn der Anteil persönlicher Bezüge?

Hoch. 85 Prozent?

Was die Figuren betrifft oder auch die Handlung?

Beide, aber die Menschen sind mir vertrauter und den meisten Spaß bereitet mir die Kombination. Auch Hemmingway saß ja gerne in Kneipen herum und hat sich das Verhalten der Leute notiert. Oh Gott, erst Big Little Lies, jetzt Hemmingway – was für Vergleiche…

Entstammen Sie selbst eigentlich dem gehobenen Bürgertum ihrer Seriencharaktere?

Zum Teil. Meine Mutter war Malerin, mein Vater Neurologe mit eigener Psychiatrie und sein Vater wiederum Physik- und Mathematikprofessor. Wobei mein Vater als Sudetendeutscher Jahrgang 1928 auch eine Flüchtlingsgeschichte hat und noch vom Aberglauben seiner alten Heimat geprägt war.

Kunst, Psychologie, Logik, Mystizismus: Topvoraussetzungen für eine Thriller-Autorin!

(lacht) Drehbücher haben mehr mit Mathe zu tun, als man denkt. Hinzu kommt: mein Vater hatte ein extremes Arbeitsethos. Schon, weil man in München auch damals kaum genug Geld verdienen konnte, um sich den Wohnraum dort zu leisten. Das fließt alles zu 100 Prozent in meine Arbeit ein.

Aber so sachlich sie Ihre Arbeitsgrundlage im Allgemeinen ist und „Gestern waren wir noch Kinder“ im Besonderen: Am Ende ist die Serie larger then live – so viel passiert in so kurzer Zeit den wenigsten!

Ich glaube gar nicht, dass die Geschichte so viel größer als das Leben ist. Unter den 100 Drehbüchern, die ich geschrieben habe, kann ich mich mit diesem hier am meisten identifizieren. Schon, weil ich damit mehr Zeit denn je verbracht habe.

Wie nah ist Ihnen verglichen damit denn Ihre Frühling-Reihe mit Simone Thomalla als Dorfhelferin in einer vergleichsweise harmlosen ZDF-Welt?

Dazu muss ich vorweg eins sagen: Ich wollte Frühling nie machen, bis Nico Hofmann vor zwölf Jahren zu mir meinte, du musst! Deshalb war ich am Anfang eher reserviert, liebe die Reihe mittlerweile aber wirklich.

Weil?

Weil sie gar nicht so leicht ist, wie es in der traumhaftschönen Alpenkulisse scheint. Und weil „Frühling“ wie Stricken ist, um mich von noch schwereren Stoffen immer wieder runterzuholen. Der Auftrag, sich jährlich sechs Folgen von Frühling mit denselben 13, 14 Figuren auszudenken und damit sechs Millionen Zuschauer zu halten, ist überaus anspruchsvoll und hält mich in Übung.

Eine Hauptdarstellerin beider Formate ist Julia Beautx, eigentlich eher Influencerin als Schauspielerin. Ist das eine betriebswirtschaftliche Entscheidung, um jüngere Zielgruppen anzusprechen?

Julia ist besser als manch ausgebildete Darstellerin und sowieso unfassbar; das fanden auch viele bei der Mipcom Cannes, wo Gestern waren wir noch Kinder gezeigt wurde. Als ich Julia vor sechs Jahren kennengelernt habe, hatte sie übrigens eine Million Follower, jetzt sind es dreieinhalb; hat sich also für alle gelohnt. Ich würde lügen, dass mir ihre vielen Fans egal sind, aber unabhängig davon hat sie sich in einem riesigen Casting gegen alle anderen durchgesetzt – auch Nina Wolfrum übrigens, die von der Idee am Anfang gar nicht überzeugt war.

Vorsicht vor Vorurteilen.

Hinzu kommt, dass Julia zwar Videos macht, seit sie 13 ist. Aber ich kenne niemanden, der bodenständiger und disziplinierter ist.

Apropos bodenständig: eine Szene in Gestern waren wir noch Kinder scheint in Brooklyn zu spielen.

Nicht scheint, die spielt dort.

Wie haben Sie diesen Etatposten denn bitte beim ZDF durchgekriegt?

Indem ich die Serie so liebe, dass es mir unerlässlich erschien, die Szene dort zu drehen. Aber weil man so was beim ZDF nicht durchkriegt, bin ich mit Milena Tscharnke dorthin geflogen, habe mir eine kleine Crew aufgebaut und alles für diese zwei Minuten privat bezahlt.

Ernsthaft?

Ernsthaft!

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