Friedemann Fromm, Hamburg 2013

Posted: February 19, 2013 | Author: Jan Freitag | Filed under: 4 donnerstagsgespräch | Leave a comment

Mich stresst das Bombastische

Interview: Jan Freitag

Friedemann Fromm (im Bild links) mag zeithistorisches Fernsehen. Für die Vorwendeserie Weissensee hat er nationale Filmpreise geerntet, für den Nachkriegsvierteiler Die Wölfe gar internationale, jetzt dreht der frühere Tatort-Regisseur, was hierzulande jeder seines Fachs früher oder später mal dreht: Irgendwas mit Nazis. Allein – sein Reichstagsbrand-Drama Nacht über Berlin (20. Februar, 20.15 Uhr, ARD) ist weit besser als alles, was zuletzt über diese Zeit gefilmt wurde. Und das, obwohl der 49-jährige Schwabe eigentlich lieber die Drehbücher seines älteren Bruders Christoph als wie hier ein eigenes

freitagsmedien: Herr Fromm, ist Nacht über Berlin ein Film über den Reichtagsbrand oder bloß mit ihm?

Friedemann Fromm: Weder noch. Es ist einer, der den Reichstagsbrand ans Ende einer Entwicklung stellt und dessen Wirkung aus der Zeit heraus erzählt: die Schwäche der Republik, die Verachtung der Demokratie, die Entschlossenheit einer handelnden Gruppe und die Schwäche ihrer Gegner. Erst in dieser Gemengelage erhält das Feuer seine wahre Relevanz, ohne gleich die Hauptrolle zu spielen. Deshalb wollen wir auch nicht erklären, wer letztlich das Streichholz gelegt hat.

Bei Ihnen ist es doch Marinus van der Lubbe zu sein, der dafür hingerichtet wurde?

Nicht eindeutig. Denn wir verwenden nur Fakten, die aus unserer Sicht unwiderlegbar sind, also ziemlich wenige. Der Film erzählt von Möglichkeiten, und dafür ist viel entscheidender, dass der Reichstagsbrand den Weg in die Diktatur unmittelbar geebnet hat. Es gab ja direkt danach die ersten Massenverhaftungen.

Und so wie der Reichstagsbrand für die Nazis bloß Vehikel war, ihre Politik durchzusetzen, ist er, überspitzt gesagt, für Sie bloß ein Vehikel, ihre Lovestory zu erzählen…

Ich brauche doch keinen Reichstagsbrand, um Lovestorys zu erzählen; dann gäbe es ja nicht allzu viele. Aber es ist auch völlig legitim, ein historisches Ereignis mit einer Liebesgeschichte zu verknüpfen und die Historie in der Geschichte meiner Protagonisten zu spiegeln.

Was ist dabei wichtiger: die Emotionalität oder die Authentizität?

Beides gleichermaßen. Ich habe freue mich sehr, dass mir Historiker versichern, die Atmosphäre und Gewalt in den Straßen sei glaubhaft dargestellt. Aber genauso braucht die Liebe emotionale Authentizität, sonst wäre es bloß eine Schmonzette. Trotzdem hatte ich nie den beinahe dokumentarischenAnspruch wie bei Die Wölfe. Es ist ein zutiefst fiktionaler Film im historischen Rahmen.

Sind Sie denn grundsätzlich geschichtsinteressiert?

Ich bin zwar im weitesten Sinne ein Bildungsbürger, aber historisches Interesse übers Schulwissen hinaus wurde bei mir erst durch den Beruf geweckt.

Und scheint nun eine Art Steckenpferd zu sein.

Ich mag jedenfalls den Kontrast subjektiver Belange zur objektiven Realität, denn im wahren Umfeld wächst die emotionale Fallhöhe, etwa die Beziehung der Hauptfigur zu einem Juden. Heute hätte das kaum Relevanz, damals war es eine Entscheidung auf Leben und Tod, ob bewusst oder nicht. Insofern kann man im historischen Film Manches klarer erzählen. Auch wir müssen uns in 30 Jahren ja von unseren Kindern vorwerfen lassen, vieles nicht erkannt zu haben, was auf der Hand lag. Davon abgesehen macht es handwerklich großen Spaß, solche Welten zu kreieren.

Ist es da eine bewusste Entscheidung, dass Sie sie anders als im Genre üblich mit eher leisen Tönen kreieren?

Absolut, auch visuell – selbst die Kamera hält sich ja zurück, weshalb es auch nur eine einzige Kranfahrt gibt, kaum Totalen, wir bleiben konsequent am Boden, auch erzählerisch. Jeder Film hat seine Berechtigung, aber historische TV-Events müssen mittlerweile fast gesetzmäßig überfrachtet sein. Mich stresst das Bombastische auch als Zuschauer, weil es mir die Freiheit zur Interpretation nimmt – auch, wenn man so im Zweifel mehr Zuschauer kriegt.

Sind Ihnen die unwichtig?

Nein, auch ich will natürlich, dass man meine Filme sieht. Deshalb fühle ich mich so wohl im Fernsehen, weil dort selbst ein Flop mehr Zuschauer hat als ein Megaerfolg im Kino. Trotzdem nehme ich lieber in Kauf, einige weniger zu haben, als mich zu verbiegen und meine Filme mit Effekten, Kitsch und Krach zu überfrachten.

Muss man dafür mit Redakteuren und Produzenten kämpfen?

Ach, ich mache ja kein Geheimnis aus dem, was ich gerne möchte, sodass man immer schnell weiß, ob man zusammen passt. Ich bin ein großer Freund von Klarheit. Wenn man mich also für eine andere Art Film bucht, mir das aber deutlich sagt, hätte ich auch mal Spaß am Bombastischen. Ich gehe immer mit offenem Visier in die Verhandlungen, vielleicht muss ich deshalb so selten kämpfen.

Auch nicht ums Ende, das – ohne es vorweg zu nehmen – ungewöhnlich ist?

Doch, daher war der anfangs auch leichter. Aber wir waren uns schnell mit dem Sender einig, dass der Schluss wehtun darf, dafür aber länger nachhallt. Glatte Happyends haben selten Substanz, das ist mein Prinzip, auch als Autor.

Würden Sie sich als Autorenfilmer bezeichnen?

Schon deshalb nicht, weshalb ich letztlich aus der Not heraus wieder zu schreiben begonnen habe. Ich wollte weg vom Krimi, aber als Autorenfilmer müsste ich meine Filme auch noch selbst produzieren.

Und die Resonanz der Publikums völlig ignorieren.

Stimmt [lacht], das sagt man so. Aber letztendlich geht es doch immer um Authentizität – auch als Filmemacher. Ich habe noch nie einen Film gemacht, für den ich nicht einstehen konnte. Ich würde heute einige anders machen, kann aber zu jeden stehen.

Ist Filmemachen nicht Kompromissemachen?

Für mich ist Filmemachen wie eine Zwiebel. Es gibt den unverhandelbaren Kern, sonst gehe ich raus. Drumherum liegen die wichtigen, aber verhandelbaren Schichten. Außen ist die Schale, die man verwerten kann oder nicht. Ich lebe ja nicht autark. Die Zeiten, wo Fassbinder einem ängstlichen Produzenten sein Script auf Butterbrotpapier hinklatscht und jeden Etat dafür kriegt, sind vorbei. Heute ist allen klar, dass Filmemachen vor allem mit Respekt zu tun hat. Filmemachen ist Kommunikation.

Sie scheinen da besonders gern mit Ihrem Bruder zu kommunizieren, der Ihnen schon mehrere Drehbücher geliefert hat.

Es ist einfach toll, mit meinem Bruder zu arbeiten. Die Arbeitswege sind kurz, die Reibungsverluste gering, das schätze ich sehr.

Gibt es da ein Ranking – er als Älterer, Sie als Erfolgreicherer?

Alter spielt mit jedem Jahr mehr eine geringere Rolle. Ansonsten gibt es höchstens verschiedene Kompetenzen. Christoph recherchiert genauer, fast akribisch, ich bin der emotionalere Typ, da ergänzen wir uns blendend.

Ansonsten arbeiten Sie scheinbar nur noch mit einem Autoren lieber zusammen: sich selbst. Haben Sie gern die Kontrolle?

[lacht] Schon, aber dafür steht man ja auch voll in der Verantwortung, zeigt viel mehr von sich selbst, kann niemanden außer sich in Haftung nehmen. Außerdem kann ich mich Gott sei dank am Set komplett von meinen eigenen Büchern lösen. Es hat also weniger mit Kontrolle als mit Freiheit zu tun, Themen selber setzen zu können und Wege einzuschlagen, die andere nicht gehen wollen. Das Angebot guter Drehbücher ist ja nicht grenzenlos…

Sie sind also kein Kontrollfreak?

Bis zu einem gewissen Grad muss ein Regisseur Kontrolle ausüben, aber für meinen Beruf bin ich da noch harmlos.

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H.P. Baxxter al. Scooter, 2012 Hamburg

Posted: February 13, 2013 | Author: Jan Freitag | Filed under: 4 donnerstagsgespräch | Leave a comment

Vorm Kamin hör ich gern Enya

Von Jan Freitag

Ein fester Händedruck inmitten goldener Schallplatten, hallo, ich bin H.P. Englisch ausgesprochen klingen die Kürzel etwas weltläufiger als Hans-Peter. Und auch der Künstlername Baxxter hat mehr Sound als Geerdes. Aber die meisten assoziieren mit dem wasserstoffblonden Meister synthetischer Stampfrhythmen ohnehin seine Band Scooter und zuletzt sein Posten als Juror in der Casting-Show “X-Factor”. Wer weiß schon, dass der Frontmann von Deutschlands erfolgreichstem Musikexport Ostfriese ist, auf Hardrock steht und beim Reden oft scheu lacht, statt ständig „Make some Noise!“ zu brüllen.

Gar nicht so einfach, die richtige Anrede zu finden. Wie soll ich Sie nennen: H.P., Ice, Mr. Baxxter, Hans-Peter, Candyman, Herr Geerdes, die Auswahl ist riesig.

Ach, aus Spaß leg ich mir bei jeder zweiten Single ein neues Pseudonym zu. Aber das ist mehr so just for fun. Die meisten sagen H.P.

Also nicht Hans-Peter. Ist das die späte Rache an der Provinz?

Im Gegenteil. Der Name ist mal in der Schule entstanden durch meinen holländischen Chemielehrer. Der hat mich immer H.P. genannt.

Und Baxxter?

Das ist frei erfunden. Als damals während des Abis Listen rumgingen, wer was machen will, studieren oder so, hab ich Sänger hingeschrieben. Da meinte eine Mitschülerin: Und wie willst du dich nennen? Ich meinte, H.P. hab ich ja schon, fehlt nur noch ein Nachname. Und sie hat gesagt: Nenn dich doch Baxter. Frag mich jetzt nicht, wie die da drauf gekommen ist, aber ich bin dabei geblieben.

Wie ist sie darauf gekommen?

Gut. Ich hab 1985 Abi gemacht. Das war auch die Zeit von Dallas, mit J.R. Ewing, das war wohl die Idee mit dem H.P. Und Baxxter – es war zu der New Wave Zeit damals einfach üblich, dass man sich, wenn man aus Deutschland kommt, wenigstens einen möglichst abgefahrenen Künstlernamen zulegt.

Ihre musikalischen Wurzeln liegen im New Wave?

Na ja, eigentlich fing das bei mir mit richtig harten Sachen an. So was wie Led Zeppelin, Deep Purple, später dann Rainbow, Motörhead und so. Das mit dem New Wave war dann ein totaler Umbruch. Ich hab plötzlich nur noch Soft Cell, Cure, Depeche Mode, frühe Simple Minds-Geschichten gehört und was so alles dazugehört.

Das war dann ja schon – mit etwas gutem Willen – eine Vorstufe zu dem, was Sie seit zehn Jahren machen.

Genau. Unsere erste Band, die ich damals mit Rick gegründet hab – Celebrate The Nun – war auch schon Elektronikpop mit Wave-Einschlüssen. Damals war ich ja auch noch eher Sänger, heute bin ich MC. Vorbilder waren so Dave Gahan oder Marc Almond. Wir waren nur – im Nachhinein betrachtet – für diese Musikrichtung ein wenig zu spät. Der große Wave Hype war schon vorüber, als wir unseren ersten Plattenvertrag gekriegt haben, das hat da nicht mehr funktioniert. In Deutschland gab’s zu der Zeit Camouflage, die waren super erfolgreich. Wir waren zufällig beim selben Label. Aber in den Jahren haben wir für später wichtige Erfahrungen gesammelt.

Die wichtigste?

Dass wir gelernt haben wie es ist, wenn es nicht läuft, was ja viele, die jetzt von Null auf Hundert durchstarten, nicht kennen.

Warum machen Sie da ausgerechnet bei einer Castingshow mit, deren Kerngedanke der schnelle Null-auf-100-Erfolg ist?

Wissen Sie, ich arbeite seit fast zwei Jahrzehnten mit Scooter, bin im Studio oder auf Tour, das ist oft ein sehr ähnlicher Ablauf. Da ist X Factor eine neue Herausforderung, mit anderen Leuten mal ganz andere Dinge zu machen.

Andere Leute heißt in diesem Fall Moses Pelham, Sarah Connor und Sandra Nasic, mit denen Sie nicht viel gemeinsam haben.

Wir kommen zwar aus verschiedenen, fast gegensätzlichen Musikrichtungen, aber sonst wäre es doch langweilig. In so einer Jury suche ich jedenfalls nicht nach glattgebügeltem Pop, sondern etwas Ungewöhnlichem, das hängenbleibt. Mit solchen Gegensätzen haben auch Scooter immer gearbeitet – dabei allerdings acht Jahre lang gemerkt, wie schwer es ist, Platten zu machen. Überhaupt in die Charts zu kommen, war ja ein Ding der Unmöglichkeit.

Aber darum ging es auch Ihnen letztlich, um die Charts.

Es gibt sicher so Freaks, die nur um der Sache selbst Willen rumbasteln. Aber wir hatten wie fast jeder immer das Ziel, in die Charts zu kommen. Wir wollten so sein wie Depeche Mode oder irgendwann große Konzerte geben.

Waren Sie da noch in Ostfriesland, als der Traum von den Top Ten Gestalt annahm?

Es fing schon in Leer an, wo ich aufgewachsen bin. Da hatte ich ja auch schon meine ersten Bands, eher im Rockbereich. Aber ich wollte in die New Wave Richtung gehen und das ist einfach unmöglich in der Provinz. Die Leute hören da heute noch Pink Floyd, glaube ich. Das kann man da nicht machen, die Leute sind einfach nicht progressiv genug. Für mich war klar, dass ich gleich nach der Schule in die Stadt gehe. Durch Zufall, über die Studienplatzvergabe, bin ich dann in Hannover gelandet und hab inseriert: Sänger sucht Keyborder.

Wie war denn die Jugend des deutschen Technosuperstars in der friesischen Provinz. Auch damals immer Paady, Paady, Paady?

Ja, auch da gab es zwei Dorfdiscos. Eine richtige, so mit beleuchtetem Tanzboden. Und eine, die manchmal Rock und Wave gespielt hat. Da hat man sich halt mit Freunden getroffen. Aber mir war das schon damals zu eng. Es gab vielleicht vier Leute, die sich ein wenig verrückt angezogen haben, wenn’s hochkommt. Und ich hatte immer so die Vorstellung: In der Großstadt gibt’s davon ganz viele und alles wird besser. Aber gut, im Nachhinein hat es sich gezeigt, dass in der Großstadt dafür alles anonymer ist und nicht ganz so fröhlich wie in Leer ist. Ich muss sagen, dass ich ganz froh bin, da aufgewachsen zu sein.

Es war aber doch eine Flucht.

Auf jedem Fall. Ich glaub nach wie vor, das ist der einzige Weg, wenn man was wie ich machen will. In der Provinz bleibt immer alles Hobby, semiprofessionell, da gibt es zu wenig Leute mit den gleichen Interessen. Es ist sowieso schwer genug, jemanden zu finden, der genau das vor Augen hat wie du.

Trotzdem wird Ihre Art Techno gerade dort besonders gehört, von wo Sie wegen der Musik geflohen sind.

Kommt drauf an. Das ist glaub ich ein Vorurteil. Bei meinen letzten Tourneen war es in den Großstädten alles schon wochenlang ausverkauft, das war in den kleineren Städten nicht unbedingt so. Wobei du natürlich Recht hast: In der Metropole wie Hamburg sind die trendy Clubs und da läuft eben ganz andere Musik.

Wenn man irgendwo in Mecklenburg-Vorpommern an der Ecke steht, komm jedenfalls aus vorbeifahrenden Wagen vor allem Stampftechno. Ist doch komisch, dass das, was in der Provinz gehört wird, nur in den Metropolen entstehen kann.

Gut das stimmt. Aber da musst du fragen: Was wird denn überhaupt in der Provinz produziert? Alles was mit Kultur, Kunst, Medien, Musik zu tun hat, haut doch ab vom Land.

Scooter klingt jedenfalls wie Autoscooter, nach der Landjugend, die sich beim Schützenfest auf dem Dorfplatz die Kante gibt. Ist das gewollt?

Könnte man meinen, ist aber einen Schritt zu weit gedacht. Als wir anfingen hat das wie gesagt ja alles nicht so funktioniert, wie wir uns das vorgestellt haben. Da hatten wir dann die Überlegung: Wollen wir noch acht Jahre als Band im Keller sitzen oder doch besser als Produzenten, als Remixteam Projekte an den Start zu bringen. Vor Hyper Hyper hatten wir ein ähnliches Stück produziert, für das wir so auf die Schnelle einen Projektnamen gesucht haben. Diese Melodie hat an einen Jahrmarkt erinnert, an eine alte Karussellmelodie aus den Zwanzigerjahren, nur eben auf Dance. Da hat irgendeiner in den Raum geworfen: Dann nennen wir uns doch dafür Scooter. Als Produzenten hatten wir uns damals Loop genannt und gedacht, das heben wir uns auf für was ganz Anspruchsvolles. Bei Scooter hatten wir nichts Großartiges im Sinn und plötzlich ging das ganz gut ab in den Dancecharts und die ersten Anfragen kamen, ob wir das live performen könnten. Aber wir wollten eigentlich gar nicht unbedingt auf die Bühne, da sind wir eher zu überredet worden. Für unseren ersten Gig in Hamburg haben wir dann extra noch ein Lied gemacht; was heißt hier Lied: einen Track, und das war so die Urversion von Hyper Hyper. Da hab ich erst beim Soundcheck überlegt, mir mal ein Mikro in die Hand zu nehmen und den MC zu machen, wie man das von den Raves her kannte. Und plötzlich gab es uns. Wir sind da wie die Jungfrau zum Kind gekommen, das hat sich alles verselbständigt, da war überhaupt nichts so geplant.

Also ist es ein Unfall, dass Sie da hängen geblieben sind?

Ja. Die Nummer ging im Club richtig gut ab. Da haben wir eine Woche später im Studio die ganze Geschichte ausproduziert und schwupp war Hyper Hyper fertig. Und man merkte schon: Da ist irgendwas in der Luft. Erst waren wir das Projekt Scooter und eine Woche später eine richtige Band. Obwohl wir das erst gar nicht wollten. Aber so ist das ja oft: Man will was mit Gewalt wie mit der ersten Band, das klappt dann nicht und wenn du mit gar nichts rechnest, klappt auf einmal alles wie von selbst.

Geboren war der Kirmestechno. Der Begriff wird ja fast synonym mit Scooter verwendet.

Ja, das stimmt wohl.

Nervt das?

Na gut, natürlich ist der Begriff negativ behaftet. Auch wenn es irgendwo nicht ganz falsch ist. Weil: die Musik hat einen hohen Wiedererkennungswert. Sie ist sehr kompakt, das heißt, wenn wir eine Single rausbringen, ist das nicht so ein seelenloses Technostück, das man nicht als eigenen Track identifizieren kann, sondern es ist aufgebaut nach Popmaßstäben: Mit Strophen, Chorus, C-Part, aber von der Musik her eher technoid. Von daher kann man das den Leuten, die das so nennen, nicht verübeln, weil so was eben aufm Rummel oder in großen Discotheken gut läuft. Da wo gefeiert wird, da wo was los ist.

Da können Sie mit leben.

Da kann ich mit leben, obwohl es den Kern nicht ganz trifft. Wenn man das Gesamtwerk von Scooter betrachtet, also auch die alten Sachen, da sind auch viele Trancenummern drauf, wo man gar nicht unbedingt merkt, dass das von Scooter ist. Und wenn du dann noch siehst, wie wir das live transportieren, ist der Begriff Kirmestechno ein wenig zu banal. Darunter verstehe ich auch eine Insel mit zwei Bergen und das ist nicht Scooter.

Ist der Begriff durch Sie entstanden oder sind Sie nur sein Sinnbild?

Doch, der ist vermutlich schon durch uns entstanden. Am Anfang waren wir vielen ein Dorn im Auge. Die Leute dachten, wir sind so ein Retortenprojekt, von irgendeinem Produzenten im Hintergrund und wurden nur da vorne hingestellt. Das ist ja nur so Ballaballakram – also Kirmestechno. Das ist natürlich Quatsch. Da wollten uns auch welche eins auswischen.

Was ist denn aus Ihrer Sicht gute Musik?

Die Idee muss einen anmachen, auch bei Coverversionen. Es darf nicht zu offensichtlich sein. Manchmal sind gerade im Dancebereich Nummern dabei, da hört man richtig raus: Ah ja, das Thema hat funktioniert, also lutschen wir das noch aus. Ich finde es immer gut, wenn man ein Thema ausgrätscht, mit dem keiner rechnet, was in unserem Fall vielleicht gar nicht mit Techno in Zusammenhang gebracht werden kann. So wie die Miss Marple-Melodie oder „Was wollen wir trinken“, diese Ökohymne aus den Siebzigern, woraus wir dann „How much ist The Fish“ gemacht haben.

Aus alter Hymne mach neue Hymne…

Okay, aber ich finde es gut wenn Musik in Anführungszeichen gut gemacht, gut produziert wird. Ich mag nicht, wenn eine Nummer so dahingepfuscht wird. Da unterschätzen die Leute unsere Arbeit. Wenn wir hier produzieren, dann ist das wirklich mit Nachtschichten und Schweiß verbunden, mit wochenlangem Getüftel, bis ich dann mal sag, jetzt bin ich zufrieden.

Also ist gute Musik nur eine Frage des Arbeitsaufwands?

Denk ich schon. Zum anderen natürlich auch einer gewissen Kreativität oder Genialität. So was aus dem Arm schütteln zu können, dieses Talent hat man oder nicht. Und dann eben auch das Handwerkliche, die Ideen gut umsetzen zu können. Das funktioniert im Team sehr gut. Bei mir ist es so, dass ich eine sehr blühende Fantasie habe und dadurch auch viele Ideen. Und Rick, mit dem ich jetzt seit 18 Jahren zusammenarbeite, kann die Sachen blind umsetzen.

Auf Ihrer Homepage steht über die Coverversion von Rebel Yell, das sei der erste Rocksong ohne jeden Gitarrenriff. Klingt ein wenig nach erfüllter Mission: Stirb, Rock’n’Roll, Stirb!

Nein, das stimmt nicht. Das wurde ja nachträglich dazu geschrieben und war nicht die Zielsetzung. Für uns war nur klar, dass wir mit elektronischer Musik arbeiten und wenn ’ne Gitarre, dann als Sample. Das finde ich aber gar nicht so wichtig. Ich höre immer noch gerne harte Rockmusik.

Nämlich?

Also Backstage läuft bei uns oft auch mal Judas Priest, Limb Biscuit, Linkin’ Park oder so.

Beschreiben Sie doch mal Ihr Plattenregal.

Bei mir gilt: Wenn es zu einseitig ist, wird es langweilig. Deswegen habe ich alles querbeet und auch alle Epochen. Früher war ich eingefleischter Ritchie Blackmore-Fan, das war so mein Vorbild als Gitarrist. Und immer mal wieder hört man sich so eine alte Scheibe an. Oder auch stimmungsabhängig – wenn ich vorm Kamin sitze, dann hör ich auch mal irische Volksweisen oder Enya oder einfach Akustikgitarre. Und wenn ich gute Laune habe und im Auto rumfahre, hör ich meistens Trance. Für ganz harten Techno, da muss man schon entsprechend mit Nebel und Monsteranlage und viel Licht arbeiten.

Und unter Leuten sein.

Genau. Einfach so zum Hören, da hab ich meine Trancesachen und natürlich Wave. Ich hör natürlich immer noch gern The Cure.

Steckt da die eigene kleine Retrowelle des Über-30-Jährigen drin?

Nein, das war immer so.

Ich frag mal ab – haben Sie AC/DC im Schrank?

Ja auch, wobei mir das damals – dass gerade ich das sage (lacht) – einen Tick zu kommerziell war. Bei uns in Leer waren früher alle Heavy-Rocker AC/DC-Kuttenträger. Ich hab immer andere Sachen gehört. Led Zeppelin oder Van Halen, die alten Sachen, bis Jump.

Blümchen?

Nein, nein.

Billy Idol?

Logo.

Marusha?

Ja, die ersten Sachen fand ich gut. Ich kaufe halt immer, was mir grad gefällt. Ich bin immer noch Singles-Käufer, weniger Alben.

Richtige Vinyl-Singles?

Früher ja, da hatte ich noch nicht so viel Kohle, jetzt eher Maxi-CDs. Aber ich hab noch jede Menge richtige Schallplatten. In meinem Musikzimmer, mit richtigen PA-Systemen, 1400 Watt, wenn man sich mal abreagieren will oder die Nachbarn ärgern, reiß ich gern mal auf.

Was darf in keiner Plattensammlung fehlen? Und sagen Sie jetzt nicht Scooter.

Das ist geschmacksabhängig. Es gibt ein paar Nummern, die sind bei mir in den letzten drei Jahrzehnten hängen geblieben. Das ist mit Sicherheit „Blue Monday“ von New Order, dann Cure: „A Forest“, Anne Clark, find ich noch immer super, „Sleeper in Metropolis“, Humanoids aus der Acid-Zeit, das war auch so ’ne Bombe.

Sind Sie Mitte, Ende der 80er gleich auf den Acid-Zug gesprungen?

Ja. Da war ich grad in Hannover und hab mit Celebrate The Nun noch dieses Synthiewave-Programm gemacht, privat aber gerne Acid-House gehört. Das war so eine Übergangszeit für mich und die hat man auch gehört. Die wenigen Kritiker, die über uns geschrieben haben, meinten damals, wir müssten uns jetzt mal entscheiden, ob wir Dance und Acid wollen oder eben Wave. Und irgendwann hab ich nur noch Acid gehört und hatte dann auch keine Lust mehr auf das andere. Das ist jahrelang bei mir in der Versenkung verschwunden.

Nicht nur bei Ihnen. Sie haben ja tatkräftig daran mitgewirkt, dass der junge Techno aus dem Underground nach oben gezogen und chartskompatibel wurde.

Das ist so passiert, ohne dass wir das forcieren wollten. Wir waren ganz normale Raver, sind überall hingefahren wo am Wochenende was los war. Wenn was in Mannheim lief, sind wir da mit einer Kolonne hin, oder nach Berlin. Damals musste man danach ja noch richtig suchen. Aber weil wir schon jahrelang Songs produziert hatten, hat sich das bei uns automatisch entwickelt, dass die Sachen kompakter waren, singletauglich. Wir waren ja keine DJs mit acht-Minuten-Tranceschleifen, sondern gehörten in die Popstruktur.

Und damit saßen Sie von Anfang an zwischen den Stühlen. Selbst in der Technoszene ist Scooter ja häufig Teil von Beschimpfungen im Sinne von: wenigstens hör ich nicht den…

Wir hatten schon insgeheim immer den Traum einer Band, auch live, mit allem was dazu gehört. Und da keiner von uns richtiger DJ war, kamen wir eben aus einer anderen Ecke. Das ist für einige bis heute nicht nachzuvollziehen. So wie bei Prodigy in England.

Nur dass die nicht nur kommerziell erfolgreich sind, sondern auch als Musiker akzeptiert. Der musikalische Respekt hält sich bei Ihnen dagegen oft in Grenzen.

Ach, das sehe ich eigentlich ganz entspannt. Zu Anfang, als man sich noch wirklich zur Raveszene zugehörig fühlte und dann plötzlich von allen gedisst wurde, da war es noch so ein bisschen schmerzlich. Aber mit der Zeit geht man über das meiste, über das man früher noch geseufzt hat, hinweg. Auf der anderen Seite kommt auch viel Bestätigung; es gibt ja noch genug, die es toll finden. Und irgendwie ist es auch immer wieder lustig, wenn man mal einen Verriss liest. Das ist sehr unterhaltsam.

Besser, es wird schlecht über einen gesprochen als gar nicht.

Ja, wirklich. Und ich kann das auch verstehen, wenn da einige nicht mit klar kommen. Man kann es auch nicht allen recht machen, das ist schon okay.

Immerhin sind Sie so der zweitbekannteste Ostfriese geworden.

Nach Otto Waalkes, ja.

Dann noch Karl Dall und das war’s auch schon. Ist Ihr Erfolg zuhause spürbar? Gibt es schon Baxxter-Plätze, -Straßen, -Denkmäler?

Nein, nein. Noch nicht (lacht). Das ist ja auch solange her, ich hab da meine Kindheit und Jugend verbracht. Wenn du überlegst: Mit 21 nach Hannover, dann nach Hamburg. Klar fährt man gern mal hin, Verwandtschaft besuchen. Aber sonst bin ich eben in Hamburg.

Ist ja auch eine Weile her… Und mit annähernd 50 sind Sie in einem Alter, wo MTV-Moderatoren schon 15 Jahre draußen sind. Ist man für Techno irgendwann zu alt?

Ach Gott, das ist doch nun wirklich relativ. Wie viele sind schon mit 20 steinalt … Und es gibt Leute – wenn die Gene gut sind, sieht man eben auch noch länger jünger aus. Also wir sind ja nun wirklich gerade mitten drin, haben eine Tour hinter uns, haben immer wieder junge Fans. Ich glaub, man merkt es rechtzeitig an der Resonanz – wenn die fehlt, wenn einem nichts mehr einfällt, wenn man keine Lust mehr hat, dann wird es Zeit, was anderes zu machen. Und unsere Tour jetzt, die war härter als sonst. 27 Shows, je zwei Stunden, da hatte ich vorher schon meine Bedenken, aber es hat alles echt gut funktioniert.

Woran merken Sie, keine 25 mehr zu sein?

Na ja, damals wollte mich ja keiner hören. Da fehlt mir der Vergleich. Doch durch die jahrelange Routine, durch eine Art Training klappt das eigentlich immer besser. Ich weiß gar nicht, wie ich das vor acht Jahren so hingekriegt hab. Bis jetzt fühl ich mich jedenfalls noch ganz fit.

Und die Leute im Publikum sind ja auch gar nicht so weit von Ihnen entfernt wie bei anderen Techno-Acts. Da sind doch erstaunlich viele um die 30.

Einige sind einfach mitgewachsen, wie haben eine große Fanbase.

Sie kennen aber noch nicht die Gesichter der ersten Reihe.

Doch, es gibt ein paar Leute, die reisen einem hinterher. So einen Hardcorefankreis sieht man immer wieder, erste Reihe, Bühnenmitte.

Und die werden Sie auch weiterhin anschreien oder lernen Sie noch mal ordentlich singen?

Wir haben ja schon ein paar Tracks mit richtigen Gesang …

Tatsächlich?

… sicher. Aber eigentlich arbeiten wir drauf los im Studio, gucken so, was passiert, aber haben nicht die Zielsetzung, beim nächsten Stück muss jetzt Gesang rein. Dieses MCing hat sich eben so entwickelt, wie ein Markenzeichen, irgendwie automatisch.

Sie können also singen?

Sagen wir mal so, ich glaube ich habe schon eine ganz ordentliche Stimme, aber Intonation war nicht immer meine Hauptstärke. Ich bin auf gar keinem Fall der Sänger, der jeden Ton trifft. Aber wenn mir ein Stück gut gefällt – wir haben ja auch mal „Eyes Without a Face“ gecovert –, das fand ich dann auch gut. Aber als MC bin ich doch besser.

Und Sie haben auch nicht im Kirchenchor gesungen?

Nein.

Wie steht’s mit Gitarre spielen?

Ich hab früher jahrelang gespielt, auch E-Gitarre, Hardrock. Nur, das ist in der letzten Zeit echt ganz selten geworden. Aber gut, das vergisst man ja nicht. Wie Fahrradfahren.

Stehen Sie denn mit 50 noch auf der Bühne wie die Stones?

Langfristig werden wir uns sicherlich mehr ins Studio zurückziehen und Sachen machen, zu denen man bis jetzt nicht gekommen ist. Aber dass ich immer Musik mache, glaub ich schon. Vielleicht nicht mehr ständig live unterwegs, sondern zu Hause.

Du willst nicht auf der Bühne sterben?

Nein, das muss nicht sein. Obwohl – einen besseren Ort könnte ich mir eigentlich gar nicht vorstellen. Man weiß ja nie.

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