Käptn Peng, San Cisco, Kasabian

Käptn Peng

Ach, Robert – HipHop war vor dir ein anderer und wird seither nie mehr ganz der gleiche sein. Wenn du auf deiner neuen Platte Neue Freunde mit “ihr seid hipsterdissende Hipster / die Hipster dissen” begrüßt und weiter rappst, “doch Hipster dissen ist nicht hip / solange alle Hipster Hipster dissen”, dann fragt man sich, ob Sprechgesang vorher überhaupt existiert hat oder einfach nur von Sprechern vorgetragen wurde, die halt nicht singen können. Wer Das nullte Kapitel von Käptn Peng & Die Tentakel von Delphi hört, kommt irgendwie nicht umhin, zu sagen: völlig egal, was vorher, was nachher war. Diese Art von HipHop ist einfach so derartig zum Niederknien grandios, dass sich Vergleiche mit irgendwas von selbst verbieten.

Gut, Langspielplatte Nr. 3 reicht nicht ganz ans Debüt Expedition ins O vor vier Jahren heran, dessen Mix aus analogem Freejazzfunk und dem Philosophieklamauk des Schauspielers, Schriftstellers, Tunichguts und Tausendsassas Robert Gwisdek wie ein Poesiekomet ins Genre krachte. Aber auch die 15 frischen Tracks tarieren es mit vorwiegend kryptischer, sehr schön fließender Lyrik neu aus. Textlich, aber auch stimmlich. Meister und Idiot zum Beispiel ist eine Art Sprechgesangsscratching, Wobwobwob eine Art Sprechgesangsdubstep, π eine Art Sprechgesangsproseminar Mathematik. Stets loten die aberwitzigen Wortkaskaden überm klassischen Bandequipment die Grenzen des Machbaren im HipHop aus und sind dabei fast immer zum Brüllen komisch. Ach, Robert – werd’ bitte nie erwachsen oder sonstwie abgebrüht!

Käptn Peng – Das nullte Kapitel (Kreismusik)

San Cisco

Ach, die Leichtigkeit des Seins am steilen Abgrund der Weltpolitik, dem wir uns gerade allerorten zügigen Schrittes nähern – als kritisches Bildungsbürgergewächs möchte man einfach mal niederknien vor der Naivität einer Band wie San Cisco, den Irrsinn um uns herum mit munterem Trashpop einfach so runterzuspülen wie ein kaltes Getränk am sommerlichen Surfstrand. Gut, vielleicht wirkt die bittere Realität weitab vom sonnig-fernen Australien ein bisschen abstrakter als in den Augen des Sturms von Washington über Paris bis Ankara.

Doch als trieben Josh, Scarlett, Jordi und Nick aus dem freiheitsduftenden Hafenkaff Fremantle den Missmut fern der Heimat vor sich her, durchbricht ihr drittes Album The Water gleich zum Auftakt mit geslappter Gitarre zu irrlichternden Keyboards alle Absperrungen und proklamiert, Erwartungen mal nicht entsprechen zu wollen, denn Kids, so heißt es im ersten Stück, Are Cool. Punkt. Das ist nicht tiefschürfend, es ist schon gar nicht klug, womöglich ist es sogar ein bisschen ignorant. Vor allem aber ist es in seiner discotauglichen Lebenslust ein prima Ventil, das Licht am Ende des Tunnels doch nicht für einen herannahenden Zug zu halten. Für 30 Minuten wirkt das wirklich erholsam.

San Cisco – The Water (Embassy of Music)

Kasabian

Wer Britpop sagt, muss auch … nein – aus Sicht vieler nicht unbedingt Kasabian sagen. Seit ihrem Debüt vor 13 Jahren stand zwar jede der vier Platten ewig auf Platz 1 der englischen Charts und nicht nur deshalb in mancher Liste der besten 100 Platten ever. Trotzdem wird das Werk der vier Schulfreunde aus Leicester meist von jenem artverwandter Bands wie Franz Ferdinand überschattet. Dabei sind Kasabian kreativer, vielschichtiger, mutiger, ergo: besser als vieles, was ihnen als Referenzgröße dient. Nach dem dezidiert digitalen 48:13 zum Beispiel tritt Gitarrist Sergio Pizzorno für For Crying Out Loud nun wieder aus dem Hintergrund zurück an die Bühnenkante.

Dort macht er aus dem rasend erfolgreichen Electroclash von 2014 einen rasend erfolgversprechenden Mix aus Melodyrock der Achtziger und Glampop von heute. Da hallen die Shallalla-Choräle über breit verzerrte Nostalgie-Riffs, dass die Funken nur so sprühen, da peitschen Straßenköterparolen durch profane Liebeslyrik, bis es knallt. Gleich zu Beginn etwa zapppelt ein feingliedriger Funk durch den Hochgeschwindigkeitstrash von Ill Ray, bevor You’re In Love With A Psycho exakt klingt, wie es heißt: nach einer Liaison exzellenten Songwritings mit dem Wahnsinn, dem im Seventies-Revival Comeback Kid noch Bläser untergejubelt werden. Irre. Gut.

Kasabian – For Crying Out Loud (Sony)

L. A. Takedown, A. Schrader, Mogli, Fayzen

L. A. Takedown

Wenn etwas klingt wie Thin Lizzy oder Joe Satriani, dann muss das nicht zwingend nur Schlechtes bedeuten. Wenn etwas klingt wie Air oder Jean-Michel Jarre schon gar nicht. Wenn allerdings etwas klingt, als würden sich all die genannten Künstler auf verschiedenen Drogen zum Instrumenten-Tausch treffen, darf man da ruhig ein bisschen skeptischer sein. Ganz kurz zumindest. Bis einem das zweite Album des Filmkomponisten und Popproduzenten Aaron M. Olsen mit dem sinnigen Titel II vor den Latz gekannt wird. Es klingt exakt so, als hätte seine siebenköpfige Band einen Übungsraum gefunden, der groß genug für so viel geballten Crossover mit so viel geballtem Aberwitz. Und es klingt fantastisch.

Trotz und wegen der vielen Gitarrensoli, die eigentlich gar keine Gitarrensoli sind, weil sie im Grunde nie ganz verstummen. Über alle, wirklich alle zwölf Tracks fegen unablässig gepickte Ricky-King-Gedächtnis-Riffs hinweg, die vermutlich jedes vergleichbare Werk bis zum Würgereiz verunstalten würden. Im Umfeld der oft karibisch angehauchten Instrumentals im Lo-Fi-Tempo jedoch wirkt der Dauerbeschuss des kalifornischen Kleinorchesters irgendwie mitfühlend, fast liebevoll. Als sprächen die entfesselten Krautrocksaiten mit dem Flitterpop ringsum.

L. A. Takedown – II (Domino)

Albrecht Schrader

Was zu tun ist, wenn man den Schlager hasst und den Pop liebt, wenn das Bouquet süffig sein darf, im Abgang jedoch herb, wenn sich das Leben der Realität entziehen will, ohne ihr zu entfliehen – dann gibt es von Voodoo Jürgens über Friedrich Sunlight bis Malakoff Kowalski bereits ein Angebot, das allerdings kaum genug erweitert werden kann. Im erlauchten Kreis des kritischen Eskapismus heißen wir daher Albrecht Schrader herzlich willkommen. Auf seinem Debütalbum Nichtsdestotrotzdem wärmt er den Diskurspop seiner Heimat Hamburg mit einer Tatsachenlyrik, der Flucht ebenso fremd ist wie Zynismus.

„Fremde Wörter in der Sprache/andere Sitten am Tisch/junge Türken in der SPD/harte Drogen auf der Straße/zu viel Gräten im Fisch/zwei Männer küssen sich am See“ erzählt er mit nasalem Caféhaus-Singsang, fügt zur tragikomischen Jammerorgel im Kammertonmoll hinzu, „es wäre nicht anders ohne dich“, und überhaupt komme es darauf an, „dass du sagst – ist mir egal“. Sanfter wurde ein zeitgemäßer Grundzweifel an der eigenen Relevanz im grassierenden Individualismus selten zu Alltagsprosa verarbeitet. Ein famoses Album für die innere Immigration, ohne den Mainstream ganz hinter sich zu lassen.

Albrecht Schrader – Nichtsdestotrotzdem (Sony)

Mogli

Wenn sich ein Sound wirklich glaubhaft ins Schneckenhaus eigener Befindlichkeiten zurückzieht, dann ist es fraglos die blumenumrankte Trailerparksiedlung des Folk und noch fragloser deren neue Bewohnerin: Mogli. Bewehrt, fast gepanzert mit der tröpfelnen Emotionalität ihrer Gitarre und ein paar flatternden Pianoeinsprengseln singt das Feenwesen so zart, so fragil von der Zerbrechlichkeit ihrer Seele im Sturm der Realität, dass man intuitiv nur mit größter Vorsicht am Lautstärkeregler dreht. Kein Jahr nach dem vielbeachteten Plattendebüt Bird streut es auf Wanderer zwar mehr echte, teils computergenerierte Beats ins analoge Songwriting; Stücke wie Waterfall oder Milky Eyes klingen da beinahe schon wavig.

Und wenn Mogli in Walls den inneren Hippie kurz mal Hippie sein lässt, dann entfaltet ihr entrückter Gesang fast schon eine Art von Soul. Ansonsten aber wirkt das musikalische Ergebnis einer Reise im ausgebauten Schulbus von – so lautet die Legendenbildung – Alaska die Westküste runter Richtung Mexiko jedoch erneut, als hätten sich die Cranberries mit The XX vereinigt, um einen Trampelpfad zwischen Folk und Pop zu finden, der noch nicht ganz ausgetreten ist. Es ist ihr ziemlich gut gelungen.

Mogli – Wanderer (H‘Art)

Fayzen

Poppoeten sind seit Jan Böhmermanns Poppoeten-Bashing im Neo Magazin ein wenig mehr in Verruf geraten als sie es zuvor bereits verdient hatten. Wenn der Poppoet Fayzen Poppoeten-Schweiß wie “Ich sehne mich nach Halt” oder “Mein Herz ist traurig” oder “Ich hab Blumen im Kopf” oder “Yeah Yeah Yeah” absondert, darf er sich also nicht wundern, in die Poppoeten-Ecke gedrängelt zu werden. Nur: Da gehört er zwar durchaus hin, aber an dieser Stelle muss man das mit den Poppoeten kurz mal relativieren. Statt einer telefonbuchlangen Liste chartsgestählter Geisterkomponisten hat der Sohn eines persischen Einwanderers nämlich 14 befreundete Musiker im Rücken. Und statt Poppoesie machen sie gemeinsam poetischen Pop, was ein Unterschied ist.

Wie die 15 handgemachten, emotional schwer angefassten Stücke über Kindheit, Leben, Liebe von Fayzen Zoroofchi erzählen, das geht trotz alöer Gefühlsduselei schon auch schwer zu Herzen. Mitverantwortlich dafür ist seine Sozialisation als Rapper auf den Straßen seiner Heimatstadt Hamburg, von deren autobiografisch bedeutsamen Ecken er mehr erzählt als singt. Sein Flow ist dabei angenehm weich, aber nicht schwulstig, die Musik im Hintergrund vielschichtig und doch aufs Wesentliche des urbanen Folk beschränkt. Es schimmert demnach deutlich mehr Moritz Krämer oder Freundeskreis aus den Harmonien als Max Giesinger und Philipp Poisel. Willkommen, liebe Poppoeten zurück auf dem Planeten Respekt!

Fayzen – Gerne Allein (Vertigo)

Fazerdaze, Penguin Café, Blondie

Fazerdaze

Videos sind Videos sind Videos sind zunächst mal nur visuelle Appetizer des zugehörigen Sounds und reichen höchstens im Ausnahmefall ein wenig darüber hinaus oder schaffen es, eine Metaebene zu eröffnen. Mit dem Begleitfilmchen zu ihrem Stück A Little Uneasy schafft Amelia Murray allerdings genau dies: Ein musikalisch-ästhetisches Statement, das ihr Debütalbum ringsum in 3:36 Minuten vollumfänglich auf den Punkt bringt. Mit ihrem Longboard durchfährt die junge Neuseeländerin ein Industriegebiet ihrer Heimat, das dessen sorgsam aufgebauten Klischee vom exotischen Fernreiseziel komplett widerspricht. Zwischen Beton und Palmen ist es zwar hell und luftig, zugleich aber bewölkt und daher leicht trist.

Unterm Alter Ego Fazerdaze legt die Alleinunterhalterin jedoch einen fröhlich flatternden Gitarrenpop über die Ödnis, dass es darin sonnig wird, ohne gleich zu brennen. Die Stimme eher nüchtern beigemengt als krampfhaft überzeugend, zerpickt Amelia Murrays Gitarre zehn Stücke lang unsagbar lässig die Tristesse des zivilisierten Alltags und macht daraus mit Orgel, Bass und Samples kleine Feierabendrevolten gegen den ewigen Selbstoptimierungsstress. Manchmal, ganz selten, ist ihr dabei zum Schreien zumute. Aber nur, um uns aus dem Wachkoma an die frische Luft zu holen, und sei es auf nacktem Asphalt.

Fazerdaze – Morningside (Grönland)

Penguin Café

Von einer Legende abzustammen, kann den Mensch voranbringen ebenso wie blockieren, weshalb Nachkommen genau abwägen sollten, das Werk dieser Legende fortzuführen oder abzubrechen. Arthur Jeffes hat sich entschieden, ersteres zu tun, ziemlich unzweideutig sogar, und damit Bemerkenswertes erschaffen: Sein Soundprojekt Penguin Café verfeinert die semi-akustische Kammermusik vom gleichnamigen Orchestra seines Vaters Simon nicht nur, das den New Age Folk in den Siebziger- und Achtzigerjahren nicht weniger als revolutioniert hat. Besser noch: Der Brite hat ihn für die Nuller- und Zehnerjahre geradezu optimiert.

Auf The Imperfekt Sea erschafft Sohn Arthur eine Art analogen Ambientpop, der in hinreißender Weise klingt, als würden all die Streicher, Drums und Pianosequenzen darin digital geloopt. Dabei mögen sich die neun teils ewig breit gefächerten Tracks an elektronischer Tanzmusik orientieren – alles ist strikt instrumentell und klingt daher mal clubtaugtlich vielschichtig nach dem Mash-up eines Chapelier Fou, mal versonnen klassisch wie einst Keith Jarrett. Beim Hören taucht man daher tatsächlich in jene unvollkommene See, die der Titel verheißt: musikalisch überaus virtuos, doch dabei voller Leerstellen, die der Geist allein mit Leben füllt. Toll!

Penguin Café – The Imperfect Sea (Erased Tapes)

Hype der Woche

Blondie

Ach Debbie, ist dir eigentlich bewusst, was du in deiner Blütezeit mit der schlummernden Libido eines Schulkinds angestellt hast, leicht verrucht, ziemlich tough und trotzdem sexy wie du warst? Nein? Nichts! Als du Ende der Siebziger Denis oder Heart of Glass gesungen und 1980 Call Me aus dem Radio gebrüllt hast, warst du aller Visualität nur das Gesicht hinter jener Musik, die damals halt gehört wurde. Dass dir die restliche Weltbevölkerung damals fast geschlossen hinterher geschmachtet hat, war mir und meinesgleichen gar nicht bewusst. Umso schöner, dass du fast 40 Jahre später immer noch da bist und deine Musik für mich nach wie vor weniger mit deiner Optik als, genau: mit der Musik zu tun hat. Auf deinem elften Studioalbum klingt die zwar so, wie sie bei einer Künstlerin über 70 halt klingt – bisschen betulich, bisschen bemüht, bisschen nostalgisch. Aber Debbie, das ist gut so. Denn mit den Blondie-Veteranen Chris Stein an der Gitarre und Drummer Clem Burke zur Seite erinnert Pollinator (BMG) mehr als die drei Platten seit der Reunion 1997 daran, dass auch Pop mal von innen kam statt aus dem Konzeptomat für Chartserfolge. Gewiss, einige der elf Stücke versuchen sich erfolglos an deiner Modernisierung deines Glampunks. Aber Doom or Destiny zeigt schon zum Auftakt, dass du etwas hast, das jüngeren Kollegen oft fehlt: Spaß. Energie. Leidenschaft. Ach ja – und super siehst du auch noch aus.

Eine der Reviews ist zuvor bei Zeit-Online erschienen

Puder, Feist, Pinegrove

Puder

Der Jazz ist ein erbitterter Erbfeind des grassierenden Jugendwahns. Wer musikalisch spät einsteigt oder früh aussteigt, kann sich dem Sound ergrauter Schläfen ebenso wenig entziehen wie dem Altern an sich. Die Konzeptkünstlerin Catharina Boutari ist gewissermaßen beides: spät eingestiegen, früh ausgestiegen und jetzt wieder zugestiegen auf den D-Zug altersweiser Musik, den sie vor fünf Jahren mit ihrem Debütalbum bestiegen, aber dann erst mal wieder verlassen hatte. Mit irgendwas über 40 ist die Hamburgerin unterm Projektnamen Puder nun wieder an Bord und macht, genau – elaborierten Pop mit Jazz- und Soulelementen. Nur: er klingt irgendwie weder jazzig noch poppig, sondern angenehm ortslos. Was man der Platte unbedingt zugute halten muss.

Denn Session Tapes 1+2 mag zunächst mal ein eher orchestraleres Werk reifer Studio-Arrangements sein, die von exzellenten Gastmusikern mit reichlich Hintergrundgesang perfektioniert wird. Darüber aber schwebt stets Puders exzellentes Songwriting, das mit Gitarre, Bass, Samples, Moogs, Keyboards, gar Drones und ein paar putzigen Fieldrecordings zu wahrhaft erwachsenem Deutschpop anschwillt. Einer, der nicht nach Literaturcafé duftet wie Element of Crime und zum Glück auch nicht nach der entmotteten Motorradlederjacke von Jule Neigel, sondern sehr eigensinnig, erzählerisch, reflektierend und kreativ. Der Jazz darin wirkt daher nicht alt, sondern frisch. Ziemlich selten sowas.

Puder – Session Tapes 1+2 (Pussy Empire Recordings)

Feist

So wie Leslie Feist, besser bekannt unter ihrem Nachnamen, der längst zum Markenzeichen geworden ist. Die gelernte Punkrockerin aus Kanada macht schließlich eine Art Alterntive Pop, der seinesgleichen sucht, seit die große Zeit hinreißend verituoser Singer/Songwriterinnen der Neunzigerjahre vorbei ist. Leslie Feist hat 1999 ihr erstes Album produziert, als die Ani Di Francos oder Heather Novas ihren Zenit bereits überschritten hatten, aus deren Erbe allerdings einen Sound kreiert, der wie kaum einer sonst melodramatisch und zugleich lebensbejahend die Welt der Männer durch die Augen der Frauen besingt. The Reminder und mehr noch Metals haben da wirklich Neuland betreten.

Und jetzt kommt nach sechs Jahren Pause das neue Studioalbum und schafft beides: das Bestehende zu konservieren und gleichsam auf höhere Ebenen zu hieven. Der akustisch zubereitete Gitarrenfolkpop auf Pleasure nämlich klingt wie eh und je so ergreifend, dass man sich mit der Sängerin sofort ins nächste Café von Orlando oder Brooklyn setzen und drei Tage durchquatschen möchte. Zugleich aber steckt darin ein sprühender Aberwitz mit Hang zum Regelbruch, dass das diskursiv emotionale A Man Is Not His Song am Ende von einem Thrash-Metal-Riff zersägt wird und auch sonst immer mal wieder der Punk aus dem Präkambrium der 41-Jährigen durchbricht. Wenn kluger Independent mit Gefühl einen Namen verdient, dann diesen: Feist.

Feist – Pleasures (Universal)

Pinegrove

Männer machen manchmal aber auch echt gute Musik. Musik, die endlich mal überhaupt nicht nach dicken Eiern und sonstwie maskulin übersteigertem Selbstwertgefühl klingen oder was die Herren der Branche halt so verunstaltet in ihrer Art der Performance. Pinegrove zum Beispiel, das amerikanisches Indie-Projekt um die beiden Stammmitglieder Even Stephens Hall und seinen Drummer Zack Levine, die schon als Kinder daheim in Ohio musiziert haben sollen. Voriges Jahr haben sie in neuer Besetzung ihr Debütalbum Cardinals aufgenommen, von dem hierzulande nur ein verschwindend kleiner Menschenkreis Wind bekommen hat. Jetzt bündeln sie Songs von damals mit bislang unbekanntem Zeugs zur Compilation Everything So Far. Und das hätte Leslie Feist kaum besser hingekriegt.

Denn wie die großen Anti-Kerle des Emorock vor zwei Jahrzehnten, Hootie and the Blowfish etwa oder The Watchmen, wirkt die schepperig schöne, flächig aufgeblähte, dabei feingliedrig fuzzige Americana darauf wie ein permanentes Statement zur Verlorenheit des Männlichen in der Leistungsgesellschaft mit ihrem Anspruch an alle, alles zu sein und zwar perfekt. Nichts daran ist je mackerhaft, alles daran ist bei aller DIY-Attitüde elegant und glaubhaft. Indierock kann vieles sein: laut und derb und krass und selbstverliebt. Dieser hier ist vor allem: unglaublich eigensinnig und gut.

Pinegrove – Everything So Far (Rund For Cover Records)