Eule findet den Beat, Tanita Tikaram
Posted: March 11, 2016 Filed under: 5 freitagsmusik Leave a comment
Eule findet den Beat
Berechnung ist eigentlich keine sonderlich gute Basis für glaubhafte Musik. Das zeigt sich nirgends auf dem Sound gewordenen Kalkül Schlager, am besten noch kombiniert mit dem blut und bödischen “Volk”. Exakt auf repetitive Mechanismen baugleicher Interpreten zugeschrieben, kann ein einzelner Tonadministrator am Rechner ja Tausende von Hits landen, die sich gerne gleichen wie ein Musikantenstadl dem anderen. Fragt sich nur: Muss man die Jugend nicht früh vor so viel Berechnung schützen? Ja, muss man. Aber konfrontativ. Wie Eule findet den Beat. Das theatralische Bandprojekt aus Hamburg erklärt Kindern seit einiger Zeit bereits die Genres des Pop in musikalisch begleiteten Hörspielen; nun legt das Partyorchester sein zweites Album vor und beginnt die Reise durch Europas Klänge im deutschen Schlagerhimmel.
Denn dort, singt die vielköpfig virtuose Band im Seifentimbre, seien nicht nur alle Ecken rund, sondern die grauesten Wolken bunt und Ferkel landen auch nicht in der Wurst, sondern bleiben pumperlgesund ein Leben lang. Das ist so lehrreich wie entlarvend und auf kritische Art unterhaltsam. Zumal im Anschluss auch die regionale Folklore von Frankreich über Irland bis Schweden ihr Fett wegkriegt, ohne verächtlich gemacht zu werden. Um irgendwann mal empfänglich zu sein für vertracktere Töne, ist so ein Crahkurs überaus heilsam. Zumal er wie beim hinreißenden Debütalbum doppelt verabreicht wird. Während Eule die Welt der Musik von Pop bis Oper, von Reggae bis Rock auch 2014 in Form eines ziemlich putzigen Hörspiels erkundet hatte, gibt es auch diesmal eine CD mit purem Liedgut und eine mit Begleitgeschichte, was die Kernzielgruppe naturgemäß am besten entertaint. Also: Eule an, Radio aus, so schaffen‘s auch Eltern schmerzfreier durch die Pubertät ihrer Kleinen.
Eule findet den Beat – Auf Europatour (Universal)
Hype der Woche
Tanita Tikaram
Mit dem Alter fängt man an, sangen einst die famosen Aeronauten, sich für Country-Musik zu interessieren. Variante zwei: Loungejazz. Machen ja viele, die in jungen Jahren Pop machten, der mit, sagen wir, Richtung 50 beginnt, ein bisschen peinlich zu wirken. Wenn jemand schon in jüngeren Jahren allerdings so getragen klingt wie die britisch-deutsch-südseeische Songwriterin Tanita Tikaram, ist das irgendwie völlig angebracht. Mit Closer To The People bringt sie heute fast 30 Jahre nach ihrem Superhit Twist In My Sobriety ihr neuntes Album raus und es ist musikalisch definitiv ein jazzloungiges Alterswerk, das man aber schon deshalb nicht als solches missverstehen sollte, weil sie fernab der Aufmerksamkeitsindustrie eigentlich immer Platten gemacht hat. Dieses hier muss man nicht mögen, nur weil man mit Tanita Tikaram erwachsen geworden ist. Man kann es jedoch nur mögen, wenn man kein Teenager mehr ist.
Sebastian Koch: Hollywood & Wildnisstimme
Posted: March 10, 2016 Filed under: 4 donnerstagsgespräch Leave a comment
Ohne Anliegen drehe ich selten
Sebastian Koch ist einer der ganz wenigen Weltstars des deutschen Kinos. Kein Grund, nicht auch mal nur seine Stimme zur Verfügung zu stellen wie als Sprecher des faszinierenden Naturfilms Unsere Wildnis (Foto@Universum Film). Ein Gespräch über Filme, die Welt retten wollen, Kochs eigenen fossilen Fußabdruck und warum er zu Homeland trotz Überlastung nicht nein sagen konnte.
Interview: Jan Freitag
freitagsmedien: Herr Koch, was bleibt von einem Weltstar, der sie im deutschlandmöglichen Sinne ja sind, eigentlich übrig, wenn man wie in Unsere Wildnis nur seine Stimme hört?
Sebastian Koch: Ach wissen Sie, es gibt Filme, die müssen einfach gemacht, gezeigt, unterstützt werden und Unsere Wildnis gehört unbedingt dazu. Deshalb trage ich bei, was mir eben möglich ist: meine Stimme. Der „Weltstar“, wie Sie es nennen, tut da wenig zur Sache.
Sie verschwinden letztlich also nicht nur optisch hinter dem Film?
Also ich hoffe nicht, zu verschwinden, betrachte meinen Support aber realistisch. Es gibt Dokumentationen, in denen uns der Sprecher das Gezeigte und somit die Welt vollumfänglich erklärt. Meine Stimme nimmt die Zuschauer dagegen allenfalls an die Hand, um das zu begleiten, was diesen Film ausmacht: einen völlig eigenen Rhythmus im Ablauf der Natur und ihre Abläufe, ihre Jahreszeiten zu entwickeln. Ein Rhythmus, den wir Menschen verloren haben, durch so einen wichtigen Film aber wieder aufs Neue erleben können. Die Bilder sprechen in einer so großen Emotionalität für sich, dass es keiner weiteren Erklärungen bedarf.
Bleibt Sebastian Koch dennoch erkennbar in dieser Aura selbsterklärender Bilder?
Ich denke schon, sonst hätte man viele andere mindestens ebenso gute Sprecher fragen können. Weil die Mehrheit der Leute ein Sehverhalten hat, dass doch eher von Action und Entertainment geprägt ist, sind Filme wie dieser ungemein schwer zu vermarkten; ein Name wie meiner kann da ein bisschen helfen. Darüber hinaus definiere ich mich aber so sehr über meine Arbeit, dass grundsätzlich ein tieferer Sinn dahinter stecken sollte. Hier ist das der Fall.
Verfolgen Sie mit Filmen generell ein Anliegen über die reine Unterhaltung hinaus?
Wenn Sie die der vergangenen 20 Jahre betrachten, liegt die Antwort doch auf der Hand. Das sind oft Filme wie Danish Girl, wo es ums sperrige Thema Transgender [wofür Alice Vikander gerade den Oscar als beste Nebendarstellerin erhalten hat] geht; mein Beitrag dazu ist ebenfalls vergleichsweise klein, aber der Film so wichtig, dass ich unbedingt dabei sein wollte. Ohne Anliegen drehe ich selten.
Wäre es ein Anliegen dieses Films, das Verhalten der Menschen gezielt zu ändern?
Die Hoffnung habe ich. Und wenn ich von mir selber ausgehe, hat mich nicht nur die Arbeit, sondern auch das Ergebnis so nachhaltig beschäftigt, dass es dazu geeignet ist, mein eigenes Verhalten zu ändern. Ich gehe seither bewusster durch die Natur. Wir merken ja immer auf, wenn es um große, exotische Lebewesen geht – Löwen, Tiger, Giftschlangen; nach diesem Film nimmt man auch Tiere des eigenen Waldes wahr, die wir ansonsten als gegeben übersehen. Das könnte in der Tat Verhaltensweisen verändern, die den jahrmillionenalten Rhythmus in wenigen Jahrhunderten aus der friedlichen Balance gebracht haben. Ich denke jeden Tag an diesen Film.
Ist Unsere Wildnis so gesehen ein pessimistischer oder doch hoffnungsfroher Film?
Weil er sich jeder Wertung enthält, also nur eine Situationsbeschreibung darstellt, lässt er alle Interpretationsspielräume offen, die umso mehr von der Wucht der Bilder beeinflusst werden. Wer deren Schönheit auf sich wirken lässt, erkennt die eigene Begrenztheit im Weltmaßstab und kann daraus Kraft schöpfen. Ich persönlich kriege da Mut, zu kämpfen – etwa gegen den Verlust von Zeit und Ruhe auf der ewigen Jagd nach immer mehr.
Andererseits stelle man sich Ihr Leben als international gefragter Schauspieler auch nicht grad als Zustand ständiger Tiefenentspannung vor…
(lacht) Da liegen Sie nicht falsch, aber mein Beruf beinhaltet enorme Tempowechsel. Ich habe zum Beispiel zwei Jahre irrsinnig gearbeitet, das reicht jetzt wirklich, weshalb ich seit Dezember bis einschließlich Mai fast nichts mache.
Muss man sich diese Privileg durch Erfolg erarbeiten oder waren Sie schon immer der Sabbatical-Typ?
Ach, weder noch. Der Beruf des Schauspielers ist alles Mögliche, aber gewiss nicht rhythmisch. Als ich in Frankreich mit dem wunderbaren Daniel Auteuil gedreht habe, rief Spielberg an, wo man ja auch nicht sagt, grad mal Pause machen zu wollen, und dann kam Homeland. Wenn man bei solchen Angeboten seine Kraftreserven checkt, findet man womöglich doch noch ein paar Energiereste. Umso mehr genieße ich die jetzige Auszeit, die von einer entspannenden Arbeit wie Unsere Wildnis überhaupt nicht aus der Ruhe gebracht werden kann – zumal ich damit so große Hoffnungen zur Rettung des Planeten verbinde.
Auf dem Sie einen stattlichen ökologischen Fußabdruck hinterlassen, wenn sie für Regisseure in aller Welt um den Globus fliegen.
Das ist nicht ganz fair! Ich versuche im Alltag verantwortungsvoll zu handeln. Beim Zähneputzen Wasser laufen zu lassen, geht gar nicht, Langstreckenflüge für die Arbeit gehören dazu. Verantwortungslos wäre es erst, wenn ich meinen eigenen Privatjet hätte und damit kurz nach Köln fliege. Das ist pervers.
Ihre Rolle in Homeland bietet für Sie so gesehen ökologische Idealbedingungen, wenn Hollywood nach Berlin kommt…
Aber während mein Fußbadruck nicht wächst, tut er es bei denen, die aus Amerika hierherkommen. Alles ist relativ.
Fällt es nach einer Rolle wie in der für viele besten Serie schwer, auf den kleineren deutschen Markt zurückzukehren, fürs Fernsehen womöglich?
Nein. Das hängt von den Büchern ab, von der Freiheit, vom Film. Ich liebe die deutsche Sprache, da mache ich natürlich auch Fernsehen, hab ich schon immer gemacht. Mir ist wichtig, ob ein Film existieren soll, nicht wo er entsteht oder läuft. Nehmen sie Die Hard. Intellektuell gibt es sicher anspruchsvollere Sachen, aber ich wollte einmal im Leben so einen Hollywood-Kracher machen. Hat mich interessiert, hat Spaß gemacht, muss nicht noch mal sein.
Zeigt aber offenbar, dass auch bei Sebastian Koch nicht immer die große Sinnstiftung hinter jedem Film stecken braucht?
Das stimmt. Aber spannend werden solche Projekte erst im Kontrast zum Gesamtwerk. Kurz zuvor hatte ich Gefährliche Begierde mit Mike Figgis gedreht, was nun wirklich komplett anders ist als Die Hard. Denn jedes, wirklich jedes Klischee, dass ich von dieser Art Action-Kino im Kopf hatte, ist wahr. It’s a boy’s game. Tolle Erfahrung.
Aus der Haut: Praunheim & der schwule Milan
Posted: March 8, 2016 Filed under: 3 mittwochsporträt Leave a comment
Coming-out-of-Age
So sehr sich die Gesellschaft auch liberalisiert: Noch bricht beim Coming-out für Jugendliche fast alles zusammen, was besteht. Stefan Wagner hat daraus seinen hinreißend subtilen und dennoch aufwühlenden ARD-Mittwochsfilm Aus der Haut gemacht, der das Umfeld weitaus mehr durchdrehen lässt als den Betroffenen (Foto@MDR/Michael Kotschi) Milan.
Von Jan Freitag
Rosa von Praunheim, das ist die Matrix seines Daseins, war menschlich und moralisch schon sehr früh sehr viel weiter als die (spieß)bürgerlich biedere Gesellschaft ringsum. Schon 1971 hat der schwule Regisseur dieses fortwährende Missverhältnis zwischen Sollen und Sein, das vernunftbegabte Wesen schier in den Wahnsinn treibt, in den legendär sperrigen Titel Nicht der Homosexuelle ist pervers, sondern die Situation, in der er lebt gegossen. Kein Wunder, dass sein halbfiktionales Szeneporträt zwei Jahre, nachdem gleichgeschlechtlicher Sex unter Erwachsenen legalisiert worden war, heftig angefeindet (und vom BR natürlich zensiert) wurde. Ein Furor, der im Rückblick wirkt wie die letzten Abwehrgefechte gegen Sklaverei und Klassenwahlrecht, aber auch heute noch spürbar ist.
Fragen Sie mal Milan!
Bewusst normal Schultz mit Nachnamen, entdeckt der Teenager zu Beginn des ARD-Mittwochsfilms, dass er schwul ist, also irgendwie unnormal. Auch im Jahr 2016. Besonders unter Gleichaltrigen, die mit 17 noch mühsam an ihrer Identität feilen, aber auch eine Generation höher, die sich in Milans wohlhabend bildungsaffinen Kreisen gern modern und aufgeklärt gibt, bis, ja bis Modernität und Aufklärung mal in Konflikt mit Furcht und Vorurteil geraten. Dieser Milan also, hinreißend zerrissen dargestellt von Merlin Rose (Als wir träumten), versucht seinen Kumpel Christoph zu küssen, wird brüsk abgewiesen, befürchtet ein ferngesteuertes Outing, schreibt einen Abschiedsbrief, steigt besoffen in Papas Auto und fliegt kurz darauf in Zeitlupe kopfüber durch sein aufgeräumtes Großstadtviertel.
Wäre Aus der Haut zu diesem Zeitpunkt nicht 15 sondern 85 Minuten alt, es könnte das übliche Unhappyend derartiger Sozialdramen sein – Betroffenheit, Begräbnis, Schluss. Ist es aber nicht. Weshalb mit dem Erwachen im Krankenhaus, weinende Mutter (Angst um den Sohn) zur Linken, zeternder Vater (Angst um den Wagen) zur Rechten, Halskrause dazwischen ein Coming-of-Age-Film mit Coming-out folgt, das selten ist im hiesigen Fernsehen. Nach dem Drehbuch von Jan Braren, der schon im umjubelten Homevideo stimmige Empathie für Heranwachsende in Extremsituationen bewiesen hat, schafft es Regisseur Stefan Schaller wie im Porträt 5 Jahre Leben des deutschen Guantanomo-Häftlings Murat Kurnaz, das Kollabieren einer individuellen Existenz aus der Perspektive des Umfelds zu erzählen, ohne die Hauptfigur zum Objekt vermeintlich autonomer Subjekte zu degradieren, die ja selbst in den Sog der neuen Lage geraten.
Zum Niederknien verkörpert wird dieser milde Zivilisationsbruch besonders durch Claudia Michelsen und Johann von Bülow als Eltern, die alles richtig machen und gerade dabei so vieles falsch. Die bei Milans Homosexualitätsbekenntnis sofort Respekt zollen, Liebe bekunden, gar Schampus servieren – und mit ihrem Unbehagen doch nie hinterm Berg halten können, auch wenn es nicht mehr die Praunheimsche Perversion mit offener Verachtung ist, sondern subtiler daherkommt: Kleine Gesten, falsches Lächeln, unkontrollierte Aggression.
Und erst das Umfeld: Offen schwulenfeindliche Mitschüler hier, latent homophobe Eltern dort, dazwischen Milans bedauernswerte Freundin Larissa (Nicole Mercedes Müller) als bedauernswertes Feigenblatt der Heteronormalität. Sie alle sind mal mehr, mal weniger bemüht, liberal und cool zu wirken, wollen am Ende aber doch lieber nicht mit dem ansteckenden Milan auf engstem Raum sein. So hält Stefan Schaller dem Publikum einen Spiegel vor, der meist kaum zu bemerken ist und damit nur umso genauer reflektiert, womit selbst aufgeklärte Gemeinwesen kämpfen, wenn die gemütliche Regelexistenz ins Wanken gerät. Und mittendrin Milan, den Kameramann Michael Kotschi zwar ein bisschen penetrant über diverse Fensterscheiben ins Bild setzt, dem Gesamteindruck damit aber keinen Schaden zufügt. Im Gegenteil: Seit Angelina Maccarones Kommt Mausi raus?! ist Aus der Haut vielleicht das Glaubhafteste und Beste, was in 20 Jahren zum Thema gemacht wurde.
Brachialpopulisten & Geigenteppiche
Posted: March 7, 2016 Filed under: 1 montagsfernsehen Leave a comment
Die Gebrauchtwoche
29. Januar – 6. Februar
Seit die Medien nicht mehr als Informationsplattform, sondern zusehends als Bühne wahrgenommen werden, steht die Frage im Raum, wem man sie freiwillig überlassen darf und wem weniger. Erich Böhme etwa hielt es vor 16 Jahren für ratsam, Jörg – möge er in der Hölle braten – Haider zum Talk im Turm einzuladen und wurde vom Kärntner Rechtsaußen nach allen Regeln der Redekunst vorgeführt. Dem versierten Reporter Jörg Schönenborn, vor allem aber seinem Kollegen Hubert Seipel erging es bei ihren Audienzen im Palast Wladimir Putins zuletzt kaum anders. Nun aber traf ihr ARD-Kollege Thomas Anders mit Bashir al-Assad einen echten Schurken zum Interview, was angesichts der Menschheitsverbrechen des syrischen Diktators noch deutlicher die Frage aufwirft: Darf man das? Bringt das was? Und vor allem: wem?
Antwort: Man darf, es bringt und zwar allen. Kommunikation ist wichtig, immer, wie abstrus die Kommunizierenden auch kommunizieren. Gewiss, die Herren Böhme, Seipel, Anders sind wie so viele Journalisten an der geschmeidigen Eloquenz des Bösen im 21. Jahrhundert abgeprallt. Aber was wäre die Alternative – Schweigen, Maulen, Luft anhalten? Wie gut, dass es da den Humor gibt. Mit dem schaffte es vorige Woche ein „Papagei, der als Bankangestellter arbeite“, wie sich Moderator John Oliver in seiner HBO-Show Last Week Tonight nannte, Donald Trump als das zu entlarven, was der irrlichternde Brachialpopulist ist, nämlich ein irrlichternder Brachialpopulist.
Womit bewiesen wäre: dem Aberwitz unserer Tage begegnet man mit witzigem Widerspruch immer noch besser als mit Waffen und Gewalt. Ein telegenes Beispiel dafür liefert ausgerechnet Til Schweiger. Sein (leider nicht letzter, sondern nur) voriger Tatort hat laut einer Studie der Medienforscher Nielsen doch nicht wie zunächst berechnet 596.375 Abrufe in der ARD-Mediathek erzielt, sondern ein Drittel weniger. Weshalb ein Fall der Ulknudeln Liefers und Prahl mit 463.351 weiterhin Rekordträger bleibt. Den Hang zu heißer Luft haben Nick Tschiller und Donald Trump offenbar gemeinsam.
Die Frischwoche
7. -13. Februar
Die entweicht bekanntlich auch Sat1, wenn es sein Publikum emotional zu Kasse bittet. Wenn Annette Frier mitspielt, gelingt dem Schnulzen-Sender allerdings gern etwas Gutes wie das Melodram Zwei Leben. Eine Hoffnung (Dienstag, 20.15 Uhr). Thema: Organspende. Auf die wartet Frank seit Jahren, und bevor die Frage geklärt ist, welche Berliner Eltern ihr Kind 1999 wohl so genannt hätten, halten wir fest: Bis auf ein paar seltsame Namen wie den Titel des Films, ist er auch deshalb so gut, weil es mal nicht um Annette Frier als bodenständiger Fels in der kapitalistischen Brandung geht, sondern die menschliche Seite der Transplantationsökonomie ringsum.
Als endlich eine Leber mit Franks seltener Blutgruppe übereinstimmt, braucht sie das Flüchtlingskind Dafina noch dringender. Zwischen kalkulierender Klinikleitung, zweckoptimistischen Eltern, zerrissenen Kindern und Frier als überforderte Chirurgin, entsteht daraus ein intensives Kammerspiel, das Regisseur Richard Huber gottlob nicht ständig in Geigenteppiche wickelt. Das eint den Regisseur mit seinem Kollegen Stefan Schaller, der das andere Großdrama der Woche verantwortet. In Aus der Haut hat Franks Altersgenosse Milan ein Coming-Out, das sich wohltuend vom Mainstream über Homosexuelle abhebt. Die Geschichte eines Jungen, der an seiner Verwirrung zu zerbrechen droht, wird konsequent übers Umfeld erzählt, in dem Milans Bekenntnis die gesamte Vielfalt der Homophobie offenlegt. Nicht nur wegen Merlin Rose als lebensfroh verzweifelte Hauptfigur unbedingt empfehlenswert.
Und bevor alle politisch relevanten Sender den Superdoppelbundesländernamenwahlsonntag in Sachsen-Anhalt, Rheinland-Pfalz, Baden-Württemberg ab 17.30 Uhr mit Aufmerksamkeit bedenken (die dem Weltfrauen(diens)tag trotz dreier Arte-Dokus namens The Power of Woman, Der Freiheitskampf der Kurdinnen und Kriegsfotografinnen ab 20.15 Uhr eher nicht so zuteil wird), gibt es auch noch leichtere Kost. Die österreichische Tragikomödie Der Glanz des Tages etwa (Mittwoch, 22.35 Uhr, 3sat), wo ein Schauspieler (Philipp Hochmeier) in den Bann eines Vagabunden gerät, der alle Realitäten auf die Probe stellt. Oder die Netflix-Serie Flaked ab Freitag mit Will Arnett als Selbsterfahrungsguru Chip, der sich irgendwie liebenswert im eigenen Lügengeflecht verheddert.
Die Wiederholungen der Woche widmen sich zum Weltfrauentag dann wieder den Betroffenen. In schwarz-weiß Billy Wilders oscarprämierte Hollywood-Nabelschau Boulevard der Dämmerung“ von 1950, in dem er heute (20.15 Uhr, Arte) die Stummfilmdiva Norma Desmond (Gloria Swanson) am Übergang zum Tonkino skiziiert. Tags drauf darf Barbara Sukowa in Farbe nochmals als Margarethe von Trottas Rosa Luxemburg von 1986 brillieren (22.40 Uhr, 3sat), bevor die Doku der Woche (Mittwoch, 21.55 Uhr, Arte) die wohl unvergleichlich politische Philosophien Hannah Arendt porträtiert. Und ab sofort, ganz neu und wirklich gut gemeint, ein DVD-Tipp. Zum Auftakt die 1. Staffel von Candice Renoir (27,99 Euro, Edel) mit Cécile Bois als alleinerziehende Kommissarin, was atmosphärisch typisch für französische Filme ungeheuer leicht ist, ohne seicht zu sein.
Wahnsinnsstadt: Klaus-Störtebeker-Straße
Posted: March 5, 2016 Filed under: 6 wochenendreportage Leave a comment
Pirat statt Piratenjäger
Bis heute sind Hamburger Straßen, Orte, Schulen nach nationalsozialistischen Euthanasie-Ärzten, demokratiefeindlichen Reichskanzlern und vormodernen Generälen benannt. Nur für einen berühmten Seeräuber, den selbst das offizielle Stadtmarketing gekapert hat, ist bislang kein Wegesschild übrig. Eine Initiative namens “Klaus-Störtebeker-Straße für St. Pauli” will das nun ändern.
Von Jan Freitag
Von wegen Kleider – Namen machen Leute. Wer Fäule oder Stümper heißt, wird wohl besser kein Zahnarzt. The Facebook war zu kompliziert fürs erdumspannende Netzwerk. Als Justin, Dustin, Kevin schafft man es gemeinhin höchstens sportlich auf höhere Prestige-Ebenen, wer Billstedt, Bitterfeld, gar Dresden bewohnt, sollte es im Bewerbungsschreiben an gewisse Arbeitgeber vielleicht doch unterschlagen. Und auch Straßennamen sind nicht einfach abstrakte Adressbestandteile, sondern etwas seltsam Aussagekräftiges, fast Beseeltes. Trotzdem erhalten noch immer allein in Hamburg durchschnittlich 36 Straßen pro Jahr neue Bezeichnungen, was sogar dann selten ohne Anliegerproteste vonstatten geht, wenn etwa der preußische Juncker Paul von Hindenburg das Privileg eines eigenen Wegs zugunsten des Sozialdemokraten Otto Wels verliert, der als letzter Reichstagsredner 1933 gegens Ermächtigungsgesetz jenes Mannes eintrat, dem der Reichspräsident kurz zuvor ins Amt gebracht hatte: Adorf Hitler.
Trotzdem begehrten viele Bewohner seinerzeit auf gegen die Umbenennung. Da fragt sich doch, was die der Simon-von-Utrecht-Straße sagen würden, wäre sie – sagen wir: nicht mehr nach dem spätmittelalterlichen Piratenjäger der Hanse, sondern – sagen wir: einem seiner angeblichen Opfer benannt, nämlich Klaus Störtebeker? Weil Menschen ungern lieb gewonnene Gewohnheiten ändern und neue Straßennamen zudem mit bürokratischem Mehraufwand verbunden sind, würde es mit Sicherheit Widerspruch hageln. Andererseits: Störtebeker – ist das nicht so eine Art inoffizieller Nationalheld der Hamburger, dessen Strahlkraft bis hoch ins offizielle Stadtmarketing reicht?
Das dachte sich offenbar auch eine Initiative namens „Klaus-Störtebeker-Straße für St. Pauli“, die seit ein paar Wochen in einer eigenen Facebook-Gruppe für die Umsetzung ihres Titels wirbt und damit eine Menge Wind macht. Die ersten Aufkleber mit erstaunlich authentisch wirkender Beschilderung zieren bereits jenes vermeintliche Zweitheimatviertel des Likedeeler genannten Freibeuters, der den vergleichsweise unterprivilegierten Anwohnern mit seinem historisch überlieferten Hang zum Teilen naturgemäß etwas näher steht als der niederländische Kriegsschiffhauptmann in Diensten raffgieriger Pfeffersäcke.
Schließlich lässt es sich trefflich diskutieren, wer in Zeiten extremer Ungleichheit eigentlich die wahren Verbrecher waren: Piraten, die nach den vielfach ungeschriebenen Buchstaben der mittelalterlichen Elitenjustiz schlichtweg als Diebe galten? Oder doch jene bestohlenen Kaufleute, die ihren unermesslichen Reichtum auf den Schultern eines rechtlosen Lumpenproletariats erbeu…, pardon erzielt haben? Gut 600 Jahre und ein paar kräftige Emanzipationsschübe nach Störtebekers Ergreifung ist das jedoch eine eher philosophische Debatte, die der „Klaus-Störtebeker-Straße“ wohl selbst aus Sicht der wirtschaftsnahen FDP kaum im Wege stehen dürfte.
Und doch ehrt zwar im Dörfchen Greetsiel bei Aurich ein Weg den einzig prominenten Seeräuber deutscher Herkunft. Auf Rügen gibt es Festspiele seines Namens, in Ostfriesland den Tourismusverbund dreier Gemeinden und in Stralsund ein (ziemlich leckeres) Bier. Hamburg dagegen hat unweit eines verschämten Denkmals in der HafenCity seit 2008 den Störtebeker SV. Das war’s. Was umso ärgerlicher ist, als es nach wie vor zwei Straßen gibt, die nach den ortsansässigen Euthanasie-Ärzten Georg-Ernst Konjetzny und Max Nonne benannt sind. Als der unverbesserliche Proletarierhasser Fürst von Bismarck sogar einer Schule als Patron dient. Als das Eppendorfer Generalsviertel nach sieben hochrangigen Militärs vordemokratischer Epochen benannt ist, deren Beruf das Töten im Dienste wechselnder Willkürherrscher war. Wenn Helmut Schmidt nun einen eigenen Flughafen ziert und Friedrich Ebert Hamburgs wichtigste Ost-West-Tangente, scheint eine Straße für Hamburgs berühmteste Figur der Zeitgeschichte gar nicht so abwegig.
Jain, Isolation Berlin, Poliça
Posted: March 4, 2016 Filed under: 5 freitagsmusik Leave a comment
Jain
Mainstream oder Alternative? Original oder Kopie? Inspiration oder Fälschung? Wer sich so wahllos im Referenzsystem des globalen Ethnopop bedient wie eine junge Dame namens Jain, darf sich nicht wundern, wenn sie an anderen gemessen wird. In Frankreich schwer gehypt, hüpft ihr Gesang kieksend zwischen dem trotzigen Furor einer M.I.A. und Katy Perrys geschmeidiger Extravaganz in die globale Disco. Klingt also nicht sonderlich exklusiv, ist aber doch von hinreißender Grandezza – auch und weil die Stimme der Multiinstrumentalistin aus dem Spatzennest Toulouse so schön nebensächlich daherkommt.
https://www.youtube.com/watch?v=r0553nZvUrw
So, als gehe sie ihr seltsam oberflächlich wirkendes Gefasel übers offenbar nicht allzu tiefschürfende Beziehungsallerlei junger Großstädter im 21. Jahrhundert, das in Videoform auch ohne Platte millionenfach geladen wurde, nur am Rande wirklich was an. So als sei der begleitende Streifzug durch die Sounds der großen weiten Welt von Brasilien über den Balkan bis in die Bastelstuben westlicher Metropolen bloß etwas Ablenkung von ihrer eigenen Langeweile. Ist es aber wohl gar nicht; dafür klingt Zanaka viel zu lebendig, manchmal gar wütend und fast immer gut.
Jain – Zanaka (Columbia)
Isolation Berlin
Wer wissen will, wie ein tragfähiger Hype ohne Anschein von Verbissenheit gebastelt wird, der muss dieser Tage natürlich auf diese Stadt schauen: Berlin. Lektion 1: Schon im Namen Bezug zum Standort herstellen, der den Erfolg garantiert. Lektion 1: Beim Band-Foto trotzdem unbeteiligt dreinblicken, als sei dieser Erfolg bloß Beifang hauptstädtischer Kreativität. Lektion 3: Stilistisch den Mittelweg zwischen ideologischen (Rio Reiser) und musikalischen (Ja, Panik!) Vorbildern der Gegend entwickeln. Lektion 4: Zur weiteren Einordnung Label finden, dass ironisch, nicht albern klingt.
https://www.youtube.com/watch?v=bRqkeL2sQTs
So in etwa haben es Isolation Berlin bereits mit ihrer vorausgegangenen EP Berliner Schule zu reichlich hyperlokaler Popularität gebracht, die vom Albumdebüt Und aus den Wolken tropft die Zeit nun überregional erweitert werden soll. Wird. Und darf. Denn wenn Sänger, Gitarrist, Songwriter Tobias mit der zillehaften Anrede Bamborschke im Rückkopplungsfuror seiner drei Freunde Ich will, dass ihr mich liebt / und auch die ganze Welt hinaus brüllt, mag das nämlich oberflächlich leicht berechnend klingen; klingt die Berechnung des Underground allerdings so sperrig und schief, ist das schon okay.
Isolation Berlin – Und aus den Wolken tropft die Zeit (Staatsakt)
Hype der Woche
Poliça
Ach, was war das erfrischend schön, erfrischend anders vor allem, als uns Channy Leaneagh aus Minneapolis mit ihren fünf männlichen Bandmates 2012 ihr fabelhaftes Debüt Give You The Ghost vor die Füße kippte, auf dem der Indierock fragmentarisch vor sich hin wummerte, ohne Zusammenhang, ohne Halt, ohne Metrik, was ihm eine fantastische Tief verlieh. Ach, was war es noch immer höchst ansehnlich, als der Nachfolger Shulamith ein Jahr drauf zwar einige Ecken abschliff, aber immer noch Platz zum Stoßen bot. Ach, was ist es, tja, noch immer irgendwie im besten Sinne eigenartig, was Poliças drittes Album United Crushers jetzt liefert – und doch ernüchternd, angesichts des gezeigten Potenzials. Immer noch schön, trotzdem schade. Vielleicht bei der nächsten Platte nächstes Jahr. Produktiv sind sie ja…
Alwara Höfels: Cowboygang & Kommissarin
Posted: March 3, 2016 Filed under: 4 donnerstagsgespräch Leave a comment
Gescheitert? Mehrfach!
Obwohl sie nur bedingt den optischen Anforderungen des deutschen Films entspricht, zählt Alwara Höfels (Foto@Andreas Wünschirs/MDR) gerade zu den angesagtesten Schauspielerinnen im Land. Sonntag gipfelt die gute Buchungslage der Hessin in ihrem ersten Einsatz als Hauptkommissarin im Dresdner Tatort: Auf einen Schlag. Ein Gespräch über ihren Cowboygang, Geschlechterfragen im Krimi, gebotenen Zweckpessimismus und ob man Dresden dieser Tage ohne Pegida erzählen kann.
Interview: Jan Freitag
freitagsmedien: Frau Höfels, wo Sie grad stehen – können Sie einmal kurz zeigen, wie sie ohne Kamera gehen?
Alwara Höfels: Gehen? Ist das hier ein Catwalk oder was? (lacht)
Das ist ein Test, ob Sie auch in echt laufen wie ein Cowboy, dem man das Pferd unterm Hintern weg geklaut hat, oder nur in ihrer Rolle als Oberkommissarin Henni Wieland.
(geht einmal durch den Raum) Und?
Ein bisschen burschikos ist ihr Gang schon.
Die Art der Körperlichkeit ist eine erste Idee zur Figur, die die übliche Sexualisierung weiblicher Charaktere im Film ein wenig unterdrückt. Mit der Physis gehen ja immer viele Fantasien einher; trotzdem steckt meine Figur noch in den Kinderschuhen.
Zeigt aber bereits im ersten Fall so klare Kante in Geschlechterfragen, dass der Krimi dabei fast in den Hintergrund rückt.
Ich finde, das ist leicht überinterpretiert.
Aber wenn die drei Frauen zum Beispiel mit dem Kommissariatsleiter Schnabel zu tun haben, geht es doch exakt um nichts anderes als Frauen und Männer?
Neben dem Mordfall geht es eher um Zwischenmenschliches als Geschlechterfragen. Deshalb finde ich es auch gar nicht so erwähnenswert, dass wir das erste rein weibliche Tatort-Team sind. So wie sie sich die Gesellschaft wandelt, wandeln sich auch ihre Filme: Schleichend. Da ist meine Henni nur ein kleiner Beitrag.
Würden Sie sich denn als ebenso feministisch bezeichnen wie Ihre Kommissarin, die fast alles in den Kontext der Emanzipation stellt?
Puh, das sind aber große Fragen zu einem kleinen Krimi. Ich bin wie meine Figur eine denkende Frau, die sich mit ihrer Umgebung kritisch auseinandersetzt. Viel mehr Schnittmenge ist da nicht. Mir ist wichtig, bei ihr erst mal vieles in der Schwebe zu lassen. Klar kann man bereits sagen, dass sie pragmatisch, resolut, empathisch ist und einen diffusen Kinderwunsch hat, aber wir legen uns da noch nicht fest.
Der Autor Ralf Husmann ist spätestens seit Stromberg dafür bekannt, dass Männer in seinen Büchern schlechter wegkommen als Frauen. Wenn man sich seinen Dresdner Wutbürger ansieht oder Martin Brambachs Chef – haben Sie das Gefühl, hier ist das ähnlich?
Nein. Unabhängig vom Geschlecht sind viele Figuren sicher ein Stück weit als Klischees notiert, die wir im Prozess ihrer Entwicklung sozial einbinden müssen. Aber so funktioniert Gesellschaft insgesamt, die der Tatort bekanntlich gern abbildet. Und ich finde auch Martins Rolle vielschichtiger, als Sie es darstellen.
Na ja – sein Peter Michael Schnabel ist rassistisch, sexistisch, heimattümelnd. Darf man das als Kommentar auf die aktuelle Stimmung in Dresden verstehen?
Ein bisschen schon, aber eigentlich liefert den eher Walther Ungerland.
Ein schwer sächselnder Schlagerfan.
Genau.
Womit er sich von fast allen anderen Ausgaben der Reihe unterscheidet, die das Hohelied auf ihren Standort singen. Wie, glauben Sie, kommt der Dresdner vor Ort an?
Schwer zu sagen. Ich weiß, dass er nicht die Freundlichkeit anderer Tatorte ausstrahlt, denke aber auch, er hat Potenzial für positive Kritik von Einheimischen. Warten wir’s mal ab.
Ist es Ihnen wichtig, dass Ihre Filme über die Unterhaltung hinaus zur Kritik anregen?
Wer Geschichten aus der Gesellschaft erzählt, sollte schon eine Vision haben. Die gilt es in jedem Drehbuch zu überprüfen. Nur, wenn man sie glaubhaft und mitfühlend aus den Menschen heraus erzählt, vermeidet man Beliebigkeit oder erhobene Zeigefinger. Nur die schönen oder schrecklichen Aspekte zu erzählen, interessiert mich nicht. Das Leben ist eben schrecklich schön und die Chance unseres Berufes besteht darin, vielfältiger sein zu können als andere. Dummerweise sind wir als Schauspieler auf das angewiesen, was man uns anbietet, befinden uns also dennoch am Ende der Nahrungskette. Umso mehr müssen wir uns ständig die Frage stellen, was wir sind und wo wir hinwollen.
Und – was sind Sie und wo wollen Sie hin?
In Vielfalt und Beständigkeit. Deshalb hab ich mich schon ein ums andere Mal lieber in die zweite Reihe gestellt, wenn die Geschichte dort erzählenswerter war als in der Hauptrolle oder Romantic Comedys bei Privatsendern.
Dennoch sind Hauptrollen in anspruchsvollen Filmen angesichts Ihrer jüngsten Karriereentwicklung derzeit wahrscheinlicher oder?
Seit drei, vier Jahren, das ist mein Riesenglück, in der Tat. Aber weil wir wissen, wie schnell sich das Blatt wendet, bleibe ich dankbar und demütig meinen Aufgaben gegenüber. Man weiß es nicht…
Ist das der gebotene Zweckpessimismus, um nicht überrascht zu werden?
Nein, ich komme aus einer Schauspielerfamilie, da verliert man alle Illusionen über den Beruf zugunsten eines gewissen Realismus. Ich habe frühzeitig gelernt, dass es stets auf und ab geht und Scheitern eine Chance ist.
Sind Sie schon mal so richtig krachend gescheitert?
Natürlich, mehrfach! Und ich bin im Nachhinein dankbarer dafür als für jeden Erfolg. Niederlagen spürt man sofort, und ich mag das, mich zu spüren. Nur so weiß man, wo man wirklich steht. Trotzdem gibt es Karrieren, die nur bergauf gehen, kann auch klappen. Ich komme vom Theater und hatte überhaupt nicht vor, zum Film zu gehen – bis Til Schweiger kam und mich von Shakespeare zu Keinohrhasen geholt hat. Da war es wichtig für mich, hinterher gleich eine tiefsinnige Literaturverfilmung zu machen, um nicht im kommerziellen Erfolg zu verbrennen. Das geht nämlich gerade in Deutschland verdammt schnell.
Könnten Sie umstandslos aus dem Rampenlicht des Films wieder heraustreten und auf der Bühne glücklich werden?
Ja! Das ist mein Boden, da will ich hin zurück, irgendwann, bald.
2 Bier – 1 Platte
Posted: March 1, 2016 Filed under: 2 dienstagsmarthe Leave a comment
Eljot Quent: Hathaway/Beginner
Es ist mal wieder Zeit für HipHop bei 2 Bier – 1 Platte! Wie unglaublich passend, dass sich Müwie und Len Kurios gerne auf zwei Bier treffen. Gemeinsam mit Fogel haben sie vor knapp sechs Jahren die HipHop-Kombo Eljot Quent gegründet. Seitdem haben die Hamburger zwei Studioalben veröffentlicht und ihr derbes Publikum bei unzähligen Festivals und Konzerten zum Kopfnicken gebracht. Ihre schöpferische Winterpause haben Müwie und Len genutzt, um ihre Lieblingsplatten endlich mal in eine Bar auszuführen.
Von Marthe Ruddat
freitagsmedien: Das sind ja gleich mehrere Lieblingsplatten! Konntet ihr euch nicht entscheiden?
Auf dem Tisch liegen unter anderem Platten von Lenny Krawitz, The Jackson Five und Mike Krüger.
Len: Irgendwie nicht so richtig! Alle Platten hatten Einfluss auf mich und sind mir wichtig.
Das verstehe ich sehr gut! Aber jetzt müsst ihr euch entscheiden.
Len: Dann muss ich noch mal kurz überlegen.
Müwie: Für mich ist es leicht. Ich nehme die Bambule von Absolute Beginner.
Bambule! Das überrascht nicht wirklich.
Bambulevon Absolute Beginner war das 1998 veröffentlichte, zweite Studioalbum der Eimsbütteler Jungs und ihr kommerzieller Durchbruch, obwohl es die Platte nie in die Top 10 der Charts geschafft hat.
Müwie: Nee, natürlich nicht. Aber es geht ja hier auch darum, dass wir Musik machen und genau dafür war diese Platte von Anfang an sehr wichtig. Ich war vor 
17 Jahren in Japan und hatte die Platte vorher geschenkt bekommen. Mit meiner Gastfamilie waren wir viel im Auto unterwegs und ich durfte immer die Musik aussuchen. Und da ich nur die eine CD dabei hatte, lief die Bambule ununterbrochen. Zeitlich war ich zwar spät dran, aber das war mein erster Kontakt mit deutschem Hip Hop und ist auch bis heute die einzige Platte, von der ich jeden Song mitrappen kann. Ich glaube, ich kann da auch für uns alle sprechen und sagen, dass der Style der Platte und die Art des Hip Hop für uns sehr prägend waren.
Mit so einem Vorbild wie den Beginnern ist der Anspruch sehr hoch…
Müwie: Ja, aber das ist ja nicht unbedingt schlecht. Vorbild ist ja aber irgendwie ein schwieriger Begriff. Es geht uns eher darum, Alben wie dieses zu machen: Jeder Song ein Hit! Es darf keine Lückenfüller geben, jeder Song muss geil sein.
Welchen Song findest du auf der Bambule denn besonders gut?
Müwie: Das ist nicht so einfach. Aber wenn ich mich entscheiden müsste, dann wäre das Das Boot, also gleich der erste Song. Als ich den Rap das erste Mal gehört habe, konnte ich es nicht fassen. So etwas gab es vorher einfach nicht.
Absolute Beginner – Das Boot
[…]
Irgendwo auf einer Fähre Richtung Karriere
Saßen mehrere, eher leerere Köpfe mit ‘ner Riesenschere
Fischten die wenigen, frischen MC’saus’m Wasser
Schnitten sich was ab und ließen die guten dann in den Fluten verbluten
In trüben Gewässern taten Piraten warten
Wollten uns Hanseaten an den Kragen, uns unsere Styles abjagen
Die Penner wollten uns entern, doch wir brachten sie zum kentern
Denn mein DJ hat ‘ne Motorsäge und die wiegt 10 Zentner.
[…]
Texte wachsen nicht auf Bäumen
Beats kommen nicht mit der Post
Darum feilen wir, weilen wir, feilen wir
Bauen Sachen wovon andere nur träumen
Nur beste Kost und so stylen wir
Geile Styles stylen wir.
Ihr habt doch die Beginner bestimmt schon mal getroffen. Wie groß war da der Fan-Faktor?
Müwie: Ja, das war schon ein sehr wichtiger Moment. Mad kennen wir schon ein bisschen länger und auch Denyo haben wir schon einmal getroffen. Im November haben wir dann beim Catch-A-Fire alle drei Mitglieder getroffen. Das war schon wirklich etwas besonderes, am gleichen Tisch zu sitzen und die gleiche Bühne zu bespielen. Weißt du, es war nie mein Ziel die Jungs unbedingt zu treffen. Aber jetzt, wo es passiert ist, frage ich mich wirklich, was da noch kommen soll!
Len: Deshalb haben wir in dem Moment auch beschlossen unsere Karriere zu beenden.
Scherz!
Dir gefällt die Platte also auch?
Len: Ja klar! Die Bambule ist einfach klasse. Wenn man sich die Zeit anschaut, dann haben die Jungs wahrscheinlich vor 20 Jahren angefangen die Platte aufzunehmen. Bis heute sind die Beats aber zeitlos großartig.
Du hast dich jetzt aber doch für eine andere Platte entschieden?
Len: Ja, ich habe mich jetzt entschieden! Meine Platte ist die Live von Donny Hathaway!
Donny Hathaway ist nicht zu verwechseln mit der 90er-Eurodance-Ikone Haddaway! Der Soul-Musiker brachte 1972 das Album Live auf den Markt. Es wurde in Hollywood und Manhattan aufgenommen und enthält auch Cover, wie zum Beispiel Marvin Gayes What’s Going On.
Soul! Warum Soul?
Len: Mein Vater hat immer viel Soul und Jazz gehört und das hatte einen großen Einfluss auf mich. Ich baue mit Fogel zusammen ja auch die Beats von Eljot Quent und Soul und Jazz sind einfach ein großer Bestandteil der Sampling-Arbeit.
Also konntest Du die Platte schon für Eure eigene Musik nutzen?
Len: Nein, von der Platte habe ich noch nichts gesampelt, dafür ist sie auch schon zu bekannt! Aber wie der Name schon sagt, ist es eine Live-Platte und Konzerte sind auch für uns eine wichtige Sache, wenn nicht das Wichtigste. Wir sind lieber eine Live-Kapelle als eine Album-Kapelle. Die Live ist dafür eine 
hervorragende Inspiration, von der man viel lernen kann.
Stellt Euch vor, jemand kennt die Bambule und die Live nicht. Wie würde eure Promo-Punchline klingen?
Müwie: Oha, darüber muss ich erst einmal nachdenken.
Len: Oh man, das ist schwer! Ich bin ja auch eigentlich nicht so der Texter. Aber die Punchlines für die Live stehen ja quasi schon im Booklet. Aretha Franklin hat offenbar gesagt: „The baddestnewsound on thescene!“ Ich finde das sehr passend. Auf jeden Fall ist es Herzmucke, einfach warme Musik fürs Herz.
Müwie?
Müwie: Das ist nicht so einfach. Vielleicht: Sie halten mich für einen nostalgischen Spinner, aber ich will zeitlos sein wie Bambule, Beginner.
Wer nun auf den Geschmack der Reimkünste von Eljot Quent gekommen ist, dem seien die Alben Alles auf Anfang und Batman ist tot empfohlen. Im Moment befindet sich die Band in der „Winterpause“, welche auf ein neues Album hoffen lässt. Neueste Ankündigungen, Videos und Livetermine gibt es auf eljotquent.com.
Mittwochsspiele & Heimattümelei
Posted: February 29, 2016 Filed under: 1 montagsfernsehen Leave a commentDie Gebrauchtwoche
22. – 28. Februar
Es kommt nicht allzu oft vor, dass man sich jenes Festival der Arglosigkeit herbeisehnt, mit dem das ZDF am Mittwoch gern die inhaltlich relevantere Konkurrenz parallel im Ersten kontert. Vorige Woche allerdings wäre der gewohnte Mix aus Aktenzeichen XY, halbgaren Dramen und Marie Brand geradezu von Weltniveau gewesen – verglichen zumindest mit dem, was das Zweite zur besten Sendezeit lieferte: Ein Fußballspiel zweier Teams namens PSV Eindhoven und Atlético Madrid. Für Außenstehende (also die Minderheit, aber immerhin): Das sind zwei Außenseiter der aktuellen Champions League aus Holland und Spanien, die nur deshalb zur seltsamen Ehre einer Live-Übertragung im gebührenfinanzierten Fernsehen kamen, weil es dafür zwar grotesk hohe Millionenbeträge zahlt, aber nur Mittwochsspiele übertragen darf. Da die Bayern bereits tags zuvor im Einsatz gewesen waren, hatte man in Mainz also zwei Optionen: Die Zeit sinnvoll zu nutzen, etwa für eine Dokumentation über die korrupte Klassengesellschaft UEFA. Oder eben irgendwas zeigen, Hauptsache Fußball.
Zur Belohnung gab’s je nach Perspektive fette oder magere 3,57 Millionen Unentwegter, die sich ein dem Vernehmen nach sturzlangweiliges 0:0 antaten und somit eher ein mittelprächtiger Anreiz waren, in dieser Woche an gleicher Stelle die Milliardärsspielzeuge Chelsea und Paris St.-Germain zu sehen. Dann doch lieber Radio hören. Jürgen Domian zum Beispiel, der in seiner allerletzten Saison bei 1Live unverdrossen die Probleme seiner insomnambulen Zuhörer fortschwafelt. Montagnacht jedoch wurde er dabei furchtbar reingelegt, als eine Anruferin während des Gesprächs vorgab, verdroschen zu werden. Das stellte sich später als Fake heraus, war aber ein paar Tage Anlass aufgeregter Berichte. Manchmal ist das Fernsehen doch wahrhaftiger als die vermeintliche Wahrheit da draußen.
Die Frischwoche
29. Februar – 6. März
Meistens jedoch ist es (zumindest aus deutschen Landen) so artifiziell, dass dauernd einheimische Schauspieler in alle Welt geschickt werden, um dort als ortsansässige Kommissare in fließendem Deutsch unter Ausländern (die dann ja Inländer sind) mit inländischem (also irgendwie, äh, deutschem) Akzent Mordfälle zu lösen. Solche Kommissare sind bereits in Bozen, Jerusalem, Athen, Venedig und Istanbul tätig, bald kommen Island, Kroatien, Zürich hinzu, zwischendurch geht es ab Donnerstag im Ersten nach Tel Aviv, wohin die Berliner Jüdin Sara Stein unter der Regie von Matthias Tiefenbach emigriert. Allerdings erst, nachdem sie im Debüt einen Tod in Berlin aufklärt.
Noch ein Klischeegewitter in Postkartenoptik also? Nix da! Trotz des blöden (und zu Beginn sachlich falschen) Titels, bringt Der Tel-Aviv-Krimi etwas Würze in den Krimibrei. Verhandelt wird ja weniger ein Mord als die Identitätssuche der Protagonisten, allen voran Sara, hinreißend ungeschminkt gespielt von Katharina Lorenz. Ebenfalls von seinen Darstellern in düsterem Ambiente lebt Philipp Kadelbachs herausragender ARD-Mittwochsfilm „Auf kurze Distanz“. Tom Schilling ist darin ein verdeckter Ermittler mit serbischen Wurzeln, der in die Wettmafia eingeschleust wird, wo er sich das Vertrauen von Luka (Edin Hasanovic), dem Neffen des Clanchefs erwirbt und fatal hineinschlittert in diese Parallelgesellschaft.
Weniger sinister als glitzernd ist hingegen das Biopic Liberace über den schillernden Hollywood-Popstar, gespielt von Michael Douglas, dem Vox gleich im Anschluss am Donnerstag ein Porträt widmet, dass den Superstar im Schatten seines Vaters Kurt schildert, der ein noch viel größerer Superstar war. Superstarprobleme eben… Erst auf dem Weg dorthin, aber schon erstaunlich weit gekommen, ist – nach deutschen Maßstäben – Alwara Höfels. Nicht so ganz deckungsgleich mit den optischen Ansprüchen an Schauspielerinnen, hat sie diese Woche ihren ersten Einsatz als Kommissarin im neuen Dresdner Tatort, dem sie als Feministin mit Cowboygang ungeheuer intensiv Leben einhaucht – auch dank des Drehbuchs von Ralf Husmann, der dem heimattümelnden Populismus der Pegida-Frontstadt mal augenzwinkernd, mal unverhohlen die Leviten liest.
Vielleicht sollte der Stromberg-Autor auch mal was über die derzeit wirkmächtigsten Populisten des Planeten machen, die Dienstag zuvor gleich in zwölf US-Bundesstaten zur Vorwahl der anstehenden Präsidentschaftswahl stellen. Phoenix steigt um 22.45 Uhr mit Vorberichten ein und überträgt ab 0.45 Uhr live aus den USA. Die Doku der Woche dagegen widmet sich einem Kollegen des Superstarsohn-Leidtragenden Douglas und zeigt ihn als Kerl aus der Bronx: Tony Curtis (Montag, 21.50 Uhr, Arte). Die schwarzweiße Wiederholung setzt an gleicher Stelle kurz darauf (0.35 Uhr) sogar noch etwas früher an: Die Somme. Das Grab der Millionen von 1930 schildert das Schicksal einer deutschen Mutter, die drei Söhne im ersten Weltkrieg verliert. Und in Farbe: Der Mörder ist unter uns (Sonntag, 21.40 Uhr, ZDFneo) mit Christoph Waltz als manischer Profiler, der schon 2003 unter Markus Imbodens Regie andeutet, was in ihm steckt.
Stereo Total, LNZNDRF, Cavern of Anti-Matter
Posted: February 26, 2016 Filed under: 5 freitagsmusik Leave a commentInterview der Woche
Françoise Cactus
Seit mehr als zwei Jahrzehnten steht das Berliner Electroclashduo Stereo Total für gediegenen Aberwitz, der sich nicht zu ernst nimmt, aber auch nicht mickrig macht in seiner Verspieltheit. Das 12. Studioalbum Les Hormones ist da keine Spur seriöser, gar schlechter – im Gegenteil: Die singende Schlagzeugerin Françoise van Hove, besser bekannt als Cactus, wird geradezu autobiografisch und verarbeitet an der Seite ihres Weggefährten Brezel Göring bei aller Heiterkeit auch ernste Seiten ihres Lebens zwischen französischem Ursprung und deutscher Wahlheimat. Allzu trocken wird das aber, keine Sorge, natürlich dennoch nicht. Ein Gespräch mit wundervollem Akzent.
freitagsmedien: Françoise, in der Ankündigung zu eurer neuen Platte steht, Stereo Total hätten nie an irgendwelchen „Pop-Scheiß“ geglaubt.
Françoise Cactus: Das stimmt. Aber nur, wenn es sich um kommerziellen Pop-Scheiß handelt, dieses durchproduzierte Hightech-Zeug, bei dem es vor allem ums Verkaufen geht. Perfektion tötet den Underground und jeden Trash. Ich glaube an den Pop, aber dafür muss er eigenartig sein, nicht unbedingt besonders verkäuflich oder sonstwie angesagt. Trotzdem waren und sind Stereo Total auf ihre Art immer modern.
Als ihr mit Angie Reed und San Reimo das Album Juke-Box-Alarm gemacht habt, wart ihr sogar fast stilbildend für die elektronische Disco jener Tage, in der ihr euch Ende der 90er angenehm zwischen ulkigem Pop und humorlosem House positioniert hat.
Deshalb wollte es am Anfang wirklich keiner rausbringen. Viele meinten damals, was ist denn das für eine alberne Scheiße?! Mais bon – schließlich haben wir doch ein Label gefunden, und wenn ich mir heute ein paar unserer alten Stücke anhöre, denke ich, die kann man sich wirklich gut anhören. Das klingt weder alt noch unmodern, geschweige denn albern.
Trotzdem klingt auch die neue Platte oft nach musikalischem Dada. Wie ernst sollte man das nehmen?
Bitte nicht zu ernst, aber auch nicht nur leicht. Manche Themen werden ja nur auf leichte Art vorgetragen, handeln aber von den ernsten Dingen des Lebens. Ich versuche da die Waage zu halten.
Nehmen wir das Auftaktstück Zu schön für dich.
Da geht es darum, wie sich Mädchen heutzutage für ein seltsames Schönheitsideal zurichten und quälen, nur um vielleicht Germany’s Next Top Model zu werden. Das finde ich ungeheuer traurig und habe dieses Lied geschrieben; nicht, um eine lustige Geschichte zu erzählen. Trotzdem darf es natürlich ironisch, unterhaltsam, drollig klingen. Ich möchte gern als amüsante Sängerin wahrgenommen werden, habe aber durchaus den Ehrgeiz, dass man meinen Texten etwas anderes als Pointen entnimmt. Deshalb hab ich auf der letzten Platte auch über Frauen in der Musik geschrieben, die die Männerwelt ringsum eigentlich nur stören. Ich habe mir darum vorgenommen, ein Handbuch für Mädchen zu schreiben, die eine Band gründen wollen. Das kenne ich ja noch aus meiner eigenen Anfangszeit.
Überhaupt sind deine Texte offenbar öfter als man meint autobiografisch oder?
Teils, teils. Good night, bad Morning zum Beispiel handelt davon, aufzuwachen und einen Typen neben sich im Bett zu finden, an den man sich nicht erinnert. Das ist mir selbst mal passiert, als ich noch jung war. Ein Schockerlebnis, das ich in dem Lied verarbeite. Manchmal benutze ich also eigene Erlebnisse, bleibe aber immer ein wenig distanziert. Ich würde nie darüber singen, dass ich gerade wirklich Liebeskummer habe. Das ist mir zu privat.
So ganz öffentlich erscheint mir Halt deine Kerze gerade aber auch nicht, in dem es um deine katholische Jugend geht.
Schon. Es geht allerdings gar nicht so sehr um Religiosität, sondern Körperhaltung. Meine Mutter war sehr streng damals, in der Hippiezeit, wo Jugendliche wie ich immer bloß schlaff herumgehangen haben. Halt deine Kerze gerade war da ein Spruch, den ich oft von ihr gehört habe.
Oje, ich hab damit – gerade weil das Stück gleich nach dem S/M-Song Labu Hotelu kommt – irgendwas Sexuelles assoziiert…
(lacht laut) Nein, nein, nein – das ist ganz seriös gemeint. Und in Labu Hotelu ist der Aspekt des Quälens wie in Halt deine Kerze gerade viel bedeutender als irgendwas Sexuelles; deshalb stehen die Stücke so nah beieinander. Ein Glück, dass meine Mutter kein Deutsch kann (lacht noch lauter)… Ich glaube, für schlüpfrige Texte bin ich nicht mehr jung genug.
Wenn man sich dadaistische Bands wie Schnipo Schranke, Die Heiterkeit oder HGichT anhört – lassen die ihre Urahnen Stereo Total eher alt aussehen oder geben die euch neuen Schwung?
Also faktisch sehen wir verglichen damit vielleicht alt aus, aber ich habe da überhaupt keine Komplexe. Und wenn ich mir unser Publikum ansehe, wo die Leute teilweise in zweiter Generation stehen, muss ich mich erst recht nicht alt fühlen. Wir machen stur unser Ding und die Leute können sich das anhören oder es lassen. Und wenn ich mir die Bands, die du genannt hast, anhöre, habe ich doch das Gefühl, wir hätten in gewisser Weise Einfluss auf sie gehabt, mit einfachen Mitteln anspruchsvolle Musik machen.
Wie lang macht ihr das denn noch, 23 Jahre nach eurer ersten Single?
Ich habe jedenfalls nicht vor, bald in Rente zu gehen. Eine meiner Lieblingssängerinnen ist Brigitte Fontaine, die in Deutschland leider kaum jemand kennt. Sie ist fantastisch, bestimmt fast 80 und trotzdem mögen sie auch die Kids. Wir machen weiter, bis sich kein Schwein mehr für uns interessiert.
Das Interview ist vorab auf dem MusikBlog erschienen
LNZNDRF
Unsere Sprache verfügt über putzige Twists, auch abseits der korrekten Schreibweise lesbar zu sein. Auch von Vokabeln befreit merkt man, was die Shirt-Parole FCK CPS von Polizisten hält. Und nicht nur Fans des Genres erkennen in KACRURTOK sogleich KRAUTROCK. Dass sich die Band LNZNDRF daran orientiert, ist dem Buchstabensalat zwar zunächst mal weniger anzumerken als dem Namen des beteiligten Ben Lanz im phonetischen Mix mit Bryan und Scott Devendorf, bekannt als Drum & Bass von The National.
http://www.clipfish.de/suche/?search=LNZNDRF
Wer ihr Projektdebüt hört, könnte aber meinen, der ewigen Melancholie überdrüssig, würden sich die zwei Brüder endlich mal locker machen. Im Rahmen des krautrockig Möglichen sprüht das gleichnamige Album nur vor Übermut, der sich hier mit heiteren Fuzzriffs, da mit hedonistischem Geschredder äußert. Und während sich wahre KACRURTOKER unterm Einfluss sedierender Substanzen oft im Chaos verirrten, klingen ihre Epigonen nun wohlgeordnet und melodisch klar. Da bedarf es auch keiner Worte – ob sortiert oder nicht.
LNZNDRF – LNZNDRF (4AD)
Cavern of Anti-Matter
„Worüber man nicht singen kann“, variierte die Hamburger Schulband Tocotronic 1995 den Wiener Philosophen Ludwig Wittgenstein, „darüber muss man schweigen“. Vielleicht hatten Cavern of Anti-Matter ja dieses höchst wahrhaftige Bonmot im Sinn, als sie sich 15 Jahre später nannten wie sie nun heißen. Weitgehend wortlos wirft das Projekt um Stereolab-Gitarrist Tim Gane bedeutungsschweren Breitwandrock in einen Hohlraum schwer greifbarer Substanz, der allen Sinn aufsaugt und so als Soundtrack ohne Film zur Assoziation freigibt.
https://soundcloud.com/cavern-of-anti-matter/melody-in-high-feedback-tones-coam
Für die einen klingt das zehnminütige High-Hats Bring the Hiss demnach, als würde es Sunny Crocketts Ferrari auf Vollspeed durch Miami begleiten, während das halb so lange Blowing my Nose Under Close Observation dabei zu sein scheint, wenn er den Tätern sodann durch sterile Lagerhallen nachspürt. Andere hingegen hören darin eher antiquierten Kriminal Tango im Gewandt der synthetischen Achtziger. Vielleicht sollte man „Anti-Matter“ besser mit „auch egal“ als „Antimaterie“ übersetzen, aber wenn ein Debütalbum ohne feste Genrezuordnung so fabelhaft entertaint, ist das locker zu verschmerzen.
Cavern of Anti-Matter – void beats/invocation trex (Duophonic)
freitagsmedien 