Bastian Pastewka, Hamburg 2012

Ich spiele am liebsten Durchschnitt

Wenn Normalität brüllend komisch wird und aus dem Nichts Comedy, dann ist hierzulande meist Bastian Pastewka am Werk. Der Bochumer hat es in geschafft, sich vom Brsikos Schneider der Wochenshow zu emanzipieren und eine eigene Marke zu schaffen. In Serien wie Pastewka (derzeit freitags ab 23 Uhr, Sat.1) oder Filmen wie Mutter muss weg spielt er immer auch ein bisschen sich selbst und tut damit im anschwellenden Wahnsinn ringsum das, was er am besten kann: aus Alltagshandeln Humor gewinnen. Ein Gespräch über die Basis guter Witze und das Potenzial der Normalität, über Eitelkeit, Würde und seine allererste Sexszene.

freitagsmedien: Herr Pastewka, ernsthaft – hatten Sie im Fernsehfilm Mutter muss weg kürzlich allen Ernstes eine Sexszene?

Bastian Pastewka: Sogar meine erste.

Und wie war’s?

Toll!

Weil es Spaß gemacht hat oder weil man Ihnen das noch zutraut?

Ich bin 40 und daher im Grunde nur noch Sexobjekt. Das ist ja bekannt! Aber viel intensiver als die Kuschel-Szene war ja unsere gemeinsame Tanzszene.

Sie können offenbar sogar Tango.

Überrascht Sie das? Ich hab zwar als Teenager die Tanzschule oft geschwänzt, weil ich damals zu unbeweglich war. Aber für die Szene hat’s gereicht. Außerdem haben Rosalie und ich viel geübt.

Hatten Sie keine Angst, bei der Fast-Bett-Szene oder dem Tanz gängigen Schönheitsidealen solcher Einstellungen zu widersprechen?

Ach, es bringt ja nichts, sich schöner machen zu wollen, als man ist. Deshalb nehme ich mir auch immer wieder vor, weniger Sport zu machen, um mehr Zeit zum Essen zu haben. Mich stört im Grunde bereits, morgens am Filmset gleich stundenlang geschminkt zu werden. Diese Fummelei im Gesicht kann ich kaum ertragen. Bei Wolfgang & Anneliese…

Ihrer Volksmusikpersiflage mit Anke Engelke.

… bleibt das natürlich nicht aus. Aber in einer Real-Life-Geschichte wie bei Mutter muss weg…

Der mit der Bettzene.

… bin ich dogmatisch: Verschönern oder gar doubeln ist nicht notwendig. Und es macht mir auch keine Angst, wenn Zuschauer sich fragen, wie der mit dieser Wampe und den Runzeln am Hintern eine Sexszene drehen kann. So sehen Menschen halt aus.

Versucht man Sie da vielleicht sogar eher unansehnlicher zu machen, um dem Bild der Normalität, das Sie etwa in Pastewka verkörpern, besser zu entsprechen?

Vielleicht. Denn ein Supermodel kriegt man bei mir mit der besten Maske nicht hin, einen hässlichen Dicken ohne Probleme. Frauen gehen auch ganz gut, weil ich so lange Beine habe. Für meinen Bastian in Pastewka sitze ich zehn Minuten in der Maske. Schneller geht nicht. Ich spiele am liebsten Durchschnitt. Ich liefere mich der Kamera bedingungslos aus.

Ist das ein Mangel an Eitelkeit oder ein Überfluss an Professionalität?

Es ist ein Höchstmaß an Eitelkeit und ein Mindestmaß an Professionalität. Ich verrate Ihnen mein Mantra: „Liebe Regie, liebe Ausstattung, liebe Autoren: Sprecht mit mir! Komplizierte Szenen lösen wir gemeinsam! Ich bin zu allem bereit, wenn es dem Großen Ganzen dient!“ Ich will vorab wissen, was für ein Film es wird, denn am Set selber will ich arbeiten, nicht diskutieren. Außerdem möchte ich es gern nett haben bei der Arbeit; auch wenn ich den anstrengenden Stinkstiefel Pastewka spiele.

Viele glauben, Sie spielen nicht nur da eigentlich sich selbst.

Da ist was dran. Wie jeder Komödiant überzeichne ich das wahre Leben, aber alle Emotionen, die ich spiele, haben irgendwie mit mir zu tun. Auch bei Mutter muss weg, wenngleich sich die Situation, einen Killer auf nahe Verwandte anzusetzen, bei mir nicht aus dem wahren Leben schöpfen ließe. Trotzdem steckt darin viel Humor.

Der entsteht bei Ihnen oft eher aus Leerstellen und Pausen, weniger aus Knalleffekten und aufgerissenen Augen. Wie gewinnt man aus dem Normalen Pointen?

Wenn eine Film-Komödie 90 Minuten lang ist, sollte man günstigstenfalls normal beginnen und dann unauffällig ins grotesk Komische übergehen. Man kann das Publikum mit Normalität anlocken. Wenn man es jedoch gleich zu Beginn an überdrehten Quatsch gewöhnt, ist das Pulver schnell verschossen. Ich hab überhaupt nichts gegen anständige Albernheit; auch mein Publikum freut sich über ein paar zünftige Zoten, was ich erleben durfte, als wir Pastewka im Kino gezeigt haben. Viel wahnsinniger macht mich, wenn Filmemacher sich ständig in ihrem Werk dafür entschuldigen, eine Komödie gedreht zu haben.

Klingt ziemlich deutsch.

Stimmt. Daher mein Appell: Steht zu eurem Genre! Traut euch Humor! Pfeift mal auf Bedeutung, auf Anspruch, History! Komödie ist ganz simpel, wenn man mal einmal den Schalter umgelegt hat.

Ist das auch ein Plädoyer, mehr Komik im Drama zuzulassen.

Unbedingt! Und mehr Klamauk in der Komik. Wichtig ist, dass die Rechnung am Ende aufgeht, dass es stimmig ist. Komik entsteht aus Schmerz, Verlangen, dem Wunsch, zu erreichen, was womöglich misslingt. Deshalb muss jede Komik einen gewissen Ernst enthalten. Ein Muttersöhnchen an sich ist nicht komisch; es muss dagegen angehen. Das Wesentliche ist, diesem Scheitern inmitten des Wahnsinns zuzusehen.

Aber selbst im Wahnsinn sind Sie ein ruhender Pol, der ohne Lärm zum Lachen bringt.

Oh, danke. Ich kenne aber auch kein allemeingültiges Rezept. Humor funktioniert bei mir wie ein guter Soundtrack: Ich mag Pausen. Das Komische liegt im Langsamen. Jeder fragende Blick ist bei mir meist lustiger als ein zappeliges „Was?“. Ich durchforste das jeweilige Drehbuch zunächst nach diesen kleinen Momenten.

Das klingt nun wiederum nach harter Arbeit.

Selbstverständlich. Nichts, was ein fiktionaler Film zeigt, ist spontan entstanden. Es gibt keine Zufälle im Film, höchstens mal originelle Ergänzungen.

Drehbücher sind Gesetzeswerke?

Ich finde ja.

Da darf nichts mehr rein?

Als ich mich bei Pastewka mal unabsichtlich bekleckerte, haben wir das drin gelassen, weil es gepasst hat. Aber wenn so was zur Methode wird, geht es daneben. Unserem Vorbild Curb your Enthusiasm von Larry David wird gern unterstellt, es sei improvisiert. Nix da! Alles gewollt, alles verabredet. Wir machen ja keine Impro-Comedy, wo die Bühne spontan mit dem Publikum interagiert. Das ist die Königsdisziplin. Ach, wie gern würde ich die beherrschen… Wenn das Bonner Improvisationstheater Springmaus aus einem Zuruf Fünfminutensketche macht, weine ich vor Glück. Mir selbst zitterten dagegen schon die Knie, als Sat1 bei mir für die Schillerstraße angefragt hat. Ich wusste genau, bei da würde ich spektakulär scheitern.

Wo bleibt da Ihr Ehrgeiz, neue Fallhöhen auszuloten?

Ich besitze keinen! Ich lese meine Drehbücher und plane, plane, plane. Am Filmset weiche ich zwar gern mal von meinen Vorstellungen ab, kann aber nur vorbereitet in den Tag gehen. Es gibt viele Kollegen, die sagen. „Ich lese nicht das Drehbuch, das Drehbuch liest mich“; ich will das so nicht!

Wie vernünftig…

Tja. Vielleicht liegt es daran, dass ich nie eine Schauspielschule besucht habe. Ich befürchte immer noch, dass irgendwann jemand mit einem Aktenkoffer in der Hand bei mir klingelt und sagt: „Herr Pastewka, hier haben Sie es schriftlich: Sie können das gar nicht richtig, was Sie da tun.“ Richtig gute Schauspieler sind meist gute Komiker; umgekehrt ist das selten. Weil Komödianten eher auf den unmittelbaren Effekt aus sind – das Lachen. Danach suchen sie auch im Schauspiel instinktiv, kriegen es aber nicht, kämpfen dann umso mehr darum und scheitern noch fulminanter. Mir ist das im 1. Teil vom Wixxer so gegangen. Da wollte ich zu viel.

Gibt es einen Unterschied zwischen gewollt komisch und komisch?

Wenn das Gewollte gut ist, nicht. Mir gefällt das versteckt Komische allerdings besser. Wenn ich mich hier in der Hotellobby umsehe, ist es womöglich viel witziger, wenn jemand sich mit merkwürdiger strenger Geste die Haare aus dem Gesicht streicht, als wenn er voll gegen den Türpfosten knallt. Kleinigkeiten interessieren mich, Alltägliches, das Unbeobachtete. Auch, was die Reaktion betrifft. Wenn es etwa irgendwo im Restaurant laut scheppert, dreht sich in schlechter Comedy alles um; in der Realität ist das Gegenteil der Fall; da ist so ein Knall bedrohlich und lässt den Blick sinken. Darin liegt vielleicht sogar die stärkste Komik der Comedy.

Haben Sie eigentlich Probleme mit dem schlechten Image dieses Begriffs?

Ich kann ja nichts gegen ihn tun. Wer auf der Straße fragt, ob jemand Comedy mag, kriegt fast immer ein Nein, gern versehen mit dem Zusatz, in Deutschland gäbe es ohnehin keine Humorkultur blablabla. Diese Leute gucken dann abends „Sketche mit Herbert und Schnipsi“ oder strömen in Comedy-Shows und das sind nicht nur Prolls, die billige Zoten wollen. Dem Publikum zu unterstellen, es hätte keinen oder gar schlechten Humor, ist vermessen.

Aber man kann ihm unterstellen, es reagiert auf billige Fließbandpointen, die ohne Aufwand zum Lachen bringen.

Ich glaube, dass kein Publikum der Welt langfristig auf billige Pointen hereinfällt. Aber es ist einfacher, sich über populäre Comedy-Stars aufzureiben als, sagen wir: über Zoodokumentationen. Eisbär, Affe und Co. oder wie diese Dinger am Nachmittag heißen, sind das Deprimierendste überhaupt. Man sieht traurige Tiere in winzigen Käfigen, denen von noch ärmeren Pflegern mit Shampoo-Allergie das Fell geschoren wird. Das ist schlimmer als jede schwache Comedy, schlimmer sogar als Scripted Reality. Darüber regt sich aber niemand auf, weil die Strahlkraft fehlt, weil es keine Lobby gibt, die mit einstimmt ins Lamento, wie beim Verfall der Humorkultur. Es sind ja nur Tiere…

Das Abendprogramm zieht halt mehr Aufmerksamkeit auf sich.

Und da finde ich bedenkenswert, dass es nicht zu wenig guten Humor gibt, sondern zu wenig Humor insgesamt. Zwischen Tausenden von Krimis und dem Rest aus Show, News und Pilcher-Schmalz gibt es nur ein paar kleine erzählerische Inseln namens Dittsche, Stromberg und Tatortreiniger. Das war’s. Wir haben keinen zu schlechten Humor für’s deutsche Fernsehen, sondern zu schlechtes deutsches Fernsehen für guten Humor.

Liegt das am deutschen Hang, auf alles einzuhacken, was erfolgreich ist?

Unbedingt. Ich rufe allen zu: „Macht es besser! Schreibt Komödien! Schreibt auch albernen Unsinn, aber eben erhobenen Hauptes. Trivial, nicht banal! Bringt uns zum Lachen! Vielen Dank!“

Aber wenn es doch zusehends banal wird, muss man doch auch das anspruchslose Publikum kritisieren dürfen.

Aber die 75.000 Live-Zuschauer bei Mario Barth lachen doch gar nicht unbedingt über jede einzelne Handtaschenpointe, sondern im Chor. Es geht um Wiedererkennung, um ein Stück Vertrautheit. Und um Respekt vor jemandem, der das, was er da vor einer Riesenmenge tut, wirklich beherrscht. Mario Barth ist in seinem Fach ein Könner. Er ist in der Lage, nichts dem Zufall zu überlassen, er stellt sich dem Publikum absolut zur Verfügung. Das ist nicht immer feinsinnig, aber keinesfalls schlecht.

Das Niveau sinkt, wenn einparkende Frauen zum Wesen des Witzes werden.

Nicht automatisch, wenn man aus dem Phänomen einen guten Scherz ableitet. Zugegeben, mich interessiert dieses Thema auch nicht. Aber ist das ein Grund, die Flinte ins Korn zu werfen und das Publikum zu geißeln? Gehen Sie mal nach England, nach Amerika – da hat Comedy denselben Stellenwert wie Reality, Show und Drama. Bei der Verleihung der Emmy’s in L.A. bekommt jede Rubrik eine ganze Stunde Sendezeit. Beim Deutschen Fernsehpreis findet man seit einigen Jahren nicht mal mehr drei gute heimische Comdeyserien für eine mögliche Nominierung. Die Kategorie „Comedy“ wurde daher abgeschafft.

Nicht zuletzt, weil die guten Stoffe fehlen.

Oder der Mut, ernste Stoffe mit Humor und Homoristen zu versetzen.

Und wenn sich das ändert, sehen wir Sie auch mal in ernsten Stoffen.

Ich hoffe doch. Ich hab mir viel Mühe gegeben, mein Image so zu schärfen, um in Untergang II einen Nazi zu spielen. Aber im Ernst: Ich muss nicht mit meinem Image brechen, um es mir und anderen zu beweisen. Sonst scheitere ich, und zwar zu Recht. Mein Anspruch ist es, Komödie so viel Ernsthaftigkeit zu lassen, dass das Komödiantische erkennbar bleibt. Ich mag diese kleinen Oszillationen zwischen Spaß und Ernst in Mutter muss weg, aber danach freue ich mich auch wieder auf Durchschnitt bis zum Äußersten.

Gibt es dabei eine Form der Selbstentblößung, die Sie nicht bieten würden, etwa eine Sexszene, die übers Anbahnen hinausgeht?

Nö. Schon gar nicht körperlich. Es gibt ja weit entblößendere Dinge, als sich auszuziehen.

Zum Beispiel?

Wenn ich mich verspiele. Wenn ich laute Töne anschlage, wo leise gebraucht werden. Das ist im Ernstfall viel nachteiliger für mich als Person, als halbnackt im Gegenlicht gefilmt zu werden. Vor solchen Fehlern werde ich vielleicht nie gefeit sein. Bitte schreiben Sie: „Pastewka weiß doch auch nichts!“

Interview: Jan Freitag

Christian Redl, Hamburg 2009/13

Für Mist bin ich zu alt

Foto: Jim Rakete/photoselection

Seit Jahrzehnten liefert der Schauspieler Christian Redl stille Charakterrollen für Film und Fernsehen, meistens in tragenden Nebenrollen. Als melodramatischer Ermittler einer gefeierten Krimireihe tief im Osten der Republik brilliert der 65-jährige Schleswig-Holsteiner auch mal in einer Hauptrole. Interview mit einem unbekannten Star über seinen Kommissar in Der Tote im Spreewald (z.B. Montag, 20.15 Uhr, ZDF), deutsche Mythen, das quotensüchtige Fernsehen und die Angst vorm Verfall. Interview mit einem unbekannten Star.

freitagsmedien: Herr Redl, in Der Tote im Spreewald heißt es an einer Stelle, „Heimat kann man sich nicht wie Dreck von den Füßen wischen“. Ist das nur Zitat oder auch Appell?

Christian Redl: Beides. Man darf das nicht zu sehr aufladen, aber dieser Heimatbegriff ist ein sehr gestriger mit sehr heutigen Komponenten. Ich denke, man muss seine Heimat erst einmal in Gefahr sehen, um ein Verlustgefühl, ein Erhaltungsbedürfnis, ein Interesse daran zu entwickeln.

Spüren Sie das auch privat?

Überhaupt nicht. Meine Heimat ist meine Hosentasche. Mir ist es Wurscht, wo ich bin, so lange ich da gerne bin.  Heimat ist für mich da, wo ich mich gerade aufhalte.

Die Masse verbindet weit mehr damit.

Ja, es kommt aber drauf an, in welchem politischen Lager man steht. Heimatgefühle an sich sind durchaus natürlich. Wenn sie aber zur nationalistischen Kategorie ausgestaltet werden, zum übergeordneten Zugehörigkeitsbegriff, hab ich damit meine Probleme.

Je größer das Entwurzelungsgefühl, desto größer die Sehnsucht nach Heimat.

Wo Grenzen verschwimmen, Konzerne multinational sind, Menschen den Wohnort wechseln wie ihre Hemden, wo alles haltlos wird, gewinnt der Heimatbegriff ein Stück seiner Wärme zurück. Insofern ist dieser Film zeitgemäß, weil er Menschen zeigt, die handeln, leben, fühlen wie in den Fuffzigern. Darin schwingt ohne Frage eine Sehnsucht nach Überschaubarkeit vergangener Zeiten: zurück zur Natur, zurück zu alten Werten. Nicht ohne Grund ist der Hauptdarsteller dieses Films eigentlich…

Der Wald.

… ganz genau. Er ist Stimmungsspeicher und -lieferant. Erst sind die Bäume da, dann Konflikte.

Fast ein Wagner’sches Element.

Absolut. Wie und womit ist denn unser Wald besetzt? Welche Kraft legt man ihm zugrunde? Welche Mythen, Ängste, Bilder, Albträume, Märchen verbirgt er?

Haben Sie diesen Mystizismus gespürt, als Sie darin gedreht haben.

Das sehe ich wie ein Kameramann: tolle Motive in einer Landschaft, die die Phantasie in alle Richtungen mobilisiert. Wenn man da mit einem technisch hochgerüsteten Filmteam dreht, wird er automatisch entmystifiziert. Das ist wie mit Liebesszenen. Es geht um Inszenierung – den Arm hierhin, die Hand dort hin; das ist alles andere als erotisch. Die Vorstellung, in einer natürlichen Atmosphäre bilde sich eine natürliche Magie, ist purer Romantizismus. Als Anthony Hopkins gefragt wurde, wie er sich auf Hannibal Lector vorbereitet hat, meinte er, es gäbe Kollegen, die das Method Acting so weit trieben, alle Gerüche, Bilder, Emotionen einer Rolle so lange auf sich einwirken zu lassen, bis sie zu etwas Eigenem werden. Er dagegen lerne den Text, gehe zum Set, den Rest überlasse er seiner Phantasie. Das verstehe ich unter schauspielerischer Professionalität.

Kann man dafür veranlagt sein?

Man muss lernen, sich von nichts und niemand irritieren zu lassen. De Niro spielt den Hamlet in einer vollbesetzten U-Bahn, das macht den Superstar aus, nicht seine Gage, nicht die Einspielergebnisse. Es geht um die Fähigkeit, sich selbst im hysterischen Umfeld, konzentrieren zu können. Begabung, sagt Ulrich Tukur, nützt gar nichts, wenn du sie nicht im Griff hast.

Haben Sie sie im Griff?

Mal so, mal so. Ich muss hart arbeiten, um sie zur Wirkung kommen zu lassen.

Was ist mit der Herzog-Kinski-Konstellation zweier Berserker, die aufeinander einprügeln, um spielen zu können?

So funktionieren die wenigsten Charaktere. Wobei der wirklich Irre keineswegs Kinski war, sondern Herzog mit seiner introvertierten Kälte. Er meinte ja ganz ruhig, wenn du das nicht so spielst, schieß ich dich übern Haufen. Gegen den Moment der Wahrhaftigkeit wirkten Kinskis Wutausbrüche wie lächerliches Theater. Diese reale Gefahr im Wahnsinn hat die beiden Antipoden zusammengehalten.

Ihr Spiel ist da anders: reduziert, leise, bedächtig.

Das kommt auf die Rollen an, aber ich persönlich bin eher zurückhaltend – im Leben, wie im Spielen. Ich mag Lino Ventura oder Jean Gabin, die große Stillen des Autorenkinos. Die regeln alles mit ihrer Persönlichkeit, ohne sich mit Attitüden aufzuladen. Sie stellen sich einer Rolle mit ihren Gesten, ihren Stimmen, ihrem Selbst zur Verfügung. Das versuche ich auch, was natürlich manchmal zu Lasten der Wandelbarkeit geht. Die ist nicht jedem gegeben.

Ihnen etwa auch nicht?

Doch, doch, im Theater durchaus. Aber im Fernsehen… Dass ich auch sehr komisch sein kann, kann sich beim Fernsehen offenbar niemand vorstellen. So besetzt man mich einfach nicht. Meine Visage und meine Ausstrahlung signalisieren offenbar das Bild eines Mannes mit krimineller Energie. Nach Vielseitigkeit wird nicht gefragt. Diese eindeutige Physiognomie ist Fluch und Segen zugleich. Einerseits verdiene ich damit mein Geld, andererseits finde ich mich in einer sehr ernsten, engen Kategorie wieder. Zum Glück hat sich das im Laufe der letzten Jahre verändert; den Bösewicht spiele ich nur noch ab und an.

Und dann in totaler Zurückhaltung.

Darüber hat Michael Caine ein schönes Buch  geschrieben: Weniger ist mehr. Das Entscheidende im Film sei, nicht zu überzeichnen, sondern ein wenig zu untertreiben in Ausdruck und Gestaltung, sehr ökonomisch, sehr dosiert.

Der Trend geht allerdings zum mehr ist mehr.

Dabei hat Fernsehen doch diesen Riesenvorteil, dass ein einziger Blick eine ganze  Geschichte erzählen kann, ein Blick, den man im Theater ab Reihe 5 nicht mehr sieht. Doch das minimalistische Fernsehen hat sich teilweise den Maximalismus der Bühne angeeignet. Paradox!

Meinen Sie, es kommt noch mal eine Phase bedächtigen, doch ausdrucksstarken Fernsehens zurück wie Berlin Alexanderplatz, Kir Royal, die Dietl-Schule?

Die 80er? Schwer zu sagen. Wir leben in einer Zeit ausgeprägter Konzentrationsunfähigkeit, einer Zeit der Reizüberflutung, in der sich die Menschen millionenfach totlachen, wenn Mario Barth Witze macht. Da kommt mir alles hoch. Da lachen sogar jene, über die auf Stammtisch-Niveau hergezogen wird: Frauen, oft ganz hysterisch. Ziemlich armselig und erbärmlich finde ich das.

Trotzdem neidisch über 70.000 Live-Zuschauer?

Überhaupt nicht, nicht mal aufs Geld. Aber wenn man so will, ist Der Tote im Spreewald da die Konterrevolution, eine kleine, bewusste Antwort auf die grelle, laute Oberflächlichkeit. Und ein Gegenentwurf zu Filmen ohne Überraschungsmomente, mit Dreiecksbeziehungen, die sich zwanghaft duplizieren, so genannten Events wie Luftbrücke oder Sturmflut, mit vorhersehbarer Dramaturgie, die sich den Werbepausen unterordnet. Die Sender befinden sich heute in einem gnadenlosen Wettbewerb, selbst ARD und ZDF nehmen ohne Not neue Ansätze wie Kommissar Süden nach zwei Folgen aus dem Programm oder versenden sie im Nirgendwo. Alles wegen der Quote!

Umso erstaunlicher, dass die bei Geheimnis im Moor gestimmt hat.

Und das, obwohl kein Quotenschauspieler dabei war.

Ist Quote für jene, die sie nicht durch bloße Anwesenheit generieren, ein Schimpfwort?

Nein, aber wenn ein Regisseur dich will, kommt nicht selten der Produzent oder Redakteur und sagt unabhängig aller fachlichen Eignung für die Rolle, er sei mangels Quotenerwartung ungeeignet. Kein Wunder, dass mir nach Tod in der Eifel zur Quote gratuliert wurde, nicht zur Leistung. Das ist wie aufm Viehmarkt; man wird zwangsverpflichtet, sich mit diesen Erwartungen auseinanderzusetzen und ich merke bereits, wie dieses Gift durch meine eigenen Adern fließt. Also Schluss jetzt mit dem Quotenthema.

Sie haben angefangen.

Stimmt, weil alle so fassungslos waren, dass etwas Zurückgenommenes, Leises, Intimes wie Geheimnis im Moor noch Quote bringt. Nur: was machen denn die 5000 Quotenhaushalte, wenn der Fernseher läuft – Zuschauen, Suppekochen, Angelngehen? Das ist alles so ungenau.

Hinzu kommt die Heisenbergsche Unschärferelation, dass die Probanden genau wissen, beim Fernsehen beobachtet zu werden.

Was zweifelsohne zu gezieltem Sehverhalten führt, aber eigentlich will das niemand so genau wissen. Keiner will das Goldene Kalb eingehend untersuchen, geschweige denn schlachten. Der Quoten-Wahn kreiert Existenzen ebenso, wie er sie vernichtet. Wer oben, wer unten steht, entscheidet ein virtueller Wert ohne empirischen Nutzen.

Wie kam es abseits der Quotenfrage zu einem so sperrigen Thema wie einem Krimi mit Minderheiten-Problematik im polnischen Grenzgebiet?

Wahrscheinlich, weil dieser merkwürdige, unheimliche, abgelegene Spreewald so völlig unverbraucht war, ohne komplett unvertraut zu wirken. Dennoch verwendet der Film diese Gegend samt ihrer Minderheit in erster Linie als Folie. Als Schauspieler ist man eigentlich dauernd auf der Suche nach einer Metaebene, auch wenn man selten fündig wird.

Nach einem soziokulturellen Bezug?

Genau. Minderheitenproblematiken in bedrohter Umwelt haben fraglos einen aktuellen Impetus. Aber als Schauspieler bin ich nur Arbeitnehmer, abhängig von Arbeitsbedingungen und dem Drehbuch. Da kann ich dann nur hoffen, dass ein bisschen mehr Sinn und Substanz in einem Landschaftsfilm wie diesem steckt, als in dem Steilküstenkitsch der Marke Pilcher. Die Konflikte der Protagonisten rühren aus der Konfrontation zwischen Tradition und Moderne.

Fürchten Sie im Erfolgsfall zum Fernsehkommissar ohne Rückfahrkarte zu werden.

Im Gegenteil: durch die Krise hat sich auch unsere Arbeitssituation verschlechtert. Die Angebotslage ist für immer mehr Schauspieler äußerst dünn, obwohl es sich langsam bessert. Das zeigt sich bei den Gagen, die inzwischen so gewaltig runtergehen, dass man beim Casting lange vorm ersten inhaltlichen Gespräch zu hören kriegt, wie wenig Geld man zu erwarten hat. Andererseits sinkt die Zahl guter Rollen. Viele Projekte werden aus purem Kostendenken zurückgehalten. Das spüre ich ganz persönlich. Insofern würde ich mich über einen dritten Spreewald-Teil freuen.

Sie waren aber nie ein Vieldreher.

Meine Auswahl orientiert sich weniger an monetären Erwägungen als an der Lebenszeit, die ich mit einer Arbeit verbringe. Wenn ich mich entschließe, mitzuspielen, sollte das Projekt im weitesten Sinne mit Qualität zu tun haben. Für Mist bin ich zu alt.

Wenn auch nicht für RTL-Blockbuster wie Schatzinsel oder Vulkan. Wo ist die Schmerzgrenze?

Wenn sich Charaktere nur aus Plattitüden zusammensetzen. Aber glücklicherweise fragt mich ja auch keiner danach, Pilcher oder irgendwelche seichten Serien zu spielen. So entgehe ich der Gefahr, über meinen Schatten springen zu müssen und doch mal etwas zu drehen, was ich mir lieber verkneifen würde.

Gerade im Alter, wo man nicht mehr so oft gebucht wird.

Ich denke, dass man mich noch eine ganze Weile gebrauchen kann. Auf mich sollte man nicht verzichten. Außerdem hätte ich mir vor 20 Jahren nicht träumen lassen, dass ich mich mit über 60 noch so wohl fühle.

Fürchten Sie sich dennoch vorm Verfall?

Schon, aber er ist ja vorhersehbar und meine Haare sind mir schon mit 19 ausgegangen. Der Kreis schließt sich und irgendwann ist es vorbei. Ich versuche schlicht und einfach, bereit zu sein. Das beugt Hysterie vor. Altern ist eine Frage der gedanklichen und physischen Vorsorge, um von dem unvermeidlichen Ende nicht allzu sehr überrascht zu werden.

Ist man am Ende allein oder gibt es Freundschaften in der Branche?

Ja, wenn man sich der Spielregeln bewusst ist. Aber unter Schauspielern gibt es keine wirkliche Solidarität. Letztlich ist sich jeder selbst der Nächste.

War das mal anders?

Ich habe in den Siebzigern an Mitbestimmungsexperimenten mitgewirkt. Es war der Versuch am Theater in Frankfurt, autoritäre Strukturen zu beseitigen. Drei Direktoren, Beirat, Vollversammlungen – morgens Probe, mittags Sitzung, abends Auftritt, nachts debattieren und trinken. Da wurde alles öffentlich ausgehandelt, selbst Besetzungen. Man musste sich vor versammelter Mannschaft anhören, für den Woyzcek womöglich doch zu wenig Ausstrahlung zu haben. Auch Einflussnahme kann schmerzhaft sein. Das zeigten sich rasch die Grenzen der Mitbestimmung in der Kunst. Wie sagte Werner Herzog: Jeder für sich und Gott gegen alle.

Interview: Jan Freitag

Das Interview ist Ende 2009 in der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung erschienen: http://www.faz.net/aktuell/feuilleton/medien/2.1756/christian-redl-im-gespraech-fuer-mist-bin-ich-zu-alt-1606065.html